La Cueva de los Recuerdos

Se acuerdan de..."El llanero solitario"

2011-12-28T08:05:00.000-03:00

El 28 de diciembre se cumple un nuevo aniversario de la muerte del actor Clayton Moore quien fuera el protagonista, en la mayoria de los capítulos, del personaje el Llanero solitario.

El actor Clayton Moore (14 de Septiembre de 1914 (Chicago, Illinois, USA) 28 de Diciembre de 1999 (Los Ángeles, California) se hizo famoso interpretando el papel protagónico en la serie televisiva El Llanero Solitario, murió a los 85 años, de un ataque al corazón en el hospital West Hills. Aquellos espectadores que eramos niños en las décadas de 1950 y 1960 no olvidaremos su figura de cowboy enmascarado que, al compás de la obertura de Guillermo Tell de Rossini, aparecía montando a su caballo blanco al grito de Hi-Yo, Silver.

Moore empezó su carrera como acróbata de circo. En 1938 llegó a Hollywood y actuó en muchos papeles menores en películas del Oeste, hasta que en 1949 lo eligieron para interpretar a The Lone Ranger, como se llamó la serie televisiva en inglés. Fue el mayor éxito de la cadena ABC en la posguerra: hasta 1956 se filmaron 169 capítulos.Con sus balas de plata, sombrero blanco y antifaz oscuro, el personaje de El Llanero Solitario se apoderó de Moore.

En la década del 50 hizo dos películas interpretando a este solitario miembro de los Texas Rangers que, acompañado por su fiel amigo indio Toro -interpretado por el actor Jay Silverheels, que murió en 1979 a los 62 años- siempre hacía justicia. Cuando se fue de la serie por problemas de contrato, Moore siguió haciendo shows. Pero en 1979 la empresa dueña de los derechos de El Llanero Solitario lo obligó judicialmente a abandonar el personaje.

El juez Vernon Foster dijo que Moore no podía usar más el antifaz negro ni publicitarse como El Llanero Solitario.
Apenado, Moore acató la decisión del juez. En 1987 se colocó una estrella con su nombre en el Sunset Boulevard de Los Angeles. Y el alcalde honorario de Hollywood, Johnny Grant, dijo que con la muerte de Clayton Moore hemos perdido una parte de los Estados Unidos.

Fuente: globemedia.com

¡¡ Feliz Navidad...!!!

2011-12-24T11:18:00.002-03:00

Una canción de John Lennon para compartir con los amigos "cuevíferos" en una fecha tan especial

John...siempre John

2011-12-11T11:39:00.000-03:00

Y claro, casi todos los años (¿o todos?) cuando llegamos a esta fecha de diciembre, nos viene el recuerdo de uno de los más grandes músicos de todos los tiempos, John Lennon.

Asesinado por la estupidez humana, encarnada en un loco, Lennon dejó un legado indeleble al paso del tiempo.

Hoy simplemente lo recordamos escuchando su música, aquella que dejó para nosotros...

Hoy... Rolando Percy

2011-12-03T15:29:00.000-03:00

Rolando Percy nació en Asunción el 17 de diciembre de 1947.

A la edad de 20 años comenzó su carrera profesional, integrando primero, por más de una década el conjunto Los Blue Caps, agrupación que alcanzó los más altos niveles de popularidad en Buenos Aires, Argentina entre 1967 y 1977; luego formó su propio conjunto Los Big Ben.

Finalmente desarrolló una destacada actuación como solista, en 1971 resultó ganador en el Festival Internacional de Mar del Plata (Argentina), en 1992 participó en la gran final del Festival OTI (Organización de la Televisión Iberoamericana) en las Vegas, EUA como así también en 1995, cuando se realizó en Paraguay.

Representó a Paraguay en más de 15 festivales internacionales.

Entre sus creaciones de mayor difusión están: DÉJAME MIRARTE, POR TU HIJO, LÁGRIMAS DE UNA MADRE, SENTADO EN EL CORDÓN DE LA VEREDA y otras.

Fuente: DICCIONARIO DE LA MÚSICA EN EL PARAGUAY por LUIS SZARAN. Edición de la Jesuitenmission Nürnberg, Alemania 2007. 507 páginas. Edición digital: www.luisszaran.org.

Hoy... Albert Hammond

2011-11-27T17:29:00.000-03:00

Albert Hammond es uno de los compositores británicos más exitosos de los años 1960s y 1970s, y ha vivido una larga y exitosa carrera como intérprete debido a su popular producción en tres continentes, en dos idiomas y a lo largo de cuatro décadas.

Hammond nació en Londres, Inglaterra. donde su familia había sido trasladada desde Gibraltar durante la Segunda Guerra Mundial. Su familia regresó a Gibraltar al poco tiempo de su nacimiento, lugar donde él creció. En 1960 se inició en el campo de la música con la banda gibraltareña 'The Diamond Boys', que no tuvo un exito comercial real pero que jugó un papel importante en su introducción a la música popular española. Los Diamond Boys realizaron algunas presentaciones en los primeros clubes nocturnos en Madrid, donde convivieron bandas modernas junto a pioneros del rock and roll español, tales como Miguel Ríos. En 1966 Hammond fue cofundador del grupo vocal británico "The Family Dog" cuyo "A way of Life" alcanzó el número 10 de las listas del Reino Unido en 1969.

Hammond también escribio algunas canciones para otros interpretes, con su colaborador frecuente, Mike Hazlewood. Estos incluyeron "Little Arrows" para Leapy Lee, "Make me an Island" (1969), que Hammond regrabaría en 1979 en una versión española, y "You are such a good looking woman" (1970 para Joe Dolan, "Give me that thing" para los Pipkins en 1970 (un "cover" del album "The Freddie and the Dreamers - Oliver in the Overworld"; "Good morning freedom" para Blue Mink, "Freedom come, freedom go" para The Fortunes en 1971 y "The air that I breathe" que fue todo un éxito para The Hollies en 1974.[2] In 1971 Hammond cantó en el cuarto álbum de Michael Chapman, titulado "Wrecked again", y trabajó brevemente con The Magic Lanterns en grabaciones suyas y de Mike Hazlewood.

Más tarde Hammond se trasladó a los Estados Unidos, donde continuó con su carrera profesional como músico, donde se dio a conocer por sus éxitos de los setenta, producidos por Columbia a través de su subsidiaria Mums Records, tales como:

"It Never Rains in Southern California"
"The Free Electric Band"
"I Don't Wanna Die in an Air Disaster"
"I'm a Train"
"Down by the River"

"It Never Rains in Southern California" se convirtió en el número cinco en el American Billboard Hot 100 y colocó un millón de copias vendidas en todo el mundo, siendo el primero de una cadena de ocho sencillos que se convertirían en éxitos en los cinco años subsecuentes. El álbum incluyó "Down by the River" y "If you gotta break another heart", que fue grabado por Cass Elliot en una versión reescrita - y "The air that I breathe". Esta última fue la canción favorita de Hammond en dicho álbum, y más tarde se convirtió en el más importante éxito internacional en manos de The Holies.

Entre tanto, el siguiente album de Hammond, "The Free Electric Band" (título tomado de un musical que no alcanzó a ser producido). Su siguiente éxito, "I'm a train", vio la luz en una etapa frenética de la carrera de Hammond. Él produjo grabaciones con Johnny Cash ("Praise the Lord and pass the soup), colaboró con Richard Carpenter y John Bettis ("I need to be in love"), escribió canciones con Art Garfunkel, y, como supbroducto de este último proyecto, grabó un tercer álbum con el mismo título producido por Garfunkel y Roy Halee.

A mediados de los setenta Hammond trabajó con el productor e ingeniero Phil Ramone y colaboró con el letrista Hal David, generando un sencillo número uno en las listas de popularidad de adultos contemporáneos con "99 Miles from L.A."[1] La disquera, no obstante, se opuso a la liberación de este LP o de su sucesor, "When I need you", el último en ser liberado solo cuando Leo Sayer generó un sencillo con su versión del título de la canción. "When I need you", coescrita por Hammond con Carole Bayer Sager, fue grabada por primera vez por Hammond en su álbum de 1976, con el mismo título. Producida por Richard Perry, la versión de Leo Sayer alcanzó el número 1 en las listas de popularidad del Reino Unido durante dos semanas en febrero de 1977, después de tres sencillos propios que se colocaron en el número 2. Considerado un éxito mundial, este alcanzó el número 1 en el Billboard Hot 100 durante una semana en mayo de 1977.

Hammond tuvo un tremendo éxito como compositor de sencillos con sus grabaciones en español, bajo la marca de Epic Records y con la dirección del productor hispano cubano Oscar Gómez. Juntos convirtieron el tema "Échame a mi la culpa" en un número uno casi mundial. Tras ese éxito y con la producción y dirección del mismo Oscar Gómez, cosechó varios números uno de las listas españolas, con temas del propio Albert Hammond versionados al español por Oscar Gómez como "Eres toda una mujer" (Woman of the world) , "Cerca del Rio" (Down by the river), "Necesito poder respirar" (The air that I breathe) y con clásicos de la música latina como "Espinita" lo que le permitió realizar importantes giras en España y algunas giras en varios países de América Latina. Fue durante esta época cuando conoció a Manuel Montoya, ejecutivo de CBS en México, que eventualmente se convertiría en su manager personal en 1985, lo que condujo a la producción ganadora de los Premios Grammy de Lani Hall "Es fácil amar", productor y escritor de "Cantaré, cantarás". En 1977, fue invitado por el Departamento de Prensa de la Televisión Nacional de Chile, para cerrar su noticiero central 60 Minutos.

Hammond también colaboró con Diane Warren en "Nothing's Gonna Stop Us Now" que se convirtió en un número 1 en 1987 con Starship, y "I don't wanna live without your love", un éxito para Chicago, que alcanzó el número 3 en las listas de popularidad de los EE.UU en 1988. Hammond escribió también "One moment in time", el tema musical interpretado por Whitney Houston en las olimpiadas de verano de 1988 celebradas en Seúl, Corea del Sur. Junto con Hal David, Hammond coescribió el éxito de 1984 "To all the girls I have loved before" para Julio Iglesias y Willie Nelson.

Hammond también escribió algunas canciones para Tina Turner, incluyendo "I don't wanna lose you", "Be tender with me, baby", "Way of the World" y "Love Thing") quien también grabó la versión original de Hammond-Warren "Don't turn around", número 1 en Reino Unido interpretado por Aswad en 1988, y un éxito para Ace of Base cinco años después.

Hammond ha grabado varios albumes tanto en inglés como en español, interpretando sus canciones en ambos idiomas. En 1999 fue condecorado "Caballero de la Orden del Imperio Británico" (OBE) por la Reina Isabel II de Inglaterra. En 2005 Hammond produjo su primer álbum británico en varios años, titulado "Revolution of the heart", con el sencillo "This side of midnight". Su hijo, Albert Hammond Jr. es un exitoso músico, quien actúa por su cuenta y también es integrante de "The Strokes".
Hammond fue inmortalizado en una canción de Half Man Half Biscuit en su pista de 1986 titulada "Albert Hammond Bootleg". El 19 de junio de 2008 Hammond fue incluido en el Salón de la Fama de los compositores.

Fuente: Wikipedia

Hoy...Los Shakers

2011-11-18T09:54:00.000-03:00

Los uruguayos Carlos "Caio" Villa, en batería; Hugo y Osvaldo Fattorusso y, en guitarra y voz, y Roberto "Pelín" Capobianco en bajo, conformaron en 1965 el crupo Los Shakers.

Se destacaron por sus impecables covers de los Beatles. El primer tema que registraron fue "My Bonnie", aquel que Tony Sheridan había cantado con The Beatles. Pero el hit máximo fue "Rompan todo", un tema propio cantado en inglés.

La agrupación hacía un promedio de 15 shows por semana. Los sábados llegaban a tocar en 5 clubes diferentes, a tal punto que tenían dos juegos de instrumentos, para ir ganando tiempo y montar el set en el próximo lugar a tocar.

"Break it all" es un disco que no fue editado en Argentina, sino en Estados Unidos, Australia y en otros países de habla inglesa. Técnicamente cuenta con innovaciones desconocidas para el momento en nuestro país: un sonido stereo de alta calidad y con versiones de temas del primer álbum y los simples mucho mejor interpretadas y editadas.

Para el segundo LP se nota una evolución, cierto estilo propio: "nosotros en el comienzo eramos una consecuencia de The Beatles. Luego, con el tiempo, fuimos adquiriendo nuestra propia personalidad con las composiciones nuestras", recuerda Caio.

Luego de un receso se edita lo que es considerada su obra cumbre: "La conferencia secreta del Toto's Bar" (1969). El Toto's Bar era el equivalente a La Cueva, pero en Punta del Este. Inspirada en "Sgt. Pepper's" de los Beatles, la obra presenta arreglos instrumentales inéditos. En realidad, el material había sido grabado a mediados del año anterior, con la separación del grupo ya decidida. Si bien la placa no contó con apoyo de la discográfica y las ventas, por consiguiente, fueron escasas, los especialistas de la época la definieron como "el Sgt. Peppers del Río de la Plata".

Luego de disolverse, los Fattoruso publicarían un LP en el '69 ("La Bossa Nova de Hugo y Osvaldo") de marcadas influencias brasileñas, y se instalarían en Estados Unidos. Mientras, Pelín y Caio intentaron infructuosamente mantener vivo el grupo, con la edición de "In The Studio Again" (1971).
En el 2005, luego de 37 años, se reunieron y grabaron un nuevo CD, "Bonus tracks", en los estudios Circo Beat de Buenos Aires.

Fuente: rock.com.ar
Fotos: losshakers.com

Hoy...Joan Báez

2011-11-05T20:04:00.000-03:00

Joan Chandos Baez nació el 9 de enero de 1941. Desde pequeña, vivió en distintos lugares (Estados Unidos, Francia, Suiza, Italia, Medio Oriente e Irak) por el trabajo de su padre.

En 1956, Baez escuchó por primera vez al joven Martin Luther King, Jr hablar acerca de la violencia, los derechos civiles y los cambios sociales, y este suceso marco determinantemente su manera de pensar. Ese mismo año, Joan compró su primera guitarra y comenzó a tocar, aún cuando cursaba clases en la escuela.

En 1958, Baez se muda con su familia a Belmont, Boston e ingresa a la Universidad de Cambridge. En aquella época, esa área era el centro de la música Folk; es así como Joan da su primer concierto en el bar “Club 47”.

Meses después de este suceso, Joan junto a otros dos músicos deciden grabar un álbum en el cual cantan solos y duos. El disco fue lanzado ese mismo año bajo el nombre de “Folksingers 'Round Harvard Square”.

Al poco tiempo, Baez conoce al músico Bob Gibson, quien invita a Baez a tocar con él en 1959 en el “Festival de Folk de Newport”. En esta presentación, cantaron los temas: "Virgin Mary Had One Son" y "We Are Crossing Jordan River".

La carrera de Baez, después de la presentación junto a Gibson, se torna mucho más profesional, pues en 1960, logra grabar su primer álbum como solista: “Joan Baez” (para la compañía disquera Vanguard Records). Este disco es una colección de baladas de folk tradicional, blues y canciones de protesta, que ella misma interpreta junto a su guitarra. Increíblemente esta producción fue grabada en tan sólo cuatro días en el salón de baile del hotel “New York's Manhattan Towers”. Este álbum contiene un tema titulado “El Preso Numero Nueve", un tema cantado enteramente en español. Esta misma canción aparecería nuevamente en 1974 en el disco "Gracias A La Vida".

Su segunda producción musical, “Joan Baez, Vol. 2” aparece en 1961. Este LP se convirtió prontamente en disco de oro. Un año más tarde, lanza “Joan Baez in Concert (Parte 1)” , y en 1963 sale la parte 2. Estos dos álbums en concierto contienen canciones nuevas. En el disco “Joan Baez in Concert (Parte 2)” aparece por primera vez un cover de Bob Dylan. En 1962, el aún joven y no muy conocido Dylan, inicia una relación sentimental junto a Baez, la cual se mantuvo hasta 1965.

Baez consigue su primer triunfo comercial con el single "There But For Fortune". Este tema se convirtió en un rotundo hit became llegando a ocupar un puesto dentro del top-ten en los charts del Reino Unido en 1964.

En 1965, aparece “Farewell Angelina”, y representa un cambio en la música de Baez. Por primera vez, ella incluyó una guitarra eléctrica en la melodía de las canciones. El álbum también incluyó cuatro temas de Bob Dylan.

En 1966, nace el disco “Noel”, un álbum navideño que incluía material tradicional. Un año más tarde “Joan” y en 1968 “Baptism”. Este último es un disco conceptual, en el cual Baez lee y canta poemas de maestros de la literatura tales como “James Joyce, Federico García Lorca y Walt Whitman”.

En Octubre de 1967, Baez, su madre, y cerca de setenta mujeres fueron arrestadas por apoyar a un grupo de jóvenes que repudiaban la milicia y la guerra de Vietnam. Dentro de esta circunstancia, conoce a David Harris.

En 1968, Joan viaja a Nashville, en donde ocurre una maratón de grabaciones las cuales dan como resultado no uno, sino dos LPs nuevos: “Any Day Now”, una producción la cual consiste exclusivamente en covers de Bob Dylan, y “David's Album” un disco con fusiones country, el cual fue grabado por su esposo David Harris. La pareja estuvo casada desde 1968 hasta su divorcio en 1973.

En 1969, en el famoso festival de “Woodstock”, Joan (visiblemente embarazada) interpreta sus canciones. Ese mismo año da a luz a su hijo Gabriel.

En 1971, su cover “The Night They Drove Old Dixie Down" llega al top 10 en los Estados Unidos. A fines de la década de los sesentas, Baez comienza a escribir canciones más personales, en base a su propia experiencia: "Sweet Sir Galahad", "A Song For David", "Diamonds & Rust" entre otras. Ese mismo año, decide terminar la relación que tenía con la disquera “Vanguard Records” después de once años de trabajar juntos. “Blessed Are...” es el último disco que graba con Vanguard, el cual consigue ser disco de oro y ubicarse en el top-ten de los charts.

En 1972, Baez graba “Come from the Shadows” para la casa disquera “A&M Records”, con la cual trabajo por cuatro años y lanzaron seis discos.

En 1973 sale al mercado “Where Are You Now, My Son?”, que contiene una canción de 23 minutos, la cual ocupa todo el lado B del álbum. Esta canción, mitad hablada, mitad musical documenta la visita de Baez a la ciudad de Hanoi, al norte de Vietnam.

En 1974, el disco “Gracias A La Vida” triunfa tanto en Estados Unidos como en Latinoamérica.

Experimentando con la música pop aparece en 1975, el LP “Diamonds & Rust”. Este disco se convirtió en el más vendido de la carrera de Baez.

“Gulf Winds”, es un álbum que se crea en 1976 y es las canciones son completamente de autoría personal. Ese mismo año, también se edita “From Every Stage”, un disco grabado en vivo, en el cual Baez canta canciones de toda su carrera. Nuevamente Joan se vuelve a cambiar de compañía disquera, esta vez se une junto a CBS Records en 1977.

También en 1977, aparece “Blowin' Away” y seguidamente en 1979 “Honest Lullaby”.

Al año siguiente, Joan es honrada con el título de “Doctor Honoris Causa” por las universidades Antioch University y Rutgers University.

En 1983, ocurren dos sucesos paralelamente, por un lado Joan aparece por primera vez en la entrega de los premios Grammy junto a Bob Dylan cantando "Blowin' In The Wind"; a su vez, sale a la venta un nuevo álbum: “Live -Europe '83”.

En 1985, Baez es una de las protagonistas del concierto “Live Aid”. Meses más tarde, aparece en otro concierto de causa social, esta vez en el de “Amnistía Internacional”.

En 1987, la producción “Recently” es editada bajo el sello Gold Castle Records. Con esta nueva casa disquera graba dos discos más: “Speaking of Dreams” en 1989, y “Brothers in Arms” en 1991.

En 1992, firma para Virgin Records, y graba “Play Me Backwards”. Poco tiempo después firma para la disquera Guardian, con la que produce un disco en vivo titulado “Ring Them Bells” (1995) y a su vez un disco grabado en estudio: “Gone from Danger” (1997).

Joan Baez reaparece en el 2003, después de estar alejada de los estudios por varios años con un nuevo LP titulado: “Dark Chords on a Big Guitar”.

Su última producción musical, es una recopilación de canciones que realizó durante una presentación realizada en noviembre del 2004; ésta aparece un año más tarde con el nombre de: “Bowery Songs”.

Fuente: todomusica.org

Hoy...Los Blue Caps

2011-10-22T11:36:00.000-03:00

Los inicios de este grupo se remontan hacia 1958 cuando unidos por la amistad y la inquietud sobre el "nuevo ritmo" que hacía aparición en los medios de aquel entonces (la radio principalmente) un grupo de jóvenes acordaron reunirse periódicamente para dar rienda suelta a su pasión por la nueva música.

Inicialmente el grupo estaba conformado por Jorge Gutiérrez Michell, Tito Ahumada, Armando Trejo, teniendo como lugar de ensayo las escaleras de un edificio ubicado en las calles de Palma y Cuba en el Centro Histórico de la Ciudad de México, cierta ocasión, según Alberto Camilli, él pasó caminando frente a la entrada del edificio percatándose de la música que improvisaban los muchachos. Vencido por la curiosidad se acercó a ellos empatizando casi instantáneamente al grado de ser aceptado por ellos para convertirse su pianista y ensayar en su domicilio que no estaba muy lejos de ahí (Peralvillo), careciendo de nombre decidieron autonombrarse "Los Solitarios", luego optaron por el de "Los Reyes del Ritmo" y fue con este con el cual al ingresar Jorge Baron (como cantante) incursionarían en el ámbito musical. A través de amistades cercanas consiguieron aparecer brevemente en televisión, consiguieron actuar al lado de Bill Haley en el teatro "Esperanza Iris", al poco tiempo Jorge Baron abandonó el grupo para posteriormente integrarse a "Los Zipps".

Los Reyes del Ritmo audicionaron al hermano de uno de sus amigos muy cercano, su nombre: Rene Ferrer quien de inmediato se adaptó a la mecánica del grupo e inmediatamente colaboró aportando su talento para cantar. Los chicos decidieron cambiarse el nombre por el de Los Blue Caps, tal como el nombre del grupo de acompañamiento de Gene Vincent. Fueron contratados hacia 1960 por la CBS Columbia Records a través de José de Jesus Hinojosa, director artístico de la compañía.

Pese a que el grupo tuvo un éxito avasallador en la radio y a través de sus presentaciones, al parecer la difusión y apoyo de la disquera no fue suficiente, por lo que la agrupación se desbandó.

Rene Ferrer pasaría a ser vocalista de "Los Playboys" (1961) y luego de "Los Salvajes" (1961) moriría a la edad de 22 años, el 24 de octubre de 1962 a raíz de un traumatismo craneoencefálico, ocasionado por la golpiza que le propinaron unos policías, que lo detuvieron por orinar en la calle.

Alberto Camilli continuó en la música colaboró en una empresa fílmica, llegando a musicalizar algunas de las películas de El Santo e incursionando en el ámbito televisivo.

Tito Ahumada se retiró del medio. Falleció a principio de los años 80.

Jorge Gutiérrez Michell se integraría a Los Blue Kings, después a Los Teddy Bears, y finalmente a Los Ovnis con quienes actuó regularmente, también fue propietario del nombre de Los Blue Caps. Falleció el 12 de marzo del 2009.

Armando Trejo Ugalde: Formó el grupo Los Blue Kings (notable pero también efímero) después se ocupó de cantar en un trío y realizó grabaciones de música tradicional mexicana. Falleció el 23 de julio de 2009, cuatro meses después de Jorge Gutiérrez.

En el año 1999 Los Blue Caps regresarían a los escenarios al actuar en la segunda noche dedicada al rock en el programa "En Vivo", conducido por el periodista Ricardo Rocha, que se transmitió en señal abierta a través de Televisa. La emisión duró más de 8 horas y se vieron acompañados por gran cantidad de grupos contemporáneos. La alineación reunió a dos de los miembros originales: a Jorge Gutiérrez (ya fallecido), requinto, y al pianista Alberto Camili, acompañados por nuevos integrantes: el Doctor Carlos Delvequio en la guitarra de acompañamiento,Gilberto Urquiza en el bajo y Paco Hernández en la bateria. Interpretaron Tú y el Rock y su súper éxito Vuelve Primavera. Estos números fueron presentados en ese intervalo por Luis Carbajo (pionero, quien, en canal 11, había instituido las emisiones en vivo, con duración de toda la noche) y el propio Ricardo Rocha.

Fuente: wikipedia

Hoy....Los Cuatro Soles

2011-10-17T20:13:00.000-03:00

Largos años de exitosa actividad, avalan el éxito de Los Cuatro Soles, uno de los conjuntos de mayor popularidad dentro de la música Argentina.

Desde sus comienzos en el año 1969, han logrado mantenerse en la cima, a pesar de que para los interpretes de esta línea, les es difícil llegar y mantenerse ahí, convirtiéndose así en una verdadera excepción.

Su Historia tiene inicio en la Ciudad de La Plata, junto con el cantante Beto Orlando, de quien más tarde se separaron. El cambio de su primera vos mejora aun más su posición y se colocan de entrada en los primeros lugares de venta.

Los Cuatro Soles representan en Sudamérica una alta garantía en cuanto a calidad interpretativa. Dotados de una severa preparación, todos sus interpretes han logrado mantener a través de años esta línea de auténticos triunfadores.

Son innumerables sus éxitos desde el comienzo de su carrera, con temas como: “Porque te quiero hasta el delirio”, “No me des tu adiós, mi amor”, “Aquellos besos que te di”, “Dios del olvido”, “Mírame con tus ojos color marrón “. Mas recientemente “Nunca mas podré olvidarte” que representa uno de los más grandes hits de su historia discográfica, “Por culpa de tu amor”, y “Amémonos esta noche” tema, este ultimo, con el que abren nuevas plazas para su consagración Internacional.

Estos jóvenes, integrantes de Los Cuatro Soles, se identifican plenamente con la música melódica, sin embargo, en su afán de renovarse, incluyen en su repertorio otros ritmos como el vals peruano, el bolero, tangos y otros ritmos, asiendo de sus presentaciones personales, una verdadera variedad de ritmos, voces y sonidos.

Integran el conjunto: Raúl Gaggiotti, fundador del grupo y actual director musical, tiene 26 años de edad y ejecuta el órgano. Desde pequeño estudio música en los mas prestigiados Conservatorios de la Ciudad de La Plata, habiendo integrado posteriormente orquestas de tango como bandoneonista, y en otros conjuntos como bajista y guitarrista. Es Argentino, descendiente de Italianos. Alterna su profesión de músico con la de Ingeniero Electrónico.

Josele “El Españolismo” es el nuevo cantante. Alcanzó con el primer disco sencillo: “Nunca mas podré olvidarte”, con su voz, unida a la calidad musical de los demás interpretes, para que los Cuatro Soles obtuvieran el éxito total en Argentina y Paises de América, incluyendo a México. José pertenece al grupo desde hace un año. Es Español, nacido en la ciudad de Málaga, y como sus familiares, Andaluz por excelencia. Estudia canto y guitarra. Su definitiva vocación es el canto.

Alberto Camiña, el baterista, estuvo desde el primer día de la fundación del grupo. Es Argentino, tiene 23 años de edad. Le gusta jugar al fútbol, deporte que practica diariamente alternando con el estudio de batería y otros instrumentos de percusión.

Jorge Ernesto, ejecuta el bajo eléctrico. Es Argentino y tiene 22 años de edad. Es estudiante Universitario.

Cuatro jóvenes muchachos que responden al nombre de Los Cuatro Soles y quienes han sabido brillar con luz propia.

En la actualidad,el grupo sigue en vigencia,con su principal cantante original «Josele» acompañado,por el baterista original,y dos «AMIGOS» del «ALMA» de muchos años.

Hoy...Percy Faith

2011-10-08T09:45:00.000-03:00

Percy Faith (7 de abril de 1908 - 9 de febrero de 1976) fue un famoso director de orquesta, arreglista y compositor de origen canadiense. Fue conocido por sus ingeniosos arreglos para temas musicales de corte popular, al dotarles de un ritmo, estilo y sonoridad, atractivas para el escucha de su tiempo. Considerado un clásico de la música denominada Easy-listening e Instrumental; logró al lado de su colega contemporáneo Ray Conniff popularizar dicho estilo y ser ambos un éxito contundente para el sello discográfico en el cual grababan. Los temas más recordados de Faith son: Delicado, The Song from Moulin Rouge (Canción del Molino Rojo) y los inolvidables temas: Theme from A Summer Place (Tema de un lugar de verano) y Theme For Young Lovers (Tema de los jóvenes enamorados), de los cuales solamente éste último no llegó a la posición #1 de Billboard quedando sólo en el #35 en listas.

Percy nació en Toronto, Canadá, en 1908, siendo hijo primogénito de un matrimonio conformado por el sastre de nombre Abraham Faith y la señora Minnie quienes tuvieron en total 8 hijos. Desde temprana edad Percy manifestó un interés especial por la música revelándose muy pronto como niño prodigio, al interpretar melodías de manera muy fluida al frente de un piano, fue el primer miembro en la historia familiar que se convirtió en músico. Hizo estudios de piano en la Academia canadiense de Spadina Road. En 1920 siendo aún un niño comenzó a ganarse la vida en un empleo que cobró fama durante aquellos años, pianista de sala cinematográfica, al musicalizar películas de cine mudo.

Tiempo después la familia cambió de domicilio debido a su precaria situación económica, por aquel entonces Faith decidió emplear sus ganancias para pagar sus estudios en el Conservatorio de Música de Toronto en donde fue discípulo de destacados concertistas como Frank Welsman. Su manejo de la armonía, composición, estructura armónica se vieron perfeccionadas. El destino de Faith prometía llevarlo a ser un destacado concertista de piano, sin embargo el destino, cambiaría drásticamente sus expectativas. En 1926 mientras Percy efectuaba ensayos en casa, su hermana menor de tres años de edad: Gertrude, jugaba con fósforos, instantes después incendió accidentalmente sus ropas gritando aterrorizada por el fuego y las quemaduras. Percy acudió a la habitación encontrándola envuelta en llamas, desesperado le quitó las ropas ardiendo, quemándose las manos severamente. Ambos salvaron la vida, pero Percy tuvo que convalecer durante 9 meses imposibilitado para tocar el piano. "Tomé un lápiz entre mis vendajes y decidí estudiar composición" diría años después.

Contrajo nupcias en 1928 con Mary Palange, con quien procreó dos hijos: Peter y Marilyn más tarde comenzó a trabajar para las desaparecidas estaciones de radio CKN y CKCL de la Canadian Broadcasting Corporation desde 1933 a 1940.

Para 1945 se naturalizó ciudadano estadounidense, a la par comenzó a efectuar grabaciones para la RCA Víctor, posteriormente trabajaría brevemente en los estudios de Decca Records para luego cambiar al sello CBS Columbia en donde colaboraría activamente con el destacado músico Mitch Miller. Su experiencia y habilidad como arreglista y director le permitío respaldar el trabajo musical de diversas estrellas de la Columbia.

Sin embargo su trabajo fue más allá de ser soporte musical de diversos cantantes y lanzó versiones orquestales de diversas canciones populares durante las décadas de los 1950 y 1960. Su estilo era melódico, basado en arreglos especiales para cuerdas y coros femeninos que daban efectos en la sonoridad de las melodías.

Sus temas más conocidos fueron Delicado (1952), Song from the Moulin Rouge (1953) y el famoso Theme from a Summer Place (1960) el cual se hizo acreedor al Premio Grammy por mejor grabación en 1961. Faith permanece como el único artista que vendió más sencillos durante la era de cantantes populares norteamericanos y durante la era del Rock and Roll (Canción del molino rojo y Tema de un lugar de verano).

Con un presencia musical en los escenarios de Broadway, Hollywood Percy acrecentó su popularidad a inicios de 1962 con sus versiones y arreglos especiales para los temas juveniles de aquella época, su serie de álbumes "Themes for Young Lovers" fueron los mejor vendidos durante esos años y llevaron el sonido Faith a una generación de escuchas más jóvenes. Al lado de Ray Conniff compañero de sello discográfico ´se convirtió en el elemento decisivo para la consolidación del fenómeno musical denominado easy listening. La popularidad de dicha moda musical se prolongó por lo menos hasta finales de los 1960 y principios de los 1970 cuando recibió su segundo Premio Grammy en 1969 por su álbum "Love Theme from Romeo and Juliet" confrontado a la psicodelia, el hard rock y el rock progresivo Faith comenzó a experimentar el cambio en los gustos musicales de los jóvenes por lo que su fama paulatinamente fue decreciendo. Aun así intento mantenerse actualizado y lanzó su versión a los temas "Jesucristo Superstar" "Black Magic Woman" (Mujer de magia negra - tema musical popularizado por Carlos Santana).

Pese a ser conocido por su trayectoria discográfica Faith también musicalizó diversas películas y recibió una nominación al premio de la academia por su adaptación a la pantalla del tema musical interpretado por Doris Day ,llamado "Love Me or Leave Me".

Percy Faith murió de cáncer en Encino California y fue sepultado en el Hillside Memorial Park Cemetery en Culver City California.

Fuentes: wikipedia - youtube

Los Cuatro Planetas

2011-10-02T16:38:00.000-03:00

Hoy les traigo a Los 4 Planetas, genial banda surfer oriundos de, Mendoza, Argentina.

Les cuento un poco acerca de estos muchachos. La banda se formó bajo el nombre Los Planetas, pero como eran muy buenos todos decidieron agregar el 4. Datan, si mal no estoy, del 60. Los miembros originales eran: Freddy Alvarez y Carlitos Roney en guitarras. Este último tocaba una Fender que le había comprado al violero de Los Locos del Ritmo en su paso por el país. Teddy Nelson le hacía al bajo y Luis Alejandro a la batería.

En el 63 viajaron a Buenos Aires y allá hicieron carrera. Tocaron en algunos programas televisivos como Sábados circulares y Ritmo y Juventud. Además acompañaron a Rita Pavone en algunas presentaciones.

La fuente es un muybuen blog que encontré y se llama Garagelatino.

Hoy... Bobby Darin

2011-09-24T11:29:00.000-03:00

Bobby Darin (Nueva York, 14 de mayo de 1936 - Los Ángeles, 20 de diciembre de 1973), cuyo verdadero nombre era Walden Robert Cassotto, fue uno de los cantantes más populares e ídolo de adolescentes de las décadas de 1950 y 1960.

Conocido también por su actitud polifacética, conquistó bastantes géneros musicales como el folk, country, pop y jazz y trabajó como actor en varias películas, llegando a estar nominado a un Oscar en 1964.

Darin nació en una familia pobre de clase trabajadora del Bronx, Nueva York. Su padre provenía de una familia italiana y desapareció unos pocos meses antes de que Bobby naciera. Como resultado, su madre (que provenía de una familia descendiente de colonos ingleses e italianos) se vio forzada a pedir ayuda para cuidar a su hijo.

De pequeño tuvo una salud frágil, quizá por una dieta deficiente y una escasa atención médica. A los 8 años estaba aquejado de múltiples ataques de fiebre reumática. La enfermedad lo dejó con serios problemas de corazón. Una vez oyó cómo su médico le decía a su madre que tendría mucha suerte si llegaba a los 16.

Bobby tenía un gran talento para la música. Cuando era adolescente podía tocar varios instrumentos como el piano, la batería, y la guitarra. Más tarde aprendió a tocar la armónica y el xilófono.

Alumno destacado, con un cociente intelectual de genio, Bobby se graduó en el Bronx High School of Science y después asistió al Hunter College con una beca. Lo que Bobby quería realmente era tener una carrera para actuar en el Teatro de Nueva York. Dejó los estudios y comenzó a trabajar en Clubes Nocturnos como cantante con un conjunto de música. También trabajó en el centro turístico Catskill Mountain como animador.

Bobby eligió como nombre artístico "Bobby Darin" porque lo habían llamado así desde niño (algunos lo llamaban "Waldo" como diminutivo de su nombre real). Escogió Darin porque una vez vio un restaurante chino llamado "Darin Duck". El nombre del restaurante era realmente "Mandarin Duck" ya que se habían fundido las demás letras.

En 1956 su agente firmó un contrato con Decca Records donde Billy Halley and his Comets habían alcanzado la fama. Sin embargo Darin como muchos otros cantantes empezó cantando éxitos de otros artistas.

Cuando dejó Decca Records firmó con Atlantic Records, donde escribió música para él y para otros artistas. Después de tres grabaciones mediocres, su carrera empezó a despegar en 1958 cuando lanzó su único single de rock Splish Splash. Éste se convirtió en un éxito vendiendo más de un millón de copias.

A partir de entonces, Bobby tuvo un gran éxito comercial. En 1959 grabó Dream Lover, una balada que vendió varios millones de copias. Su éxito posterior fue Mack the Knife del clásico de Kurt Weill Three Penny Opera; ésta, junto con Beyond The sea, son sin duda las canciones más importantes y representativas de Bobby Darin. Este último éxito fue directamente al nº 1, vendió varios millones de copias y gracias a esta canción Bobby ganó un premio Grammy en la edición de 1960. Darin ganó también el premio a Mejor artista revelación. Es en esa década cuando Darin encabeza los carteles de los casinos más importantes de Las Vegas.

Darin se dedicó también al cine, escribiendo temas para varias películas en las que actuaba. La película más importante de la que formó parte fue Come September, una comedia romántica co-protagonizada por Sandra Dee. En 1962 ganó un Globo de Oro por su papel en Pressure Point. En 1963 fue nominado a un Oscar por su papel de soldado en Capitán Newman M.D.

Bobby Darin se casó con Sandra Dee en 1960 y en 1961 tuvieron a su hijo Dodd Mitchell Darin, divorciándose en 1967.

También hizo incursiones en la política, trabajando en 1968 para la campaña presidencial de su amigo Robert Kennedy. El asesinato de Robert marcó a Bobby y éste publicó 2 álbumes protesta de música Folk.

A principios de los 70 continuó actuando y grabando en estudios como Motown Records. En enero de 1971 fue operado para corregir sus afecciones de corazón con los que había vivido desde pequeño.

En 1972 Darin tenía su propio show en la televisión norteamericana NBC (The Bobby Darin Amusement Company) que duró 2 años. También siguió actuando en Las Vegas donde le administraban oxígeno después de cada actuación.

Fue embajador de buena voluntad de la asociación americana del corazón. El 20 de diciembre de 1973 Darin murió en una operación que pretendía arreglar daños en su válvula. Su cuerpo fue donado a la UCLA para la investigación.

La estrella de Bobby Darin en el Paseo de la fama de Hollywood está en el 1735 de Vine Street.

En 2004, Kevin Spacey protagonizó y dirigió Beyond The Sea una película que narra la vida de Bobby Darin.

Fuente: Wikipedia

Ahhh..."The sound of music"

2011-09-17T11:33:00.000-03:00

¿Quien no vió La Novicia Rebelde? ¿Quien no disfrutó de la película y sus canciones? Hoy les traigo para recordar el tema principal en la dulcísima interpretación de Julie Andrews, esta británica que nos hizo vibrar, reir y llorar en la película. ¡Que la disfruten..!

Hoy...Los Nocturnos

2011-09-11T10:50:00.000-03:00

Trío formado por Omar Martino (requinto), Enzo Peiretti (guitarra y primera voz) y Juan José Bazzani (guitarra y segunda voz), dedicado a la música melódica. Enzo y Juan José eran amigos de la infancia en San Francisco, Córdoba. Comenzaron actuando en radios de su provincia hasta que en 1958 viajaron a Buenos Aires, donde se les unió Omar (hasta entonces guitarrista de tango) formando el trío Los Viajeros. Al año siguiente ganaron un concurso para nuevas figuras y comenzaron a grabar para el sello Orfeo, donde registraron tres LP .

En los 60 cambiaron su nombre a Los Nocturnos y grabaron varios LP muy agradables para Music Hall, con algunas creaciones inolvidables como su versión de "Malagueña", donde podían apreciarse las cualidades vocales de sus integrantes. Eran muy notables también los magistrales solos de requinto de Omar. Grabaron luego para Disc Jockey y para RCA, donde registraron varios LP con la vocalista uruguaya Mara Lua. Posteriormente se alejaron Enzo, radicado en México, y Juan José, actualmente en New York. Omar Martino continúa con el grupo, con otros integrantes. En 2004 se reunieron los tres integrantes originales en San Francisco, Córdoba.

Fuente: rockolafree.com

Hoy...Los Teen Agers

2011-09-03T10:58:00.001-03:00

Grupo cordobés formado en 1961. Tuvo su origen en un trío que formaban los guitarristas Oscar Santa Cruz y Guillermo Horacio Araujo y el baterista Julio Roberto Rampoldi, jóvenes estudiantes de alrededor de 16 años, que residían en el Cerro de las Rosas, barrio residencial de la ciudad de Córdoba.

El locutor y animador más conocido de programas para la juventud de Córdoba, Enrique Del Campo, pasó casualmente y los escuchó ensayando. Por consejo suyo incorporaron a otros dos integrantes: el pianista Miguel Ángel Costerg y otro guitarrista y vocalista, Pedro Raúl Surdo. Del Campo estaba a cargo también de las relaciones públicas de Vértice Musical, principal comercio disquero cordobés, y tenía contactos con CBS, por lo que consiguió que viajaran a Buenos Aires y grabaran sus primeros temas en Octubre de 1962.

Hasta entonces cantaban en inglés, pero la grabadora prefirió que lo hicieran en castellano. Siguieron viviendo en Córdoba y viajaban para actuar y grabar.

En Mayo de 1963 quedó completado su primer LP, "Club de Baile", que incluyó versiones en castellano de "Hermosos Ojos Azules" ("Pretty Blue Eyes", de Winstein y Teddy Randazzo); "Pera Madura", de Pino Donaggio, y del éxito de The Cascades "El Ritmo de la Lluvia" ("Rhythm Of The Rain"); el resto de los temas eran de Guillermo Araujo ("Mi Corazón Agradecido", "Mabel", "Enamorado de Tí"), de Pedro Surdo ("Tú Eres mi Bombón", "Matemáticas", "El Último Tren", "Twist en Blue Jeans", "Liliana") y una colaboración entre ambos ("No te Voy a Mentir").

Entre Septiembre y Diciembre de 1963 grabaron los temas que formaron su segundo LP, "De Buen Humor", con este tema clásico (el famoso "In the Mood" que popularizó Glenn Miller). Incluía además versiones en español de "Estoy Caminando" ("I'am Walking", éxito de Fats Domino); "Surf City", de los Beach Boys; "Que Tonto es el Amor ("Fools Rush In"); "Buscando el Amor". Completaban el disco los temas de Pedro Surdo "Qué Tal", "Sueño Así", "Dime Por Qué", "Mi Único Amigo", "Amor de Verano", "Buenas Fiestas" y "Qué Buena Es la Vida", y de Guillermo Araujo "El Solo Pensar" y "Recuerdo Caminando". En esta época ingresaron Carlos Constantino y Alberto Boero en reemplazo de Costerg y Araujo.

Durante Febrero y Mayo de 1964 grabaron varios temas: "Para Tí" ("From Me to You", de Lennon y McCartney"; "Dama Española" ("Lady of Spain"); "Blue Bayou", de Roy Orbison; "Malos Sentimientos" ("Dirty Feelings", de Leiber y Stoller); "No Te Creo"; algunos temas de Alberto Boero ("Tienes Todo de Mí", "No Me Mientas", "El Amor No Se Puede Comprar", "Lloro por Tí") y otros de Pedro Surdo ("La Canción de mi Corazón", "No Puede Ser", "Tiempo de Amar", "Twist de Los Teen Agers"). Algunos fueron publicados publicados en simples y EP, pero de otros se conoce el número de matriz sin que haya constancia de publicación. Continuaron realizando presentaciones hasta mediados de 1966 y luego se separaron. Surdo siguió durante un tiempo ligado a la música, formando el grupo Los Sames, que grabó en Disc Jockey y Microfón. Luego se dedicó al comercio. Falleció en 1992. Costerg se recibió de abogado; Santa Cruz y Constantino de ingenieros. Un admirador del grupo, Julio Bruzzone, reflotó Los Teen Agers, pero de los miembros originales solamente participó en ocasiones Guillermo Araujo, hasta que debió alejarse por una enfermedad, que causó su muerte en Julio de 2002.

(Gracias a Héctor Bernardi, Luis Beresovsky, Sebastián Cadenaba, Mario Estrella y Carlos Manuel Garnica por las fotos y la información proporcionada).

Fuente: rockolafree.com.ar

Genial, Anthony....¡genial..!!

2011-08-09T20:19:00.000-03:00

La película Zorba el Griego, de Mikis Theodorakis, evolucionó la mentalidad que el espectador occidental tenía de lo que 'debía ser una película'. El cine que deja ver lo más íntimo de los personajes, lo profundo de todos nosotros, entonces debe ser llamado arte y revolución. Anthony Quinn es un ejemplo de lo mejor del cine mundial. Es entrañable.

Lo primero que veremos es la versión original del año 1964 y después un homenaje que le hicieron al actor en 1999, cuando tenía 84 años.

Un regalo, una excelente reflexión sobre la vida y la muerte, porque están juntas...tal vez con el tiempo , y por qué no decir con la edad, la gente va haciéndose más sensible .... la primera versión de Quinn a los 49 años baila dejándonos una huella indescriptible y eterna, con liviandad, talento, pasión...............una explosión de sentimientos ... una vida pujando hacia todos los lados y convirtiendo en mágico un momento de bella expresión artística y varonil. ¡Realmente un espectáculo! Pero cuando vemos después, a Quinn a los 84 años reproduciendo la danza que lo consagró en la cinematografía mundial, es imposible no verse embargado por la ternura y la gratitud. Lo que hace en el escenario es poesía pura: con gracia, pasión por la vida y el deseo de retribuir a todo ese público que se ganó... Es muy emocionante pensar en lo efímera que es la vida, en las transformaciones que experimentamos a lo largo de los años y en el esfuerzo que todos hacemos para continuar nuestro camino con orgullo, dignidad y placer. Por un instante la gente se olvida de todo. Y como dice Quinn al final, "la música de Zorba es la música de la vida, y la vida es AMOR"

Hoy... Elis Regina

2011-08-06T21:17:00.000-03:00

Nació —con el nombre de Elis Regina Carvalho Costa— el 17 de marzo de 1945 y falleció el 19 de enero de 1982. Elis Regina nació en Porto Alegre (al sur de Brasil), donde empezó su carrera como cantante a los 11 años en el programa de radio para niños O Clube do Gurí en la radio Farroupilha.

En 1959 fue contratada por Rádio Gaúcha y al año siguiente viajó a Río de Janeiro, donde grabó su primer LP, Viva a Brotolândia. Su segundo LP, con Jair Rodrigues, Dois na bossa, fijó un récord de ventas nacional.

A finales de los años sesenta y principios de los setenta, Regina ayudó a popularizar el trabajo del movimiento Tropicalia, grabando canciones de músicos como Gilberto Gil.

Elis Regina a menudo criticó la dictadura brasileña que persiguió y exilió a muchos músicos de su generación. En una entrevista en 1969, declaró que Brasil estaba siendo gobernado por "gorilas". Su popularidad la mantuvo fuera de prisión, pero finalmente fue obligada por las autoridades a cantar el himno nacional de Brasil durante un espectáculo en un estadio, lo que despertó la ira de muchos brasileños de izquierda.

En 1974 editó con Tom Jobim el álbum Elis & Tom, considerado por críticos musicales como uno de los mejores discos de bossa nova de todos los tiempos.

Tuvo tres hijos: João Marcelo Bôscoli (hijo de su enlace con Ronaldo Bôscoli), y Pedro Camargo Mariano y Maria Rita Mariano (hijos también del pianista y compositor César Camargo Mariano). María Rita ha logrado ser una cantante de mucha popularidad.

Elis Regina murió por una sobredosis de drogas, tranquilizantes y alcohol en 1982, a los 36 años. Aunque se divulgaron algunas noticias que Elis fue asesinada por el alto mando de la dictadura militar, ya que el relato oficial de su autopsia tardo demasiado tiempo en salir en los diarios y prensa nacional y su muerte se llenó de especulación. Hasta el día de hoy no se sabe con exactitud que pasó en su casa el día de su muerte.

Fuentes: wikipedia - youtube.com

Hoy...Yuyú Da Silva

2011-07-31T17:43:00.000-03:00

Su verdadero nombre es Raymunda Aparecida Da Silva de Miracema.

Sin mucha fama en su país natal (Brasil) llegó a Argentina en una gira en 1958 y al año siguiente se radicó definitivamente. Bailaba y cantaba en castellano (con un fuerte acento portugués) temas de mucho ritmo infaltables en las fiestas de la época: "La Mamadera", "El Tirabuzón", "Brigitte Bardot", "Mamá Yo Quiero", "Cara de Payaso", "Ese Beso". Se presentaba acompañada por la Sonora Camagüey. Ha realizado exitosas giras por toda Sudamérica, Medio Oriente, Alemania y Francia. Continúa activa y realiza obras de beneficencia sin hacer ninguna publicidad.

Hoy... Paolo Salvatore

2011-07-23T21:56:00.000-03:00

Paolo Salvatore nació en Italia en 1940 y llegó a Chile a los ocho años de edad junto a su familia entre ellos su primo y pariente más cercano Sergio Meli Grosso, se hizo conocido en la década de 1970, en el programa Sábados Gigantes como artista "obligado", hombre muy caballero, alegre, querido y con sonsonete italiano, que jamás perdió.

A sus fans les encantaba mucho su timbre de voz y también el estilo de sus canciones, las cuales eran siempre alegres y simples.

Tras emigrar a España, para continuar con su carrera artística, acostumbraba a viajar a Chile todos los veranos, mientras que la temporada soleada Europea se la pasaba allá.

Se casó en dos ocasiones, en Chile con la periodista María Inés Sáez, con quien tuvo dos hijas; y en España con quien fuera Miss de su país, Pilar Oribe, con quien tuvo un hijo.

Paolo Meli Pastorella comenzó su carrera artística en los años 1970. Era tanto su carisma que Mario Kreutberger (Don Francisco), no dudaría en convertirlo en artista "obligado" del programa Sábados Gigantes, que en aquellos tiempos era el programa familiar más exitoso de la televisión chilena, junto al espacio televisivo de Enrique Maluenda, "Sábado en el 9".

Pero Paolo Salvatore siempre quiso abrir sus fronteras, y decidió concursar en 1975 en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, donde ganaría la "Gaviota de Plata" con la canción "Es Noche Ya", del compositor Reinaldo Tomás Martínez.

En la década de 1980 se traslada a España, donde tuvo una brillante carrera artística, logrando ser reconocido como cantante de la línea del francés Georgie Dann y del argentino Luis Aguilé.

A principios de la década de 2000 regresó a Chile, afectado de un cáncer de pulmón, donde se dedicaría a los negocios con una línea de cremas capilares, champús y perfumes. Tras retomar su carrera musical y convertirse en ícono del movimiento kitch. En 2006 tuvo una fuerte recaída de salud, pues, se le detectó, tras una semana de fuertes dolores de cabeza, un tumor cerebral maligno, que le obligó a ser hospitalizado en una clínica el 17 de abril del mismo año.

El día 3 de julio de 2007 a las 2 de la madrugada (hora local), falleció a los 67 años, Paolo Salvatore, víctima de un tumor cerebral, en Santiago de Chile, donde sus restos fueron cremados.

Fuente: Wikipedia

Chau Antonio... nos quedan tu voz y tus canciones

2011-07-15T08:47:00.000-03:00

El cantante chileno Antonio Prieto, que inmortalizó canciones románticas como "La Novia" y "El reloj", murió poco antes de la medianoche del jueves 14 de julio en una clínica privada. Tenía 85 años.

De acuerdo con uno de sus nietos, el cantante será trasladado el viernes a un templo católico.

"Estaba en su última etapa, en la que todos sus órganos comenzaron a presentar problemas. Tuvo una falla al corazón de la que no pudo salir", dijo Guillermo Prieto .

Antonio Prieto, cuyo nombre verdadero era Juan Antonio Espinoza Prieto, estaba alejado de los escenarios hace unos cinco años debido a que padecía la enfermedad de Alzheimer.

Trayectoria. Inició su carrera en 1949 en los géneros de la balada y el bolero y saltó a la fama internacional con su interpretación de "La barca" y "El reloj", del compositor mexicano Roberto Cantoral. Grabó más de 1.000 canciones.

El tema que lo identifica es "La novia", compuesta por su hermano Joaquín Prieto, y posteriormente vinieron "Martín tenía un violín", "Chuquicamata", "Cómprate un tambor" y "Huija".

En la década de los sesenta fue famoso en Argentina, México, Italia y España. Prieto también destacó como actor y en los setenta incursionó en el área discográfica.

Durante esa misma década fue presentador del Show de Antonio Prieto en la televisión argentina, país en el que también desarrolló su carrera de actor.

Como sucede a menudo, era más conocido y famoso en el extranjero que en Chile, especialmente en Argentina y México. En su país participó varias veces en el Festival Internacional de Viña del Mar.

Fuente: lavoz.com.ar

Pucha che...que mala noticia..!!

2011-07-11T09:28:00.000-03:00

La noticia nos llegó desde el exterior. Mataron a Facundo Cabral. Después llegan los interrogantes, las dudas, los porqué.
Nadie se explica realmente que pasó. "La ligó de arriba", dirán algunos. El silencio embargará a muchos otros (me incluyo).

Aunque parezca frívolo y circunstancial, me adhiero al dolor provocado por la muerte del artista y lo recuerdo con el tema que a mi más me gusto... Vuele bajo...

Hoy...Sylvie Vartan

2011-07-02T19:58:00.000-03:00

Nacida el 15 de Agosto de 1944, esta cantante búlgara, francesa por adopción, se mudó a Francia junto con sus padres y su hermano en diciembre de 1952. Debutó como actriz en la película Patate (1964). A pesar de concentrar su carrera en el canto, Vartan también ha participado actuando en un considerable número de películas.

A la edad de 21 años, en 1965, se casó con el cantante francés de rock Johnny Hallyday. Juntos tuvieron un hijo, David Hallyday, que siguiendo la tradición familiar también se ha hecho cantante. Johnny Hallyday y Sylvie Vartan fueron la "pareja de moda" de su generación en Francia, atrayendo constantemente la atención de la prensa rosa. Johnny y Sylvie se divorciaron en 1980. Ella luego se volvió a casar; esta vez con el empresario discográfico americano Tony Scotti.

En el año 2005 Vartan fue nombrada embajadora de buena voluntad de la Organización Mundial de la Salud.

Sus mayores éxitos como cantante los ha obtenido por medio de las canciones "Panne d'essence" (Sin combustible), "Comme un garçon" (Como un muchacho), "J’ai un problème, je crois bien que je t’aime" (Tengo un problema, creo que te amo), "La plus belle pour aller danser" (la más bella para ir al baile) y "Irresistiblement" (Irresistiblemente). Es importante notar que Sylvie, reconocida por ser una buena lingüista, ha hecho una parte de sus canciones en varias lenguas. Por ejemplo, su versión italiana de "Irresistiblement", titulada "Irresistibilmente" fue un gran éxito cuando la cantó por la televisión Italiana en los años 70.

En Francia sigue siendo la artista femenina de su generación que más éxito tiene cuando edita un disco o va de gira. Su último concierto fue en el Palacio de Congresos de Paris en septiembre/octubre del 2004 y su último CD salió en junio de 2007.

Hoy...Oscar Alemán

2011-06-17T19:32:00.000-03:00

Oscar Marcelo Alemán, nacido el 20 de Febrero de 1909, en la República Argentina. Oriundo de Machagai, Chaco, provenía de una familia de músicos. Su padre, guitarrista folklórico, formaba parte de un cuarteto de arte nativo, integrado por Carlos, Jorgelina y Juan, sus propios hijos. Por su parte, Oscarcito, de breves seis años, lucía una destreza inusual como zapateador de malambo, impulsado por una elástica postura y un tono muscular, inusuales para un niño de su edad.

El cuerdista chaqueño era un prestidigitador y un “chanssonier”, un velocista y un efectista, un comediante y un danzarín, de improbable réplica contemporánea. Impuso el hábito de girar y apoyar la guitarra sobre las espaldas, y ejecutar (hacia atrás) fragmentos de canciones.

De vuelta al país, logra un éxito impactante, pero persuasivo: su tema “Rosa madreselva”, se proyecta como pieza de culto y cifra de venta. Diez años después, con su invariable humor activo, funda una escuela de aprendizaje para jóvenes guitarristas, sin sustento económico. Alrededor de 1926, toca, de manera profesional, en cafés y clubes nocturnos, junto a Gastón Bueno Lobo, otro guitarrista con quien forma un dúo de género variado. Incursiona como autor de tangos, y Agustín Magaldi le graba una versión. Alterna actuaciones con Carlos Gardel y se vincula con Enrique Santos Discépolo. Viaja después por tierra brasilera y otras latitudes sudamericanas.

Estimulada por la curiosidad de un talento expandido, la diva del jazz Josephine Baker lo convoca a una prueba que lo confirma y la deslumbra. Ambos conforman un dueto antológico. La invasión alemana a París, en 1940, los obliga a desmembrar la compañía y continuar separados. Alemán, conoce a Louis Armstrong y Duke Ellington, quienes detectan su capacidad improvisativa e intuitiva.

Pero es Django Reinhardt, el célebre guitarrista gitano, quién le produce una implosión totalizante en la percepción y en los códigos instrumentales. Ambos se admiran y respetan, comparten sesiones e improvisaciones y tocan en el Hot Club de Francia. En 1915, realizó una actuación memorable, en el escenario del Teatro Nuevo. A causa de una separación familiar, Oscarcito comienza, a los diez años, una vida de errancia y autodeterminación, constantes de su vida futura. Se lo recuerda lustrabotas en las diagonales de Sáenz Peña. Alguien le acerca un “cavaquinho”, pequeña guitarra de cuatro cuerdas, con lo que inicia una carrera excepcional de instrumentista. Alemán se mantiene en su carácter de solista y convoca a un quinteto de tres violines, contrabajo y batería. El primer violín era Hernán Oliva. Las últimas grabaciones las concreta junto a Eduardo Ravera, rodeado por sus discípulos.

Oscar Alemán, esposo de Carmen Vallejos y padre de Selva Alemán, talentosas actrices nacionales, falleció el 14 de Octubre de 1980. Desde el otro siglo, su nombre figura en los anales de la Enciclopedia Mundial del Jazz. El olvido irresponsable y la ingratitud deleznable no tienen edad. Son impunemente vigentes. ¿Algún funcionario nomenclador con sentido común y vergüenza patriótica se acordará, en alguna calle de tantos barrios nuevos del Gran Resistencia, de nuestro Oscar Alemán, que honra al Chaco en el mundo? La memoria es la madre del recuerdo.

Compilado de un texto de Bosquín Ortega

Fuente: jorgelinaaleman.com.ar

Hoy...Heleno

2011-06-04T11:28:00.000-03:00

Miguel Angel Espinoza, tal su verdadero nombre, nació en Buenos Aires en la década de 1940. Los datos autobiográficos de Heleno no son muchos y no se obtienen con facilidad.

Fue "descubierto" por Luis Formento y Luis Pedro Tony cuando cantaba en boliches de la provincia bonaerense.

Sus inicios como cantante los hizo con el seudónimo de Dario Coty en los años 60 donde grabó temas como “Esa Condena”, “Soy tan Feliz”, “Siguiendo tus Pasos”, “Aquel Romance”, “Buenas Noches, mi Bien”, “Triste Despertar”, “En el Cohete Lunar”, “Un Día de Amor”, “Bonita y Coqueta”, “Luna de Verano”, “Corazón de Luto”, “Más que Divina”.

En el año 1971 con los arreglos del maestro Horacio Malvicino dotado de un gran carisma y una simpatía especial, decide raparse el cabello y marcar un estilo propio con canciones como Joven y Bonita, Regresa Pronto y sus grandes éxitos La Chica de la Boutique y No son palabritas.

Heleno realizó giras por casi todos los países latinoamericanos y se le conoció por su característica cabeza rapada al estilo de Kojak (El famoso detective de la chupeta en la boca de la serie de televisión norteamericana), que era la forma de identificarlo o su manera de escoger lo que mejor lo identificaba como cantante, ya que en esas décadas no estaba de moda el corte de referencia.

Hoy es conductor de programas de radio y sigue actuando en diversas ocasiones.

Fuente: elblogdelbolero

John Fogerty, maestro: para sacarse el sombrero

2011-05-14T11:19:00.000-03:00

Vivir un especial de medianoche no lo vive cualquiera. Sólo se logra cuando un grande está sobre el escenario y eso es lo que se sintió en el Luna Park con la presencia de John Fogerty.

El hombre se puso su camisa leñadora, su jean negro, tomó su guitarra y subió al podio, ese donde están los artistas con mayúsculas. Él, el alma de Creedence Clearwater Revival, es uno de ellos. Y la música de su banda, el country rock de los chicos de flequillo, marcó una época y sigue sonando en las radios como la primera vez.

La noche comenzó con “Hey Tonight”, anunciando que iba a ser inolvidable. Su público lo esperaba ansioso. Era la primera vez que pisaba suelo argentino. Impactaba ver gente de todas las edades. Desde chicos, adolescentes y aquellos viejitos piolas que no iban a perderse de estar frente al ídolo de su juventud.

Con los pies golpeando el suelo al ritmo de cada canción, se fueron sucediendo las melodías de Creedence: “Green River”, “Who'll Stop The Rain”, “Suzie Q”, “Lookin' Out My Back Door”, “Lodi”, “Born On The Bayou” y “The Midnight special”.

Parecía que el Luna quedaba en el Lejano Oeste. Y sí, allí estaba el maestro con su decenas de guitarras a las que hizo llorar de emoción mientras lograba hacer bailar a un estadio colmado de generaciones. “Ustedes son hermosos”, decía a un público eufórico que no paraba de aplaudir.

¡Más country rock, Sr. Fogerty! Cumpliendo pedidos, así llegaron “Searchlight”, “Jambalaya”, “Cotton fields”, “Blue Moon Nights” y “Fortunate son”.

Párrafo aparte merece la canción más cantaba de la noche, donde las gargantas sonaron a unísono como en un estadio de fútbol. Era “Have your ever seen the rain”, quizá la mejor o una de las mejores composiciones del músico.

En este primer show en nuestro país, que desde hace décadas tiene un pedacito de alma Creedence, Fogerty se dio el lujo de homenajear a dos grandes. Interpretó una bella versión de “Oh pretty woman” de Roy Orbison y “Good golly miss molly” de Little Richards. También cantó su repertorio como "Don't You Wish It Was True" . Pero rápidamente, volvieron las canciones de su ex banda: “I Put A Spell On You”, “Down on the corner” y “Bad moon rising”.

El hombre del country se lució con grandes solos durante su show y la gente fue testigo agradecida de su talento. “Hace lo que quiere con la guitarra”, decían las voces al salir del estado. Claro que no estaba solo en escena. Grandes músicos lo acompañan en esta gira. El baterista Jay Bellerose, las guitarras de Buddy Miller y Hunter Perrin; Demis Crouch, David Santos y Chris Charey en bajos, el violín de Jimmy Stewart y los teclados de Anders Mouridsen.

Para el final de dos horas únicas, solo faltaban los bises. Entró y salió a escena varias veces al grito sagrado de “Fo-ger-ty, Fo-ger-ty” para interpretar “Rockin All Over The World”, “Proud Mary” y “Up around the bend”. Un revival a toda orquesta hizo cerrar el telón para una noche muy especial.

Fuente: Claudia Seta - 26noticias.com.ar

30 años sin Bob Marley, tres décadas con su legado musical

2011-05-11T22:15:00.000-03:00

El jamaiquino más reconocido e influyente del escenario reggae mundial, falleció hace tres décadas, un 11 de mayo de 1981, convirtiéndose desde entonces en una mítica leyenda y en el referente máximo de ese género.

Nacido como Robert Nesta Marley Booker, un 6 de febrero de 1945, en una pequeña localidad de Jamaica, e hijo de un jamaiquino con ascendencia inglesa, difundió la música de su país natal en todo el mundo y logró convertirse en un verdadero mito.

Su incursión en la música se alternaba con su trabajo en una empresa de fundición y fue junto a su amigo Bunny Wailer y a Peter Tosh, a quien conoció en unas clases de canto, con los que formó entrados los años 60, la referencial banda The Wailers.

Una década más tarde, Marley ya era un consagrado músico y los discos de la banda contenían grandes éxitos reconocidos en todo el mundo.

En esos años, el creador de emblemáticas canciones como “I shot the sheriff”, “No woman, no cry”, “Jamming”, "One love", "Is this love" y “Redemption song”, debió abandonar Jamaica por cuestiones políticas y se instaló en Inglaterra, donde grabó en el año 1977 el álbum “Exodus”, uno de los más importantes de su carrera y de la música reggae.

En 1978 volvió a Jamaica para el “One Love Peace Concert”, en un esfuerzo para frenar la violencia política y promover la reconciliación en ese país y luego recibió la Medalla de la Paz en la sede de Naciones Unidas, en Estados Unidos.

En 1980 la banda concluyó una importante gira por Europa, que incluyó un recital multitudinario en Milán, al que acudieron unos 100.000 espectadores y luego en Estados Unidos, ofrecieron dos conciertos en el Madison Square Garden.

Poco después, su salud empeoró y luchó durante meses contra la enfermedad terminal que lo aquejaba en una clínica de Alemania; hasta que en mayo de 1981, mientras era trasladado desde ese país a Jamaica, falleció en un hospital de Miami a los 36 años de edad.

Un mes antes le había sido otorgada la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento a su contribución a la cultura del país, pero el músico no pudo estar presente a la hora de la distinción.

Marley tuvo una controvertida vida amorosa, se casó en 1966 con la cantante Alpharita Constantia Marley Anderson, conocida como Rita Marley, con quien tuvo tres hijos, entre ellos, el también músico David “Ziggy” Marley, además, adoptó dos hijos de Rita y tuvo otros nueve con distintas mujeres.

El músico, compositor y guitarrista fue también reconocido por ser un miembro activo, difundir y reflejar en su música al movimiento Rastafari y por sus letras de un gran compromiso político y social.

El álbum “Legend”, una importante recopilación de sus grandes éxitos que salió a la venta en 1984, es el álbum de reggae más vendido de todos los tiempos.

Marley trascendió a las distintas generaciones y clases a través de su particular mística, de su carisma, de su calidez y de un discurso desafiante y comprometido que lo convirtió en un artista atemporal y universal.

Fuente: 26noticias.com.ar

Hoy...Neil Sedaka

2011-05-07T12:22:00.002-03:00

Neil Sedaka nació en Brooklyn el 13 de marzo de 1939. Es un cantante pop, pianista y compositor frecuentemente asociado a The Brill Building. Trabajó con Howard Greenfield para escribir muchas canciones que fueron éxitos para él mismo y para otros artistas. El registro de Sedaka se considera de tenor.

Sedaka nació de un padre inmigrante con raíces judío sefardís túrquicas y de una madre con ancestros judío askenazís. Comenzó a tocar el piano durante la juventud en una estación de radio de música clásica mientras estaba en la Juilliard School. También empezó a experimentar con el doo wop y la música de rock and roll, cantando e interpretando una vieja versión de The Tokens. Su composición Stupid Cupid fue un éxito de 1958 en la voz de Connie Francis, y Sedaka fue contratado por la RCA Records como interprete solista.

Una cadena de éxitos le seguiría, al finalizar 1963.

Los bien conocidos éxitos del Billboard Hot 100 —de sus inicios como cantante— son los temas Oh! Carol (#9 de 1959), Calendar Girl (La chica del calendario, #4 de 1960), Happy Birthday Sweet Sixteen (Feliz cumpleaños, dulces dieciséis, #6 en 1961) y Breaking Up Is Hard to Do (‘es difícil romper’, o ‘es difícil decir adiós’, #1 en 1962). Oh! Carol es una canción que hace referencia a la novia de Sedaka de aquel entonces, su compañera de clase, la compositora Carole King. Pronto ella le correspondió con la canción Oh! Neil, la cual hace referencia al tema de Sedaka y a su nombre. Existe un vídeo en formato 16 mm (llamado Scopitone) para Calendar Girl

Entre 1960 y 1962, Sedaka tuvo 8 temas dentro del Top 40 pero se vio entre los intérpretes quienes vieron sus carreras asediadas por la «invasión británica» y otros cambios de rumbo en la industria musical. Sus sencillos comenzaron a declinar en las listas de popularidad, antes de desaparecer por completo.

En 1973, Sedaka ayudó al grupo ABBA con la letra en inglés de la canción Ring-Ring para el concurso en Eurovisión. Comenzó a trabajar en Inglaterra al lado de Elton John, quien lo contrató para su sello Rocket Records. Siguiendo una década de larga sequía, Sedaka regresó a la atención del público, con Laughter in the rain y Bad blood. Elton John participó en los coros de esta última. Sedaka y Greenfield también coescribieron Love will keep us togheter un éxito #1 de The Captain and Tennille y el mejor disco vendido de 1975. La canción, si es escuchada cuidadosamente, revela el texto «Sedaka is back» (Sedaka regresó) en la coda, cantada por los coros de fondo.

Fue con estos temas, que Sedaka hizo un retorno positivo al escenario, que lo convirtió en una historia de regreso exitoso. Sherwin Bash (representante de The Carpenters) eligió a Sedaka para abrir las actuaciones de la pareja de hermanos. Según la biografía Carpenters: the untold story (Carpenters: la historia no contada) de Ray Coleman, Richard Carpenter ordenó el despido de Sedaka, lo que resultó en un contragolpe de los medios contra los Carpenters después de que Sedaka anunciara públicamente que estaba fuera de la gira. Richard Carpenter dio el alegato de que ordenó el despido de Sedaka porque «les estaba robando el show», manifestando que ellos estaban orgullosos del éxito de Sedaka. Sin embargo, Sherwin Bash fue despedido.

En 1976, Sedaka grabó una nueva versión de Breaking up is hard to do. La versión original exitosa de 1962 era más rápida y más juvenil, pero el remake era más lento y con cierto estilo evocando al jazz centrando sus arreglos en el piano. Esta nueva versión alcanzó el #8 de las listas de popularidad, convirtiéndose en el segundo artista en llegar a las listas de popularidad de manera exitosa dos veces con un mismo tema en versiones diferentes. The Ventures habían tenido éxito en 1960 y en 1964 con dos grabaciones distintas de Walk don't run (‘camina, no corras’). Coincidentemente el jefe de la disquera de Sedaka, Elton John poco después lograría la proeza dos veces también con Don’t let the sun go down on me (1991) y Candle in the wind. De acuerdo con el libro Billboard 40 op Hits, la versión original de Candle in the wind no llegó a los Top 40)

La segunda versión de Sedaka para Breaking up is hard to do clasificó alto en las listas de popularidad Adult Contemporary. El mismo año Elvis Presley grabo la canción de Sedaka Solitaire, en 1980 tuvo un éxito posicionado como #19 llamado Should never let you go, el cual grabó con su hija Dara.

También es el compositor del popular Is this the way to Amarillo una canción que escribió para el británico Tony Christie. Logró el #18 de las listas del Reino Unido pero llegó al #1 cuando fue relanzado en el 2005, gracias a un vídeo lleno de cameos estelarizado por Peter Kay. Sedaka grabó el mismo tema en 1977, cuando fue un éxito con la posición #44. En abril de 2006 durante un concierto en el Royal Albert Hall (en Londres), Sedaka fue presentado con un galardón del Libro de los Récords Guinness como autor del éxito más vendido del siglo 21 por su tema Amarillo.

Sedaka sigue cantando regularmente. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en octubre de 2006 fue introducido al Salón de la Fama de Long Island.

Fuente: Wikipedia

Hoy..Beto Orlando

2011-04-26T21:50:00.000-03:00

Beto Orlando , su verdadero nombre Alberto Orlando Otero, nació el día 04 de Septiembre de 1946, en la ciudad de Las Flores, ciudad del interior de la Provincia de Buenos Aires, bajo el signo de virgo. A los 7 años se traslado con sus padres a la ciudad de la Plata donde reside actualmente.

Su padre, Francisco Otero, músico amateur, y su madre, Maria Delgado, ama de casa, hijo menor de 5 hermanos. Desde muy chico se intereso por la música acompañándose con su guitarra cantando en las escuelas y en distintos lugares. A los 18 años forma parte de un conjunto folklórico llamado Los Labradores, con los cuales actuó en distintos escenarios del país.

Con el correr del tiempo se interesó por la música romántica tratando de imitar a su ídolo del momento Yaco Monti. Luego formó el grupo Los 4 Soles, con el que recorrió distintas ciudades de la Argentina. En Febrero de 1971 actuando en el Club Estudiantes de La Plata lo descubre un representante muy reconocido en el ambiente artístico y se interesó por su estilo de vos y por el grupo, ofreciendo grabar su primer simple que se llamó No me des tu adiós mi amor , en carrera muy ascendente desde el comienzo Beto orlando y Los 4 Soles vendieron para la compañía EMI la suma de 100 mil unidades de su segundo éxito que se llamo Dios del Olvido por el cual recibieron su primer Disco de Oro .

En Marzo de 1973 le ofrecen grabar como solista su primer álbum que se llamó Solamente Beto Orlando . Interviene en ese entonces en el Festival de la Canción en la República Oriental de Uruguay consiguiendo el primer puesto con el tema Si Te Ofendí, Perdóname . El mismo año viaja a España para grabar un álbum llamado El Triunfador , fue grabado en Barcelona con la dirección del maestro Alfredo Doménech. A partir de ese año continuó trabajando en distintos países de habla hispana como solista hasta la actualidad. En la actualidad esta presentando su último álbum, El Romántico de Siempre y en su show personal presenta a su hijo Sebastián Otero con el cual comparten el escenario y un Álbum llamado Herencia Romántica con un gran éxito en público y en venta de disco. Beto Orlando agradece a Dios, a su Familia y su público por sus 36 años con la música.

Fuente: Marcelo Gopar - http://www.la1370.com.ar/

Hoy...Estela Raval

2011-04-17T09:57:00.000-03:00

Nombre artístico de Palma Nicolina Ravallo nacida en Buenos Aires ,Argentina, un 19 de Mayo. Es una reconocida cantante argentina de pop latino, que se hizo famosa mundialmente por ser la primera voz de Los Cinco Latinos, grupo que hasta la actualidad sigue vigente en el mundo del espectáculo.

Palma nació en el seno de una familia de inmigrantes italianos. Se destacó como cantante desde chica, comenzando a actuar profesionalmente cuando tenía doce años junto son su hermano Manuel el "Colorado" Ravallo (bandoneonista),con quien recorriera toda la Argentina interpretando piezas del folklore, en las que ella cantaba y bailaba vestida de gaucho.

Ya con el nombre artístico de Estela Raval puesto por su padre, a comienzos de la década del 50 integra el trío Las Alondras,con quienes visitó algunos paises limítrofes llegando a radicar en Brasil por espacio de un año. Al regreso de esta gira fué cuando conoció a Ricardo Romero trompetista de la orquesta de jazz "Los Colegiales", dirigida por Eddie Pequenino.Tras un noviazgo de varios años, ambos se casaron en Enero de 1954 e integraron diversas orquestas de la época.

En 1955 Estela recibió el premio a la Mejor Cantante de Jazz de ese año, por sus interpretaciones como Lady Crooner en la orquesta de Raúl Fortunato, durante este tiempo dejó grabado un repertorio de temas como " Ave Maria no Morro "," Sr Arenero ", "Canary blue","El Aguacero" a duo con Ricardo Romero entre otros.

En 1956 estando en la orquesta de Tullio Gallo ,con Ricardo Romero,Jorge Pataro y el propio Gallo, formaron un cuarteto vocal denominado "Los 4 Bemoles", con este grupo Estela siguió realizando presentaciones y dejó grabados temas como " Marcelino ", " Isla de Capri","Dos pimpollos", entre otros.

En 1957 ,inspirados en el gran éxito que obtenía el grupo norteamericano The Platters (Los Plateros)con un estilo con sonido de armonía vocal denominado doo woop que hacian los coros acompañantes, deciden formar el hasta hoy famoso quintento "Los Cinco Latinos" con la diferencia de que estos tendrían como líder vocal una voz femenina y a la vez serian músicos y cantantes.

LOS CINCO LATINOS

El grupo debuta en el teatro "Tabarís" el 22 de Mayo de 1957 y estaba compuesto por Estelita Raval (voz solista del grupo), Ricardo Romero (director ,coros y trompetista), Hector Buonsanti (coros saxo alto y clarinete), Mariano Crisiglione(saxo barítono y tenor del grupo),Jorge Francisco Pataro(trombón y coros), el éxito sin duda estaba trasado para el grupo desde el principio ya que el público los ovacionó tanto que tuvieron que volver a escena repetidamente. Con Los Cinco Latinos Estela Raval se hizo famosa mundialmente,su primer sencillo "Abran las ventanas " se constituyó en un éxito sin precedentes con el cual se inicia una larga lista de hits llegando a editar 22 álbumes con temas como "Solamente tú (Only you)", "Recordándote","Quiereme siempre", "Juntitos, juntitos", "Tú eres mi destino","Don Quijote" ,"La Montaña de imittos ", "Balada de la trompeta" entre muchos otros.

En 1959, el grupo inicia una gira por toda sudamérica logrando un éxito mayor quizá que la de los grupos norteamericanos que hasta aquel entonces ,habian sido los de mayor jerarquia. llegaron a México en Octubre de ese año, en donde sus presentaciones fueron apoteósicas,muchas de las cuales se realizaron en las plazas de toros por su mayor capacidad,debiendo multiplicarse para cumplir sus compromisos entre grabaciones, cine ,teatros y TV.

En México Jorge Francisco Pataro fué reemplazado por Carlos Antinori quien forma parte del grupo hasta la actualidad.

Precedidos por este gran éxito llegan a España en junio de 1960 y fueron recibidos por una multitud pocas veces vista, recorrieron el país de frontera a frontera, para luego seguir por Francia y presentarse en el mundialmente famoso "Olympia de Paris" ,estando en Francia grabaron el famoso tango "Lejana tierra mia",la gira los llevaria a Londres ,Portugal ,Italia ,Grecia entre otros paises para luego retornar a América.

En 1964,graban para Columbia su último disco para convertirse luego en productores independientes iniciando así otra ola de inolvidables éxitos como "Un payaso en el paraiso","En un rincón del alma", "Venecia sin ti ","La casa del sol naciente" entre muchos otros. Las giras por todo el mundo se sucedieron en los siguientes años llegando a participar en los mas importantes programas de TV entre los cuales destacaría en 1964 "El Show de Ed Sullivan " en Nueva York,así los éxitos seguirian hasta que en 1970, Los Cinco Latinos ,pensando haber cumplido un ciclo mas que brillante anuncian su separación, la cual se dió luego de meditadas razones y en común acuerdo,Estela cumpliria así el gran anhelo de permanecer mas en casa al cuidado de sus hijos y a la vez dedicarse a su carrera como solista,de esta manera, el alma de "Los 5 Latinos" estaría siempre vigente.

ESTELA RAVAL SOLISTA

En 1970 Estela inicia una carrera como solista, siempre acompañada por su esposo, Ricardo Romero. Durante el tiempo compartido con "Los 5 Latinos", Estela había capitalizado maravillosos años, ricos en experiencias y así dotada de una madurez vocal e interpretativa de excepción, debía continuar con la trayectoria antes trazada por el grupo.

El sello CBS (Columbia) le extendió de inmediato un contraro de exclusividad y con ellos grabó 4 LPs dos de los cuales los hizo acompañada del Trío Los Panchos realizando exitosas temporadas televisivas y teatrales ,asi como giras internacionales por Paraguay ,Colombia y principalmente por México y España donde obtuvo un gran éxito.

En 1973 obtiene el codiciado "Martin Fierro" ,premio a sus exitosas actuaciones por toda la nación Argentina. Realizó varios espectáculos exitosos como "Operativo cantable" y "Fantásticamente fantástica".

En 1974 logra un resonante éxito con "Cuando te encuentres solo " tema inédito compuesto por Horacio Guarany y que dió titulo a un nuevo LP con otros temas como "Un amante no debe llorar ", "Cuando vuelva la nieve" y que la llevarian a realizar dos extensas giras internacionales que la llevaron a recorrer toda América.

De 1975 al 79 se repiten los éxitos en otros LPs como "Amame", " A toda voz " y "La Raval" asi como presentaciones en destacados shows tanto de TV como teatro.

En 1980 logra otro éxito impresionante con su LP "Tributo a los 5 Latinos" con lo cual inicia otra gira mundial.

En 1981 logra nuevamente otro reconocido éxito junto a la "Pequeña Compañia " con un LP titulado "Tributo a mis amigos". Aunque el éxito de Estela como solista no fuera comparable al que obtuvo con "Los 5 Latinos" ,su carrera fué muy destacada ,dejando grabados un total de 12 LPs.

EL RETORNO DE ESTELA RAVAL Y LOS CINCO LATINOS

En 1982 volvio la nostalgia por la música inolvidable de "Los 5 Latinos" y con motivo del mundial de España 82 Estela obtuvo numerosas propuestas para reunir al grupo nuevamente. Es asi que Raval volvió a unirse con Los Cinco Latinos, presentándose en adelante como: "Estela Raval & Los Cinco Latinos",alternando su carrera con el grupo y otras como solista. Nuevamente realizan temporadas con salas llenas y empiezan las nuevas giras que los llevaron a recorrer el mundo , presentándose como en otrora en los escenarios mas importantes del planeta, este mismo año graban para CBS un nuevo Lp titulado " Estela Raval y Los 5 Latinos - El mejor momento".

En 1983 tras visitar varios países como "Puerto Rico", "Chile" entre otros ,llegan a "Cuba" en una inolvidable visita que se tornó en un acontecimiento que dió que hablar a toda la nación, ya que en este país son "ídolos " indiscutidos y en donde se emiten programas radiales con la música del grupo por mas de 30 años, de esta visita quedó registrado en vivo un hermoso Lp titulado " Encuentro en la Habana con Estela Raval y Los 5 Latinos".

En 1984 graba un nuevo Lp para CBS con temas como "Chicos de la calle", "Lágrimas" entre otros ,realizando para la presentación del mismo, una espectacular en TV.

En 1985 realiza un espectacular en "Michellangelo" de donde se edita un hermoso LP grabado en vivo ,titulado "Estela Raval y los 5 Latinos en Michellangelo", este mismo año graba junto a otros colegas ,un album a beneficio de los danmificados por las inundaciones y que llevó el título de "Argentina es nuestro hogar " en donde según las propias palabras de "Sandro" ,Estela fué la "la voz cantante", este mismo tema se incluye en el Lp realizado en Michellangelo.

En 1986 llegan a Lima Perú, en donde obtienen un éxito arrollador ,tornandose la visita de una semana en un mes y medio en aquel país.Este mismo año graba un Lp bajo el titulo de "A Usted" compuesto por El Paz Martinez y en donde graban a duo el tema "Amor donde hubo fuego".

En 1987 es contratada por la casa discográfica "Microfon" para editar un memorable LP titulado "Estela Raval Hoy, la historia de sus éxitos" en donde incluye un engachado de temas clásicos de su repertorio.

En 1989 se presenta en Miami a beneficio del Latin Quarter Cultural Center , con un fabuloso e inolvidable espectáculo en donde asistieron grandes personalidades del ambiente hispano además de colegas como Palito Ortega ,Olga Guillot , María Martha Serra Lima , Susana Giménez que se encontraba en Miami. Despues viaja a Lima, Perú para realizar un par de presentaciones para el gobierno peruano. En Noviembre de ese año viaja a México como invitada al popular programa de Verónica Castro " Aquí está ". Este mismo año recibe el premio " Estrella de Mar " por su participación en "Aquí está el show" como mejor Music Hall.

En 1990 estrena un nuevo CD y un nuevo espectáculo llamado "La Cantante" de Billy Joel, en donde incluye temas como "Una" que fuera compuesto por Alberto Cortez para ella, "La cantante ","Amaba", "La Madre",entre otros

En 1993, edita un nuevo disco titulado "Noche de Ronda " en donde incluye famosos boleros como "Noche de ronda ", "Burbujas de amor " ,"Melodia desencadenada" entre otros,realizando presentaciones tanto dentro como fuera de la Argentina.

En 1996 Estela se anota un inigualado éxito con su espectáculo "Porque somos grandes " junto a Ricardo Romero, permaneciendo 6 meses consecutivos en cartelera, en dicho show se presentaba toda la historia musical y personal de Estela Raval.

En 1997 es invitada por Paloma San Basilio a España para participar en un especial musical con motivo de cumplir sus 20 años de trayectoria artística, este mismo año estrena su unipersonal "Ven y acompáñame ",por el cual recibe el premio "Estrella de Mar”. También estrena su ultimo álbum titulado "La Vida ", tema compuesto por "Alberto Cortez "para ella, contando con la participación del mismo ; también incluye un duo con Paloma San Basilio en el tema "Cosas del amor ". Este mismo año se estrena el fabuloso espectáculo "Estela Raval y los 5 Latinos - 40 años despues" ,celebrando el aniversario del grupo y editando un doble CD con los temas del show.

En 1998 continua celebrando el 40 aniversario de "Los 5 Latinos" recorriendo diferentes partes de América. Este mismo año grabó y participó en la obra musical "Rutas del Alma" bajo la Dirección Instrumental de Nazareno Andorno junto a más de 120 artistas famosos y el Coro Kennedy.[1]

Hoy, el nombre de Estela Raval ocupa el lugar de los grandes de la canción. Se lo ganó con talento, trabajo, dignidad pues desde sus inicios recorrió el mundo con su arte estando siempre en lo más alto de la fama y popularidad.Estela durante esta etapa ha realizado destacados espectáculos y grabado a dúo con amigos y colegas de la talla de Valeria Lynch, José Luis "El Puma" Rodríguez, Mariano Mores, María Martha Serra Lima, Alberto Cortez, Paloma San Basilio, Sandro, Paz Martínez , Axel Fernando, Cacho Castaña, Víctor Heredia, Los Carabajal, Osvaldo Pugliese, Cacho Tirao, Raúl Lavié y su hijo, el guitarrista y cantante Hernán Romero, entre muchos otros.

En el nuevo milenio Estela sigue por la ruta del éxito y con mas fuerza que nunca ,Su batalla contra el cáncer, con fortaleza y dignidad, no la alejan de tanta actividad y es un ejemplo de vida para mucha gente. En la actualidad el grupo de " Los Cinco Latinos " esta compuesto por : Estelita Raval , Mariano Crisiglione , Carlos Antinori ( miembros fundadores ), Ricardo Tenreyro y Augusto Granata ( miembros desde 1982) .

En 2000 edita un nuevo CD en donde incluye dos temas compuestos por ella misma "El amor de mi gente " en homenaje a los miles de seguidores en todo el mundo y "Dispuesta a todo", que incluye en sus nuevas presentaciones.

En 2002 realiza un exitoso espectáculo titulado "En un rincón del alma " junto a Alberto Cortez ,grabando un doble Cd con el mismo titulo y por el cual obtuvo el codiciado "premio Gardel 2002"

En 2003 Presenta su nuevo espectáculo titulado "Adelante" el cual fué disfrutado por 300,000 espectadores ,siendo el suceso musical de los útimos tiempos con su éxito "Resistiré". Este inolvidable espectáculo fué registrado en un DVD que incluye los mejores momentos del show en el teatro "Astros" de Buenos Aires. En este show presentó también su último CD con el mismo titulo por el cual logra nuevamente el (Premio Gardel 2003). Este CD también obtuvo el Disco de Oro superando las 35.000 unidades vendidas.

En 2005 siguen los éxitos y la energia de Estela no se detiene por lo que nos vuelve a sorprender con un nuevo espectáculo Vivir con todo y con un novedoso CD bajo el mismo título, donde encontramos una gama de ritmos y estilos que son un deleite para quienes lo escuchan. Este espectáculo fué presentado durante todo el 2006 y su disco fue nominado en el Premio Gardel 2006 (Mejor Album Rromántico).

En 2007, Estela Raval celebró por lo alto sus 50 años junto a Los 5 Latinos en un desbordado Luna Park y dos Teatro Gran Rex con "Maravillosos 50", concierto memorable que se presentó en toda la Argentina, Uruguay, Chile y USA. De esos conciertos se edita un CD doble grabado en vivo.

En 2008 recorre toda América y realiza dos conciertos en el Luna Park con inigualado éxito. El 12 de noviembre viaja a Estados Unidos para recibir un Grammy Latino a la excelencia musical.

En 2009 vuelve a España como estrella invitada del show de Televisión Española "Los mejores años de nuestra vida" y presenta Más de mí, CD con 12 nuevos temas para su repertorio.

En 2010, Estela vuelve después de muchos años a participar en una revista musical, es así que debuta en la Revista Porteña "Carnaval de Estrellas" junto a Raúl Lavié y Juan Carlos Calabró en donde la tienen como protagonista absoluta y con resonante éxito en la calle Corrientes desde el mes de marzo hasta finales de octubre del 2010, cumpliendo un ciclo de casi 8 meses debido al éxito logrado cuando su permanencia iba a ser en principio de dos meses. En los días libres del teatro cumplió con sus múltiples compromisos en el interior y en Chile donde abarrotó 4 funciones en el Teatro Oriente de Santiago.

A principios de diciembre, viaja a Montevideo (Uruguay) en donde realiza una serie de presentaciones para luego volver a Buenos Aires ,en donde el 18 de diciembre debuta en Carlos Paz (Córdoba) con la revista "Excitante" compartiendo cartel con Nito Artaza y Miguel Angel Cherutti que volvieron a unirse luego de casi una década.

En 2011,durante la temporada en Carlos Paz, el espectáculo "Excitante" agotó localidades en varias oportunidades ,llegando a realizar funciones los 7 días de la semana, este espectáculo fué primero en recaudación a nivel nacional constituyendose así en el éxito del verano y otro suceso personal en la carrera de Estela Raval.

Terminada su participación en "Excitante", Estela volvió a Chile para realizar una serie de conciertos del 12 al 22 de marzo con "Los 5 Latinos" en donde logró un éxito rotundo con cada presentación y en Santiago, donde hubo que agregar una función extra debido a localidades agotadas. Luego se presentó en Salta el 25 de marzo en una gala para Cáritas en el Teatro Provincial. Terminadas sus actuaciones viaja a Estados Unidos para tomarse unas merecidas vacaciones ,visitar a sus hijos y volver para emprender un nuevo espectáculo.

El 7 de mayo vuelve a Lima, Perú, en un concierto exclusivo en el Teatro María Angola de la capital peruana donde se da por descontado el gran éxito de esta presentación como en todas las anteriores.

Fuente: Wikipedia

Hoy... The Con's Combo

2011-04-02T09:07:00.001-03:00

The Con's Combo, eran originarios de Suecia y luego vinieron por unos años a la Argentina.

Editaron numerosos simples, tres LPs, y una edición muy buscada por los coleccionistas que los presenta de un lado del vinilo, con temas de Los Shakers en el otro. Se iniciaron en su Suecia natal. En algún momento un argentino allegado al grupo les sugiere viajar a Sudamérica. De esta manera se inicia la carrera argentina de Conny Söderlund en guitarra y voz, Bo Gathu en bajo y voz), Owe Monk : teclados y voz, Charlie en batería y voz. Tuvieron múltiples presentaciones en televisión y aparecieron en el film "El Extraño del Pelo Largo" protagonizado por Litto Nebbia (quien les compusiera el tema Llévame Contigo). Owe formo también parte del reparto actoral de la película. Hacían un pop muy cargado de jazz, cultivaban el humor en sus composiciones y esran buenos instrumentistas. El 1970 volvieron a Suecia.

Hoy... James Last

2011-03-17T22:54:00.001-03:00

James Last, es un talentoso músico alemán nacido en Bremen, el 17 de abril de 1929.

Desde niño comenzó a jugar con el piano; luego, en su vida de adolescente, se aficionó por al bajo hasta constituirse en líder mundial en la ejecución de este instrumento musical.

Ahora, más del 93% de los alemanes tienen conocimiento sobre quién es James Last.

La música que él interpreta se ha hecho en más de 150 países del orbe terrestre. Su orquesta, es la de mayor éxito discográfico en el mundo, haciéndole acreedor a infinidad de premios y reconocimientos, entre los que destacan, “Goldenen Europa”, “Goldenen Kamera” y el “Premio Echo Vida de 1994”. Ha recibido, asimismo, al presente, más de 2056 discos de oro, compilando un total de 17 de platino y vendido más de 50 millones de álbumes entre L.P., y CD.

Su exitosa carrera musical se inició en su natal Alemania, 1939, cuando recibiera su primera lección de piano. Son años difíciles para esta nación europea y, fundamentalmente, para su familia, por las consecuencias generadas a raíz del comienzo de la II Guerra Mundial.

Mientras sus dos hermanos trabajaban en una fábrica de armamentos, James tiene como objetivo la música, a la que se dedica con disciplina y aplicación. Se matriculó en la Heeresmusikschule en Bückeburg, a donde llega como estudiante en 1943. Aquí, su instrumento de batalla es el bajo. En 1946, junto a sus hermanos Robert y Werner se integra a Radio Bremen de reciente creación. En esta emisora que, prontamente, se hará muy popular, participa en una orquesta de entretenimiento. Sus actuaciones lo destacan no sólo como ejecutante del bajo, su instrumento preferido, sino también como arreglista, director y compositor.

Sus acentuadas actuaciones le hacen merecedor al premio de mejor bajista del año, con galardones consecutivos hacia los años 1951 y 1952 respectivamente.

James Last organiza una nueva orquesta que es la delicia de los públicos. Su melodiosa música se impregna en el espíritu de una juventud que busca a través del entretenimiento poder expandir sus ilusiones hacia una sociedad más justa y cada vez mejor, alejada del flagelo de las confrontaciones bélicas.

En esta tarea contribuye sustancialmente la floreciente industria fonográfica que le permite distribuir mundialmente un producto repleto de esperanzadoras nuevas.

En los subsiguientes años, James Last será el líder indiscutible de un núcleo de directores, arreglistas y compositores. Su éxito lo consolida, su afán de trabajo que no cesa. Para 1967, el Hit Parade Inglés le colocó cuatro L.P., en los primeros lugares de la predilección mundial. Este hito se prorrogó a 1969, 1970 y 1971, al ser considerada la Orquesta de James Last, como la más popular del año por la sociedad de críticos alemanes.

Sus giras artísticas por Europa, África, América, Australia, Nueva Zelandia y Asia se intensificaron años tras años, transformándose en un viajero de 366 días al año.

James Last es el artista alemán de moyor éxitos dentro de la escena musical internacional. Este éxito en nada varia la forma de vida que lleva el artista. Su innata modestia constituye para él, un sello de distinción.

Otros artistas vienen y van; pero, James Last siempre está presente, sea a través de registros sonoros, presentaciones personales, conferencias o programas de radio y televisión.

La muerte de su inseparable Waltraud, la madre de sus dos hijos, le acongoja, alejándole momentáneamente de la escena; pero, prontamente se recupera, y empieza, a la edad de 79 años de edad, a explorar nuevas posibilidades, adaptándose a las novedosas vertientes del gusto mundial. Él, sigue diligente en su trabajo creador y, a pesar de las innovaciones, James Last siempre ha de ser “fiel a sí mismo”.

Fuente: http://www.fundacionjoseguillermocarrillo.com/
Dra. Egly Colina Marín,Abogado especialista en Derecho Privado,Profesora de Castellano, Literatura y Latín

Hoy...Roberta Flack

2011-03-01T21:33:00.002-03:00

Roberta Flack nació en 1939 en Carolina del Norte, Estados Unidos. Era hija del organista de la iglesia baptista de Nashville, por lo que desde pequeña se orientó musicalmente tocando el piano.

En su juventud recibió nociones musicales y clases eventuales en la Universidad Howard. Tras un periodo dando clases, fue descubierta por Less McCann cantando en un club de jazz. Muy poco después y gracias a él, firmó con la discográfica Atlantic.

Sus dos primeros álbumes (First take en 1969 y Chapter 2 en 1970) apenas sonaron y no llegaron a colocar ningún sencillo. Pero esto cambió cuando en la banda sonora de Play Misty for Me se incluyó una versión de The First Time Ever I Saw Your Face (canción del cantante folk Ewan McColl), que ya aparecía en su álbum debut. El single se convirtió en número uno y permaneció en lo más alto seis semanas, convirtiéndose en uno de los mayores hits de 1972.

En ese mismo año Roberta se unió con su compañero de clase Donny Hathaway para grabar un álbum juntos, del que se extraerían éxitos como Where is the love o la versión del clásico de Carole King You've got a friend.

Su mayor éxito le llegaría en 1973, y el tema Killing me softly with his song, convirtiéndose en número uno por cinco semanas y siendo uno de los grandes hits de la música contemporánea.

En 1974 volvió a las listas de ventas con Feel Like Makin' Love. En ese año se tomó un descanso para actuar con fines benéficos. En los siguientes años sus apariciones eran escasas pero continuaba trabajando duro. En 1979 Donny Hathaway se suicidaba haciendo volver a la escena a Roberta. Afectada por la pérdida, buscó un nuevo compañero musical; Peabo Bryson, con quien hizo una larga gira durante 1980. En 1983 grabaron juntos, consiguiendo el éxito Tonight, I Celebrate My Love. Durante toda la década de los 80s se centró en actuar más que en grabar, haciendo numerosas giras y actuando junto a Miles Davis.

Volvió a los puestos altos de las listas en 1991 con el dúo Set the Night to Music junto a Maxi Priest. Durante toda la década de los años 1990 y en la actualidad se dedica a hacer interminables giras mundiales, en las que especialmente se centra en el jazz.

Fuente: Wikipedia

A 50 años de la presentación de The Beatles

2011-02-09T08:39:00.001-03:00

El cuarteto de Liverpool comenzó su carrera musical en The Cavern Club, bar que hoy es una de las atracciones más importantes de Liverpool, la ciudad natal de los "Fab Four". La banda logró reconocimiento mundial en su época y no para de sumar fanáticos.

Hoy se cumplen 50 años de la primera vez de la banda de rock más innovadora y rebelde, y la de mayor influencia de todos los tiempos: The Beatles.

El cuarteto formado por George, Paul, John y pero con un baterista que no era Ringo se presentó el 9 de febrero de 1961 en uno de los bares más populares de las callejuelas de Liverpool, The Cavern Club (hoy, un lugar histórico y turístico sin duda alguna).

Por esta razón, los fans de la banda se van a reunir en su ciudad natal para homenajear a estos músicos que marcaron toda una época.

La inicial formación de The Beatles tocó por primera vez en The Cavern Club de Liverpool en una actuación a mediodía que sería la primera de casi trescientas que darían allí a lo largo de dos años.

En agosto de 1963, cuando los "Fab Four" ya era eran mundialmente conocidos, dieron su último concierto en esta sala que sería demolida en la década de 1970 para construir un centro comercial.

Existe una réplica a pocos metros del emplazamiento original del club, en Mathew Street, donde los admiradores de la banda se reunirán este miércoles para celebrar estos 50 años.

Una serie de eventos organizados por Cavern City Tours, los dueños de la réplica del club, acompañarán a la jornada del aniversario.

El ayuntamiento de Liverpool tiene planeado poner un techo de luz en Mathew Street, en honor a la canción Lucy in the sky with diamonds.

También se añadirán mejoras a la estatua de John Lennon y a la escultura que representa al grupo, obra de Arthur Dooley

El furor que todavía levantan The Beatles parece no tener fin, y el pasado mes los habitantes de Liverpool se manifestaron para que no se demoliera la casa en la que había nacido Ringo Starr.

El baterísta, que vivió en ese edificio durante sus primeros tres meses de vida antes de que su familia decidiera mudarse, también está a favor de la conservación, que finalmente se ha logrado ya que el nuevo plan no toca el antiguo hogar de Ringo.

La casa de John Lennon ha sido declarado monumento en la ciudad y la de George Harrison, aunque privada, porta una placa para que los admiradores sepan que allí vivió el Beatle.

The Cavern Club es una de las atracciones más famosas que rodean al mundo de los Fabulosos Cuatro y los fanáticos más acérrimos aún lamentan que la original se convirtiera en escombros.

La famosa película musical de The Beatles, Across the Universe, protagonizada por el actor inglés Jim Sturgess, emula al club en la primera escena en donde el joven y su pareja, metidos entre la multitud, bailan el conocido Hold me tight.

Fuente: Infobae

Hoy... Luis Grillo

2011-01-22T12:08:00.003-03:00

Ricardo Luis Tapiero Ballatore, nació en Laspiur, provincia de Córdoba, el 20 de Febrero de 1945.

Como muchos otros fue descubierto por Nicolás "Pipo" Mancera, se presentó en sus Sábados Circulares y grabó en 1969 un excelente LP, incluyendo una mayoría de temas de su autoría: "Dicen por Ahí", "De Regreso", "Te Has Equivocado", "A Él", "Jugando a Ser Don Juan", "Si Yo Tardo un Poco", "Al Morir la Canción", "Amor de Vacaciones", "Sin Tí, Ya No es Igual".

Se radicó luego en Cataluña, grabando para el sello Belter. En 1979 obtuvo el segundo puesto y el premio al mejor intérprete en el Festival del Mediterráneo, con "Canción Para Un Regreso", que grabó para la disquera AUVI con otros temas propios, como "Mi Bien Amada", además de componer para otros intérpretes. Se trasladó luego a Alemania, y actualmente reside en Iquique, Chile.

Hoy...Diego Verdaguer

2011-01-06T21:11:00.004-03:00

Nació en Buenos Aires, Argentina. Demostró desde pequeño una sensibilidad muy especial hacia la música y el canto, la misma que lo llevó gradualmente a ocupar un sitio destacado dentro de la música popular latinoamericana y de los escenarios de América.

Primer hijo de Miguel Ángel y Laly, nace bajo el signo de Tauro y tiene dos hermanos, Víctor y Celia. A la edad de 6 años escuchaba música folclórica y en esos momentos sentía que la música era su camino y años después comenzaría a dar sus primeros pasos en la industria musical de Argentina. A los catorce años conoce de casualidad a Larry Moreno con quién forma un dúo llamado Reno y Rino. A los dieciséis años decide comenzar con su carrera y en el año 1968 graba su primer disco como solista y fue entonces en el año 1969 que participa en el festival de la canción latina y obtiene así su primer trofeo como cantante en el Luna Park de Buenos Aires.

Poco después participa como cantante y presentador en “Sótano Beat” uno de los programas más populares de la televisión Argentina (1969-70).En 1970 Diego es seleccionado para representar su país en México, compite con José José y comparte el escenario de la Alameda Central, DF México, con Palito Ortega. En 1975 Diego graba “Volveré“ los coros de Amanda Miguel y Valeria Lynch, en “Volveré” ayudan a que esa canción se convierta en número uno en todo el continente americano.En 1976 México esperaba a Diego con los brazos abiertos, sus canciones se escuchaban por todos lados y Raúl Velasco lo recibía en su famoso programa “Siempre en Domingo” y los años 77/78/79 su éxito siguió creciendo con la canción “El Pasadiscos” Nº 1 en México durante varias semanas.

En el año 1979 la compañía Melody lo contrata y lo invita a vivir en México, así es que produce con Pepe Quintana un disco grabado en Estados Unidos “Estoy Vivo“ las canciones fueron escritas por Diego, Amanda Miguel y Graciela Carballo. Ese disco contiene “La ladrona”, “Corazón de Papel”, disco que se colocó en el primer lugar de ventas en el continente superando a la fecha más de 2.000.000 millones de copias vendidas. En 1981 colabora como productor del primer disco de Amanda Miguel y compone junto con ella y Graciela Carballo todas las canciones que integran el Sonido Volumen 1. Canciones como “Así no te amará jamás”, “Mi buen Corazón”, “Hagamos un trato” y “Él me mintió”… disco histórico que supera los 3.000.000 millones de copias vendidas y 2.000.000 de discos sencillos de la misma producción.

Un recuerdo navideño

2010-12-25T23:04:00.004-03:00

En esta Navidad...la música inolvidable de Bing Crosby. ¡A disfrutar "cuevíferos"..!!

">

Hernán Figueroa Reyes

2010-12-18T15:21:00.003-03:00

Hola cuevíferos... No es habitual que en esta página recordemos a folkloristas argentinos. Es, mas bien, un blog dedicado a la música de todos los tiempos y de nivel internacional. Pero hoy sentí la necesidad de recordar al "cantor enamorado". Espero lo disfruten...

Hernán Figueroa Reyes (1936-1973) fue un conocido músico, cantante y compositor salteño de música folklórica de Argentina. Integró Los Huanca Huá en su primera formación y luego emprendió una carrera solista.

Aportó canciones que integran el cancionero popular de Argentina como "El corralero" (composición del chileno Sergio Sauvalle), "Para Villa María" (Hernán Figueroa Reyes - O.Wilson), "Regalos para mamá" (W.Belloso - G.Montenegro), "Disculpe" (H.Ferrari), "Zamba para decir adiós" (Argentino Luna), "Chacarera de un triste" (Hermanos Simón), "Por las trincheras" (C. Chazarreta - A. Giménez), "El tata está viejo" (Rafael Carret), "Tendrás un altar" (A. Polito - I. Diez), "Zamba para no morir" (L.Quintana - N. Ambros - H. Rosales), y sus temas propios "Zamba del cantor enamorado", "Zamba del gaucho guerrero".

Murió en un accidente automovilístico en 1973, cuando tenía 36 años.

Hoy...Elio Roca

2010-11-27T20:19:00.006-03:00

Elio Roca, nació en Presidencia Roque Sáenz Peña (Chaco). Su verdadero nombre es Roberto Orlando Bracone Macceialli, y es el menor de la familia que se compone de 4 hombres y 2 mujeres.

Nunca olvida su origen humilde ya que nació en una casa de piso de tierra, en el seno de una familia pobre, donde sus padres, Filomeno y María, eran descendientes de inmigrantes italianos. Aprendió a ganarse la vida desde los 6 años vendiendo pan, descalzo en las calles.

Luego trabajó cromando y puliendo linternas doce horas por día; hasta que lo escucharon cantar en una cantina de Buenos Aires y lo llevaron a la televisión y, así después, a grabar su primer disco.

Aprendió a cantar con las canciones de Miguel Aceves Mejía. Sus primeros pasos en la radio fueron en la emisora local Radio Esmeralda LT 16, en el programa "Ronda infantil" donde cantaba canciones mexicanas sin cobrar dinero; alguien le enviaba un giro de $10 para que siguiera en él; al pasar el tiempo se dio cuenta que era su madre; a los 10 años ya tenía su propio espacio en la radio e interpretaba canciones como Ella, El jinete y La despedida.

Despuès de vivir varios años en Estados Unidos, en 2008 regresó a su tierra natal.

SU ORIGEN MUSICAL

El origen musical de ELIO ROCA tiene mucha similitud con el de Julio Iglesias, puesto que también jugó fútbol. Actuaba en las inferiores del Club Ferrocarril Oeste y cuando iba a debutar en la primera división, un directivo se opuso. Así que, en el año de 1.962, colgó los botines y se metió en el canto de lleno, sacando provecho de todas esas virtudes que ya tenía desde niño. un incidente que lo entristeció mucho, fue el que influyó en el inicio de su carrera musical.

En 1.965 llega a Buenos Aires y tiene la oportunidad de actuar en clubes, heladerías y cabarets, donde pronto empieza a ser reconocido. En ese año graba su primer disco “Bella, bionda, Carina” , acoplado a “Por qué ya no?”;. Graba con el sello Fénix y con el nombre de Roberto Orlando, con relativo éxito

En 1.966 logra muy buen renombre con la version en castellano de "Extraños en la noche" la cual se graba con el sello Polydor en su primer LP "El mundo de Elio Roca", donde se destacan "Nadie me puede juzgar" y "El amor".

En 1.967 viaja a Europa recorriendo por quince meses los más importantes programas de televisión del Viejo Mundo, como “Top of the pops” en Londres y “Noches del Sábado” en España. En Benidorm graba el video de “Siempre te amaré” para el programa de Juan Carlos Mareco “Casino Philips”.

Participa en el IX Festival de Benidorm, España donde obtuvo un tercer puesto con la canción “Siempre te amaré”, . La canción vencedora fue "Entre los dos", interpretada por Tony Dallara y Bettina, que no era la favorita del público. También participaron los siguientes artistas: Raphael, Jaime Morey, Michel, Rosa Morena, Paula Rivas, Los 4 Ros y Ana Kiro.
Además realiza un pequeño papel en la película “Amor en el aire”, con Rocío Dúrcal y Palito Ortega.

Por esta época ya obtenía éxitos con “El último vals”, “Suéltame” y “Contigo es mejor”.

En 1.968 graba en Argentina el LP "Poema de Amor", el cual incluye canciones como "Dalila", "Poema de amor" y "Canción para ti".

En 1.969 impuso temas como “Dios como te amo”, “Yo canto (para ti)”, “Dejame ir (Release me)” y “La La La”.

SUS GRANDES TRIUNFOS

En 1970 conquista el primer premio en el Festival de Punta del Este, Uruguay, con una canción de su autoría, “Cuando el amor se da”, . Inicia una nueva etapa y su apoderado, Eduardo J. Alvarez ( Alvar ) se convirtió en el productor de sus discos, consiguiendo con la canción “El Arca de Noé” un suceso sin precedentes.

Luego consiguió el primer premio en el Festival TV de la canción, Canal 13 de Buenos Aires, con un tema suyo “Sembremos paz y amor por los caminos”.
Este año se consolida con éxitos como “El triste”, “Cómo deseo ser tu amor” y “Otra vez junto a ti”.

En noviembre de 1.970 comienza a filmar su primera película como protagonista: “Vamos a soñar con el amor”, la cual se estrenó en abril de 1.971 con gran éxito.
Y desde este año en adelante Elio Roca solo obtiene triunfos.

¿POR QUE ELIO ROCA?

El origen de su nombre artístico, ELIO ROCA es algo curioso: estando un día con su director, buscaban el nombre artístico que le iban a colocar, y sobre el escritorio se encontraba una guía telefónica, la tomaron, abrieron una página cualquiera y se encontraron con “Elio Rica”, no les gustó, pero les llamó la atención y decidieron cambiarlo por el ya conocido “Elio Roca”.

También nos habla sobre el origen del gran éxito “Yo quiero dibujarte”: Cierto día ve pasar una mujer hermosa y piensa en lo bonito que sería retratarla, dibujarla, pero… cómo?, bueno, ya todos sabemos cómo lo hizo. La única que no nunca supo, fue ella.
Elio Roca cuenta que su mejor canción es “Mamá, qué bonita estás”,, el cual es un tema que le compuso a su mamá, su amor más grande. El destaca esta canción sin importar todos sus otros éxitos.

Ha sido un artista polifacético, ha trabajado en la radio, la televisión, el cine, el modelaje, compone la mayoría de sus canciones y ha interpretado baladas, rancheras, tangos y boleros.

Durante el desarrollo de la exitosa telenovela colombiana “Betty la fea”, su escritor Fernando Gaitán lo menciona diciendo: "Para enamorarse hay que escuchar a Elio Roca".

Cierto día llegó a un canal de televisión Argentina a hacer un "casting" sin saber que ésto le daría un vuelco a su vida. Luego tuvo su propio programa de televisión, “El show de Elio Roca”, por el canal 9 Argentino, el cual se pasaba de lunes a viernes de 1 a 2 PM y el que no sólo presentaba otras figuras, sino también, para lanzar sus éxitos.
En un momento de su vida se dedica a hacer política en su tierra natal, intentando ser gobernador de la Provincia del Chaco, lo cual no tuvo buenos resultados.

Fuente: elioroca8m.com

Paul....grande como antes, como siempre

2010-11-13T10:56:00.001-03:00

El sonido no es bueno. Pero vale la pena ver a Paul, uno de los más grandes músicos contemporáneos...Ahi va...

">

Los cumpleaños de los 60...70 ... 80....

2010-10-30T11:54:00.003-03:00

Probablemente hayan leído este mail. Pero está bueno, está lleno de recuerdos y de mucho humor. Me lo envió mi hermano Dickie, que está allá por los pagos de Zaragoza, en España. Lo dedico a Uds. mis amigos "cuevíferos". Mucha risa y, quizas, algun lagrimón nostalgico.

Además, mientras leemos, podemos escuchar al gran Bert Kaempfert... ¿les parece..? Un abrazo.!!

"Quique" Guzmán

2010-10-16T10:26:00.001-03:00

Ahhh...!! Como no disfrutar de este rock de los '60. El venezolano (nacionalizado mexicano) Enrique Guzmán nos hace bailar con...Presumida. ¡Disfruten, Cuevíferos...!!

">

Hoy... Los Linces

2010-09-30T18:57:00.002-03:00

Uruguay es un país que es y ha sido cuna de grandes artistas.

Si de la "dorada época de los '70" hablamos, no debemos olvidar a aquellos que, junto a Los Iracundos eran un sinónimo de la música contemporánea: Los Linces.

Con Ariel Cora Alvarez como voz principal, el grupo hacía el deleite de quienes gustaban de la música romántica. Amor, reflexionemos; Te juro por mi vida o Ahi van, camino del altar, eran sus principales éxitos.

Los integrantes de Los Linces eran en su mayoría argentinos, de Concordia, pero la voz distintiva del grupo era del ya mencionado Cora Alvarez.

Este grupo nació en el año 1965, su primer simple fue 'Como una ola de calor' y 'Maria Celeste'. Era en aquellos momentos unos de los grupos más vendedores de discos junto a Los Iracundos.

">

Hoy...Paul Anka

2010-09-17T19:16:00.005-03:00

Paul Anka nació en Ottawa, Canadá el 30 de julio de 1941 en el seno de una familia de origen libanés.

Animado por sus padres, grabó su primer single "I Confess" ("Yo confieso") a la edad de 14 años. En 1957 marchó a Nueva York donde hizo una audición para la American Broadcasting Company (ABC) con la canción "Diana", la cual había escrito para su antigua niñera. Con esta canción, Anka trepó al número uno de las listas de éxitos. "Diana" es uno de los discos de 45 R.P.M. más vendidos de toda la historia.

Durante los años 1960, Anka trabajó como actor de películas, además de escribir canciones de éxito como "Lonely Boy". Luego, en Las Vegas, se convirtió en uno de los primeros artistas de música pop que cantaban en los casinos.

Tras más de 10 años sin obtener nuevos éxitos, en 1974 formó un dúo con Odia Coates, y grabaron el exitoso tema "Having My Baby", que llegó a la cima de la audiencia. Anteriormente a esto, en 1972 la canción "Jubilation" fue un gran hit mundial así como "Toi E Moi", grabada en 1979 con Mireille Mathieu. Aparte de esto, la canción "My Way", adaptada por Anka, se convierte en un clásico mundial grabada por muchos artistas como Frank Sinatra. Muchos años después, él mismo graba una versión de ella a dúo con Julio Iglesias.

En 1990 Anka se naturalizó ciudadano de los Estados Unidos. Regresó luego a su ciudad natal donde compró parte del equipo de hockey local, los Ottawa senators.

Hoy...Bert Kaempfert

2010-08-30T20:31:00.003-03:00

Bert Kaempfert (Hamburgo, Alemania, 16 de octubre de 1923 - Mallorca, España, 21 de junio de 1980) fue un compositor y director de orquesta alemán. Fue un pionero del jazz haciendo de este una audición atractiva para un público más general y escribiendo canciones muy importantes, como "Strangers in the Night" (grabado originalmente por Ivo Robić) y "Spanish Eyes".

Nació en Hamburgo, Alemania, y estudió en la Escuela de la Música de esa ciudad. Era multinstrumentista. Primero trabajó como director de orquesta al servicio de Hans Busch durante la Segunda Guerra Mundial y más tarde formó su propia gran orquesta, con la que haría una gran gira. También trabajó como compositor y arreglista en los discos de Freddy Quinn e Ivo Robic.

Hoy...Johnny Halliday

2010-08-21T11:48:00.006-03:00

Johnny Hallyday es un cantante y actor francés. Nació en París (con el nombre de Jean-Philippe Léo Smet) el 15 de junio de 1943. Es considerado como el icono en el mundo francófono desde los inicios de su carrera, por algunos es nombrado el equivalente francés de Elvis Presley.

Su carrera se prolonga por 40 años en la industria de la música. Es una de las estrellas más grandes de Francia: 400 giras, 18 discos de platino, ha actuado delante 15 millones de personas y ha vendido 100 millones de discos desde el principio de su carrera.

Aun con todo esto, Hallyday sigue siendo desconocido fuera de Francia y del mundo francófono, y a menudo es descrito en países de habla inglesa como «la estrella de rock más grande que nunca has oído cantar».

En 2006 realizó dos duetos con la cantante italiana Laura Pausini en las canciones La loi du silence durante un concierto de él y Come Il Sole All'improvviso para la versión italiana del disco Io Canto de ella. Recientemente ha colaborado con Loquillo en su álbum Balmoral (2008), participando en el tema Cruzando el paraíso.

Juan Bau

2010-07-27T21:06:00.005-03:00

Juan Bau nació en Aldaya, Valencia, el 24 de diciembre de 1948). Es el nombre artístico de Juan Bautista Conca Moya, cantante español de música ligera.
Se inicia en el mundo de la música de manera amateur en los grupos Los Pikens y posteriormente en Modificación. En 1971 debuta profesionalmente en solitario con el nombre de Juan Bau y graba su primer disco sencillo con las canciones "Pequeñas cosas" y "Dentro de mi alma", de su autoría, en 1972 edita el segundo sencillo con "Tú no comprendes" y "Sigue tu camino".

En 1973 llega su gran éxito con el tema "La estrella de David". En 1974 consigue su primer disco de oro con el álbum Penas. Otras de sus canciones son "Mi corazón", de 1974, "Natacha y yo", 1975 y "Fantasía" en 1976. En los años 80 canta temas como "Un paso más", "Acaríciame", "Hoy me llamará", "Devuélveme el amor", "Soñaré", "Me gusta así", "Dama del amanecer" o "Libérate".

Después de unos años sin grabaciones discográficas edita en 1986 el disco Corazonada al que siguió el CD Alma romántica y, ya en el año 1999, Nuestras canciones en el que versionaba canciones éxitos de Mocedades, Manuel Alejandro, Sergio y Estíbaliz o José Luis Perales. En 2003 se edita el disco Volverte a ver. En el 2004 lanza el disco titulado "30 Años de Éxitos" y en el 2009 lanzá la recopilación "Super Éxitos de Juan Bau".

Fuentes: Wikipedia - youtube.com

Hoy...The Brothers Four

2010-07-18T18:08:00.002-03:00

Una de las melodías más bellas que he escuchado en una versión extraordinaria. Queridos "cuevíferos" les dejo a The Brothers Four con Green Sleeves. ¡Que lo disfruten..!!

Piero...¨Y todos los Dias¨

2010-06-24T22:01:00.000-03:00

Locutor... profesión de palabra - 3 DE JULIO - DIA DEL LOCUTOR EN ARGENTINA

2010-06-13T23:17:00.000-03:00

Hoy...Nicola Paone

2010-06-05T11:48:00.003-03:00

Contrariamente a lo que se supone, Nicola Paone no era italiano. Había nacido en Barnesboro, Pensilvania, 5 de octubre de 1915; es decir, era norteamericano, aunque después adoptó la nacionalidad de sus padres, llegados desde Italia a la América de principios del siglo XX.

Era hijo de un inmigrante y minero de carbón italiano. Vivió en Sicilia desde los cinco a los quince años, tras lo cual volvió a Estados Unidos. A partir de allí construyó una carrera con la que fue muy famoso, aunque se retiró muy joven.

Su éxito en Argentina fue enorme, pero también en otros puntos de América Latina. También tuvo su sello discográfico y una troupé de artistas de vodevil. Y fue dueño de un muy famoso restaurante en Nueva York.

A los 88 años, víctima de una neumonía, falleció en un hospital de Albuquerque, Nuevo México.
Sus temas tenían como eje la nostalgia del inmigrante italiano autoexiliado en América del Sur. Sus canciones fueron famosas en Argentina en los años 1940 y 1950, donde vendió miles de discos.

Temas como La Cafetera, Canta o Argentina cosecharon muy buenas ventas, pero su mayor éxito fue Ué paisano, que el trío Divididos incluyó en su disco Vengo del placard de otro. Es una canción que habla de la hermandad entre inmigrantes. Con ese tema, la banda cerró el show de Obras en 2002 junto a dos símbolos de la italianidad en Argentina, Andrea Prodan y Gino Renni. Tras cantar el cover de Nicola Paone, el público los despidió con una increíble ovación.

Ginamaría Hidalgo

2010-05-30T13:03:00.004-03:00

Ginamaría Hidalgo nació en Buenos Aires el 23 de agosto de 1932 y falleció en la misma ciudad el 10 de febrero de 2004.

Dueña de una voz "emocionante" como la calificaron los críticos, era hija de padre castellano y madre portuguesa, desde temprana edad demostró condiciones para la música, el canto, el ballet, el arte escénico, las letras.

Algunos "cuevíferos" me reclamaron su presencia en este blog. Bueno, por ellos, por ustedes, disfrutemos de algo de la hermosa voz de Ginamaría...

">

Viera que lindo mi país...!!!

2010-05-24T09:57:00.002-03:00

Hoy, mis amigos, les traigo una milonga. Sí..!! Me salgo totalmente de la temática de La Cueva de los Recuerdos.
Aunque esta milonga sureña (o surera, como le dicen algunos) de Argentino Luna es un "recuerdo", no les dejará de extrañar la idea.
Quizás, dentro de esta efervescencia de argentinismo que nos ocupa a todos por el Bicentenario del primer grito de libertad, no pude escapar a la tentación de hacerles llegar esta música, acompañada de hermosas fotografías de la Argentina.
Disfruten.... y gracias.

a href="">

José Vélez

2010-04-29T18:37:00.003-03:00

José Velázquez Jiménez, cuyo nombre artístico es José Vélez, nació en Telde )(Gran Canaria) el 15 dde noviembre de 1951.

A lo largo de su carrera ha conseguido numerosas distinciones y puestos destacados en concursos musicales. A fines de la década del ´60 el profesor de música de la Organización Juvenil Española tuvo la idea de formar un grupo de música con sus alumnos, entre los que se encontraba José Vélez. Este grupo se llamó Grupo Maravilla, que al poco tiempo se disolvió y José inició su carrera de solista.

Se presentó en el "Festival de la canción de la Isla de Palma", donde triunfó. A los 17 años se presentó en el "Festival Salto a la fama de Madrid", donde obtiene un gran reconocimiento, es por ello que decide asentarse en esa ciudad.

En 1976 se lanza su primer disco, "Vino Griego".

En 1977 actuó en el festival de Sopot, Polonia del cual se alzó vencedor con el tema "Romántica".

También representó a España en el Festival de Eurovisión en 1978 con el tema "Bailemos un vals", con el que obtuvo un 9º puesto y que le valió un gran éxito personal.

Muy asiduo a giras por América, sufrió un infarto en uno de sus viajes profesionales.

En 2005 celebró sus 30 años de carrera, con una gira por España, Latinoamérica y Estados Unidos, en la cual presentó su disco "Por ti, 30 años".
En su carrera ha cosechado 19 discos de Platino y 32 de Oro.

Una calle en Telde lleva su nombre.[2]

Fuente: Wikipedia

Hoy...Kenny Rogers

2010-04-16T20:09:00.003-03:00

Kenneth Ray "Kenny" Rogers, nació en Houston, Texas el 21 de agosto de 1938.

Este cantante country creció en uno de los sectores más pobres de la ciudad. Su padre, John Rogers, quería que compusiera dos canciones desde que era niño, como las de "The coward of the county" "Ruby don't take your love to town", empezando su carrera artística.

Tuvo la influencia de varios músicos de la música country y soul, tales como Nat King Cole, Charlie Daniels, Arthur Alexander y Chuck Berry. En 1977 logró un éxito descomunal con su sencillo "Lucille" que arrasó en las listas estadounidenses de country y además en los rankings de música pop. Otro de sus grandes y memorable éxitos es el tema "Coward of the County". Integró el grupo "USA for Africa" que cantó la famosa canción "We Are The World" en el año 1985.

Kenny Rogers es el cuarto de los siete hijos concebidos por Floyd Rogers, un carpintero, y su esposa Lucille, enfermera. Rogers se graduó en la "Jefferson Davis High School" en Houston. De acuerdo con su acta de nacimiento, su segundo nombre es Ray y a veces él es nombrado en los créditos de sus películas como "Kenneth Ray Rogers".

Ha estado casado cinco veces. Su cuarta esposa fue la actriz Marianne Gordon Rogers. Su actual esposa es Wanda Miller. Rogers tiene una hija y cuatro hijos, incluyendo los gemelos nacidos cuando él tenía sesenta y cinco años.

.">.

Inolvidable Elvis...

2010-04-08T22:36:00.001-03:00

Juan "Corazón" Ramón

2010-04-05T22:42:00.011-03:00

¡¡ Hola Cuevíferos...!!
Hoy traigo a la memoria de Uds. a un viejo amigo de la canción. Para mi, uno de los mejores vocalistas argentinos.
Hoy, mis amigos, les presento a JUAN "CORAZÓN" RAMÓN...
Que lo disfruten...

Nació un sábado 13 de enero de 1940 en la ciudad de Cañada de Gómez, departamento Iriondo de la provincia de Santa Fe, Argentina. Su nombre verdadero es Ellery Guy Rech. Su madre lo bautizó Ellery porque así se llamaba un famoso personaje del radioteatro de la época. Su nombre se pronuncia éleri, como el personaje de las novelas inglesas Ellery Queen. Su abuelo era austriaco y por parte de su madre tiene ascendencia italiana.
Al poco tiempo de nacido Ellery, los Rech se fueron a vivir a la ciudad de Campana, en la provincia de Buenos Aires, debido al traslado de su padre que era ferroviario y trabajaba en los ferrocarriles en Cañada de Gómez. En Campana se crió, fue niño y adolescente, y se inició en la música. No era bueno en el colegio, pero tal vez porque cantaba tenía el cariño de las maestras, que le decían que “debía cantar porque tenía una hermosa voz”. Así se sumó al coro de la escuela.

En 5to año del secundario un amigo le propuso probarse en una orquesta de Zárate llamada Swing Fénix. Ellery fue y cantó Tu me acostumbraste. Pero no duró mucho como integrante. Al poco tiempo se sintió atraído por otro conjunto de la misma ciudad que sonaba mejor y tenía el puesto de vocalista vacante, ya que su líder había desertado para iniciar una carrera solista bajo el nombre de Billy Cafaro –de quien Juan Ramón luego reconocería la influencia en sus primeras grabaciones. Ahí fue Ellery. La orquesta en cuestión se llamaba Los Casanovas y estaba formada por los mejores músicos de la ciudad. Corría 1959 cuando debutó con ellos en Zárate.

Ellery estuvo, a partir de los 60s, un año viajando en tren, haciendo el tramo Campana–Buenos Aires–Campana, buscando alguien que lo atendiera, golpeando puertas con su música bajo el brazo y teniendo que llevar a cuestas un problema en uno de sus pies que traía desde nacimiento –en lenguaje médico se llama pié bot–y que lo llevó a tener 12 operaciones. Aunque su vocación musical estaba por encima de todo.

En mayo de 1961 finalmente se acercó a las oficinas del sello Disc Jockey con unos discos de prueba que había realizado –demos, para utilizar una palabra actual– y fue atendido por un ejecutivo de la empresa llamado Eduardo Piovano. Éste lo referenció inmediatamente al director artístico de sello Horacio Malvicino. Junto a Malvicino –quien se encontraba en ese momento en el estudio de grabación trabajando con Rosamel Araya– comenzaron las primeras grabaciones profesionales. El joven Ellery por entonces acusaba 21 años.

Rodríquez Luque (el dueño del sello) hizo una objeción el nombre del futuro cantante profesional: Ellery era un nombre difícil, la gente no se iba a acordar fácilmente. La nueva estrella debería cambiar el nombre, ya que Ellery Rech no se ajustaba a un artista que estaba próximo a grabar en español. Esta persona observó que Ellery llevaba bajo el brazo el libro Platero y yo, cuyo autor es Juan Ramón Giménez. Y de esa manera y al instante Rodríguez Luque exclamó: "Tú serás Juan Ramón... y yo seré Platero", a lo que Malvicino asintió con gusto. Así nació el seudónimo artístico Juan Ramón.

Llegó 1961 y llegó el primer disco. En general, su comienzo en la música estuvo marcado por canciones que ya eran éxitos en Europa y Estados Unidos. Por esa época, era común traducir al español los hits de otras latitudes. Su primera grabación profesional fue Cuando quieras amor, que se editó en disco simple de 78 RPM con el tema No me digas en su cara B. También fue editada en disco doble (2 canciones por lado) junto a Pitágoras, Quince años tiene mi amor y No me digas. Los primeros registros de Juan Ramón contaron con la colaboración de Ben Molar, especialista altamente solicitado en traducir éxitos extranjeros al castellano. Seguidamente Juan Ramón grabaría varios discos más, incluidos muchos discos simples y dobles, siempre con el acompañamiento de Horacio Malvicino y su orquesta.

Otras canciones que grabaría el artista en la primera mitad de los años 60 son Corre González, Soy el amor, Devuelvo tu carta, Anochecer de un día agitado, Ese beso, Enseñando bossa nova, Volvamos a ser novios, La tierra, Si quieres dejarme, Oh mi señor, Dominique, Mejor esta noche, En mi mundo, Como mamá, Sospecha, Truco twist, Frío de nieve, La noche que lloré, Limbo rock, Mira cómo me balanceo, El baile del ladrillo, Sabor de sal, Por culpa del horóscopo, Popotitos, Eres el demonio disfrazado y muchas, muchas más teniendo en cuenta que en esa época los artistas editaban hasta 3 long plays por año y varios simples y discos extended play. Si bien el tema Se ha puesto el sol lo llevó a ser bastante conocido, el cantante no lograba anclar en la gente de manera masiva y no lograba tener repercusión.

Para impulsar su ascenso, le pidieron que cantara temas de su propia autoría, pero Juan Ramón sabía que esa no era la manera, que sus canciones no eran las adecuadas para ese momento. Así fue que empezó a buscar canciones que le facilitaran su carrera. Había un tema de Neil Sedaka de esa época que se adaptaba bien a su registro. Se llegó a Radio Libertad (en calle Florida en Buenos Aires) y conversó con Oscar Rubén Martín, el disc jockey de la emisora, quien le facilitó la grabación y además le sugirió que vaya a ver a Ben Molar para intentar dar forma a una versión en español. Así fue como Juan Ramón llevó al vinilo la canción Feliz cumpleaños dulces 16 (Happy birthday sweet sixteen), a la postre, melodía que lo llevaría a vender miles de discos.

Tres o cuatro discos más o menos desapercibidos y una carrera en ascenso constante desde el interesante nivel de ventas que le dio la grabación de Sedaka. Al poco tiempo llegarían más hits: Cada noche sin ti, El rey de los payasos, Corazón loco. Este crecimiento artístico no solo era apoyado con actuaciones en vivo –al principio en localidades cercanas que lo abrazaron como Zárate, Baradero, Ramallo y San Nicolás, e inmediatamente en otras provincias– o grabaciones de discos. Juan Ramón también realizaba numerosas presentaciones en radio, como en los programas de El Mundo en los años 1962 y 1963. Cantaba con la orquesta estable de la emisora porteña dirigida por Horacio Malvicino y los envíos eran conducidos por Héctor Castro Rey y Valentín Viloria. Juan Ramón cantaba en vivo a las 13.30 y a las 21 ante una numerosa platea. Esto le permitía promover sus canciones y llegar a todo el país.

Y al poco tiempo llegaría la televisión. La gente de Disc Jockey lo hizó debutar en TV en el programa Ritmo y juventud de Canal 11, espacio televisivo que promocionaba artistas del sello entre los que se encontraban Tony Vilar, Leo Dan, Facundo Cabral, Danielo, Daniel Colau y Pepito Pérez. Este programa era la competencia de El club del clan, emitido por Canal 13 y patrocinado por la compañía de discos RCA, que sería en poco tiempo el nuevo sello de Juan Ramón. Seguidamente vendrían actuaciones televisivas en el recordado Sábados Circulares de Pipo Mancera, o en otros un poco menos recordados como Casino, El Special, La Cantina de la Guardia Nueva y Show Rambler.

Fue allá por el ’63 o ’64 que Juan Ramón pasaría definitivamente a utilizar el apodo “Corazón”, por el cual sería conocido internacionalmente. Ese apelativo fue idea de Antonio Barros, un hombre de radio que conducía una exitosísima audición de la época llamada Una ventana al éxito. Barros daba sobrenombres a sus artistas más queridos. En su elenco se encontraban Palito Ortega, Leo Dan y Jack y Los Ciclones.

Juan “Corazón” Ramón pasa a RCA Víctor (cuyo logo oficial es un perro escuchando una vitrola) en 1964, y paradójicamente y si la historia no se equivoca, lo primero que haría para su nueva compañía no sería un disco long play sino una aparición en cine, otra de las herramientas mediáticas que se utilizaban en la época y que permitía a los artistas mostrarse ante gran cantidad de público. El cantante participaría de la película El desastrólogo con Pepe Biondi, donde cantaría la canción “Cariñosa” los españoles Dúo Dinámico. Desde su incursión inicial en la pantalla grande hasta 1970 el cantante aparecería en una decena de filmes, siendo su más recordada, El galleguito de la cara sucia en 1966, con Nora Cárpena, Eddie Pequeninho y Los Iracundos originales. También hizo televisión, con su propio programa llamado Juan Ramón busca la felicidad que iría en duplex por Canal 9 y Canal 7. Sumado a sus participaciones en emisiones como Sábados circulares de Pipo Mancera por Canal 13, donde era tratado como una auténtica estrella. Otra constante por esa época era la aparición en revistas de circulación nacional como TV guía o Radiolandia.

En materia discográfica, su nueva compañía disquera no podría haber elegido un mejor nombre para el primer LP de Juan Ramón en RCA: Juan Ramón con nosotros. Y fue a mediados de la década que Juan “Corazón” Ramón se consolidaría como el gran artista nacional de proyección latinoamericana, compartiendo el podio junto a Leo Dan y Palito Ortega, y acechado por un tal Sandro, que con sus movimientos de cadera venía pidiendo pista. Y esa consolidación estaría sustentada en las primeras salidas del cantante al exterior. La primera vez que Juan “Corazón” Ramón salió del país fue a Chile. De ahí a Perú, y luego a Uruguay, Colombia, Estados Unidos, Costa Rica, El Salvador. Así fue edificando su carrera en toda América. Y así se fueron editando sus discos por todo el continente.

En 1967 el ídolo recibiría un nuevo espaldarazo a su carrera: ganaría el Festival de la Canción en Benidorm (España) y grabaría un trabajo muy interesante que buscó posicionar al cantante en Europa: Juan Ramón en Roma editado simultáneamente en castellano e italiano. Recordemos que por esos días el estilo melódico italiano hacía furor y cualquier cantante de habla hispana soñaba con la edición de sus grabaciones en el viejo mundo. Las canciones del disco (compuestas por Franco Migliacci, Sergio Endrigo, Palito Ortega, Leo Dan y el mismísimo Juan Ramón) se apartaban un poco de la línea por entonces habitual del cantante, que hasta ese momento había registrado mayormente éxitos internacionales. Este disco lo presenta apoyándose más sobre su fuerza interpretativa que por el apoyo que pudiera brindarle una obra conocida. En su estadía en Italia, llega a oídos de Juan Ramón una canción que si bien no ganó el Festival de San Remo, fue una de las mejores: Io che non vivo senza te. El cantante la grabaría inmediatamente al regresar al país bajo el nombre Yo que no vivo sin ti. Años más tarde la grabaría Elvis, y posteriormente Luis Miguel, evidenciando lo visionario que había sido.

El comienzo de la década del setenta encuentra a Juan “Corazón” Ramón girando por Latinoamérica. Se presenta en Panamá, donde debido al éxito resonante se ve obligado a radicarse allí un tiempo, obteniendo gratificantes resultados de su estadía. Lo mismo le sucede en Colombia a los pocos años. En 1977 se radica finalmente en Perú por un largo tiempo. Perú siempre había prestado atención a la música de Juan Ramón. Primero con Se ha puesto el sol de Disc Jockey y luego con Yo que no vivo sin ti de RCA. Pero es con la canción Ata un cinta amarilla al viejo roble (cuyo título original es Tie a yellow ribbon) que el cantante tomaría amplia notoriedad en ese país. Pero este no es el único motivo por el cual el ídolo se quedó a vivir en Perú…

Juan Ramón conoció a su mujer Isabell en Lima, la capital peruana, mientras actuaba en un café concert llamado El Barrabás. Hasta ese momento el cantante nunca había mezclado lo artístico con lo sentimental, pero con Isabell hizo una excepción. La única. La foto que le firmó a mediados de los setentas fue el comienzo del romance que luego devino en matrimonio. Al poco tiempo de afincarse en Perú tuvo su primer hijo. Justo con la salida de otro de sus mayores éxitos: El teléfono llora.

Ausente de Argentina en materia artística, Juan Ramón regresa en 1983 al país seducido por varias propuestas de trabajo. Y es partir de entonces que tendría una década prodigiosa: se transformaría en tan solo un par de años en el Nro. 1. De vuelta en su tierra, firmó contrato con Microfón Argentina SA (MICSA), editando una decena de long plays entre 1983 y 1988. Desde el primer disco en su nuevo sello trabajaría con el productor Mario Kaminsky (hoy director de Radio Colonia) con quien llegaría, sin exagerar, a la gloria gracias al LP Juan Ramón ’84, a caballo del éxito de su canción Jamás. Este éxito se vio coronado por la nacimiento ese mismo año de su hija Carol, con quien más tarde regrabaría El teléfono llora a dúo.

Juan Ramón ’84 se convertiría en el disparador de la masividad de ídolo, seguido de cerca en ventas por El fenómeno, editado el año siguiente, que contenía Cariñito y que le abriría tremendas perspectivas laborales. La etapa Microfón es considerada por mucha gente como la mejor Juan Ramón, la más prolífica, la más característica. Seguirían registros como Otra vez Nro. 1, El ídolo, Internacional, Firme junto al pueblo. Las apariciones televisivas en diversos programas comenzaron otra vez a ser moneda frecuente –numerosísimas apariciones en Finalísima del Humor conducido por el fallecido Leonardo Simons– y sus actuaciones muy concurridas. Quizá los temas que sintetizan esta popularidad, esas melodías que nadie puede desconocer de la época sean Macumba o Tabaco y ron. En 1986 volvió al cine con En busca del brillante perdido, donde hacía de galán de Sonia Rivas, una mexicana compañera de grabadora que por esos días le iba muy bien con sus boleros.

A fines de 1988 se desvincula de Microfón y pasa a CBS, aunque estaría por solo algunos discos, como La fiesta de Juan y Show ’90. Es por estos años que Juan Ramón comienza a coquetear con otros ritmos. A fines de los 80s y con la movida tropical en boga, Juan “Corazón” Ramón cambia el rumbo. Como él dice al hacer un raconto de su vida: "Los 90s fueron más cuarteteros, más cordobeses". En definitiva, fueron tropicales: el ídolo incorporó otros ritmos de moda que le permitieron aggiornarse y mantenerse vigente. Se perfiló como un cantante polirubros: sus discos irán del melódico al pop y del cuarteto a la cumbia, grabando hasta dos y tres discos por año. Y la gente lo aceptó.

Juan Ramón grabó con otros artistas también. Con Romana Farrés en 1984 la canción Guarda tu amor, en 1988 hizo duetos con Heraldo Bosio, en 1989 con Daniela Mori, una ex Las Primas, en 1991 con Los Cartageneros y Miguel "Conejito" Alejandro –otro cantante que estaba en la cresta de la ola, entre otros. Hasta se dio el gusto de grabar, en 1987, junto a Leonardo Favio la canción Resistiré, luego ampliamente difundida en los años 2000. Un antecedente de quien supo ver el potencial de la canción 25 años antes.

Se sucedieron discos como Pasito tun tun y Sácala a Bailar que apuntaban directamente a la cumbia y el cuarteto, pero siempre con su particular estilo. Y siempre llevándolo a los primeros rankings de venta. Por esos años también grabaría el ídolo una segunda versión de Llorando se fue. Muchos creyeron ver en Juan Ramón el oportunista que grababa en castellano su versión de la Lambada –popular ese año por el grupo Kaoma–, pero la realidad indica otra cosa: Juan Ramón había grabado esta canción de origen boliviano en 1985, y simplemente estaba renovando la versión de una melodía que estaba siendo mundialmente conocida. También grabaría otro tema de moda: el popular Sopa de caracol, que lo llevaría a visitar otra vez España.

Grabó para Polygram , Musika SA, para Magenta lo más tropical, y otra vez para Microfón. En 1994 el ídolo volvió a reinventar su sonido con un disco que seguía la tendencia internacional editando la placa DJR: un disco que ya desde el audio plantea una situación distinta a niveles casi europeos: máquinas de ritmo y sonidos electrónicos para cantar y reversionar temas en plan tecnopop y reggae de sus más grandes éxitos.

Desde 1995 Juan Ramón alternará lo tropical y lo bailable con discos más relacionados con su repertorio clásico, y también realizaría algo que ya había hecho anteriormente y que había convertido su marca registrada: los popurrís (medleys en inglés) de temas clásicos reversionados en canciones enganchadas bailables. Entre 1995 y 1997 editó cuatro volúmenes de la serie Baila Baila que se constituirán en su mayor éxito de la década de los noventa. Hasta se dio el lujo de hacer algo que nunca había hecho: grabar tangos, también enganchados.

Ya en Fonovisa Argentina SA, en 1997 el cantante edita un trabajo titulado Reencuentro donde revisa sus viejos éxitos en nuevas versiones como Muñeca de Cera y El teléfono llora, que lo llevará a volver a presentarse en el Teatro Astros con varias funciones. A fines de los 90s volvería con los ritmos tropicales y a principios de 2001 realizaría un disco cuartetero con aires de carnaval llamado El corazón que canta, para el cual músicos cordobeses vinieron a Buenos Aires a grabar con él. En este material el ídolo rescataría viejas canciones como Lo veremos triste y amargado de la década del cuarenta.

La crisis de 2001–2002 parecía también haberlo golpeado, aunque él siempre sostuvo que trabajo nunca le faltó. Pero fue a partir de 2004 cuando volvió a estar en primer plano gracias a una interesante movida de Sony BMG. Esta compañía tuvo una gran idea: lanzar una serie de recopilaciones titulada 20 Secretos de Amor: una veintena de CDs de grandes éxitos de los artistas más populares de los 60s y 70s. Esto fue muy bien recibido por el mundo artístico ya que puso a disposición de la gente una cantidad considerable de canciones nunca antes editadas en CD. En el caso de Juan Ramón, esta placa compilaba las más notables grabaciones realizada en RCA en la época 1965–68. Esta movida discográfica sumada a la aparición de un nuevo programa de TV bautizado 30 y Pico, emitido por Canal 7 y dedicado a los artistas de antes, desembocó en una tendencia comercial nostálgica que generó mucho trabajo para estos cantantes, aunque con resultados dispares, pero no para el ídolo que se destacó por sobre los demás participando en tres ocasiones entre 2004 y 2005. Volvió a estar en la radio, volvió a estar en la televisión. Las actuaciones se multiplicaban no solo en el territorio nacional, sino en otros países como Perú y Estado Unidos, adonde nunca dejó de ir. Incluso, participó de programa televisivos extra musicales –como El juego de los matrimonios que se realiza en Santiago de Chile al que concurrió con su esposa, y junto a Tormenta y su pareja Fabio. Juan Ramón a pesar de no haberse ido nunca, estaba de vuelta.

No era un resurgimiento, era un reconocimiento. Y a partir de ese momento, Juan "Corazón" Ramón apelará al clasicismo como carta de presentación. Y retornó al disco con nuevas grabaciones: El ídolo eterno en 2005, Otra cosa es con guitarras, un compacto plagado de boleros en 2007, y El embrujo en 2008. En 2009 festejó sus 50 años con la música con un show en Crónica TV y un disco doble con nuevas versiones de sus antiguos hits y nuevas canciones. También editó recientemente un disco titulado Cómo no creer en Dios, de corte espiritual pero siempre con su particular estilo.

En cincuenta años, miles de discos vendidos, miles de shows, más de 100 placas grabadas, más de 1.200 canciones, decenas de reconocimientos y premios de todos los tamaños y colores. Hoy vive en Capital Federal, pero también tiene una casa en Lima (Perú) que compró a mediados de los 80s y que visita frecuentemente. Hincha de San Lorenzo de Almagro y admirador de los personajes de Walt Disney. Admira a Palito Ortega y a Leo Dan, de quienes dice que son autores incomparables. Tiene muchas ofertas de trabajo y ganas de seguir.

El 2010 encuentra a Juan "Corazón" Ramón en actividad plena. Algunos lo verán después de mucho tiempo, como dice él, "más gordo, más flaco, más viejo", pero con la voz y el carisma intactos. El cantante sigue. Juan "Corazón" Ramón, hoy un artista sin presiones pero con ilusiones, sin la masividad de los 80s, pero que sigue grabando como cuando tenía 21 años, que sigue presentándose en vivo en escenarios de toda América apelando a sus más de 50 años de canciones populares. Entretener al público fue su misión durante toda la vida. Juan "Corazón" Ramón: un artista único, eterno y admirable. El ídolo eterno. El máximo.

Salvatore Adamo

2010-03-20T09:31:00.004-03:00

Salvatore Adamo nació en Comiso, Sicilia, Italia, el 1 de noviembre de 1943 es un cantautor ítalo-belga de fama internacional.

A los cuatro años su padre decidió abandonar Italia y se trasladaron a Bélgica. El padre de Salvatore Adamo no escatimó esfuerzos para dar a su hijo la mejor educación posible dada su habilidad e ingenio, Adamo fue un distinguido estudiante y uno de los mejores de su escuela. Durante ese período nacieron sus cinco hermanas y un hermano. En ese entonces comenzó a ser atraído por la música y fue así como aprendió a pulsar la guitarra para acompañarse en sus cantos. Y entonces lo escuchamos a "media voz", como su canción Mis Manos en tu cintura.

Sus primeras presentaciones en público eran netamente reuniones estudiantiles. Pronto sus padres dieron incentivo para que siguiera cantando ya no sólo en dichas reuniones sino como artista.

En 1960 participó en un concurso de Radio Luxemburgo como cantante y compositor de la canción "Si j'osais" y ganó la final celebrada en París el 14 de febrero de dicho año.
Su primer éxito fue "Sans toi, ma mie“ 1963 en Bélgica. Inmediatamente se transformó en el Nº1 del "hit parade" en el mismo país. El álbum de debut,"63/64" con "Tombe la neige" y "Vous Permettez, Monsieur" lo transforman en una celebridad internacional (internationally-known), confirmando su talento de autor, compositor, interprete y demostrando de ser un artista completo.

Fue aclamado en Holanda, Luxemburgo y luego en Francia en 1965 fue citado a cantar en el Olympia de París. Nunca en la historia de dicho escenario la ovación a un artista había sido tan grande como en aquella ocasión. Inmediatamente conquistó París y el resto del mundo.
Su gira a Italia, Suiza y Turquía permitió la renovación de sus éxitos. Posteriormente Israel conoció sus virtudes de cantante y luego vino una actuación especial ante el Rey y la Reina de Bélgica y también ante el Sha de Persia.

Avanzando en su carrera, especialistas, colegas y personajes del mundo literario comenzaron a notar la facilidad de Adamo para transformar escenas cotidianas en versos cargados de poesía romántica. Después de que Jacques Brel lo bautizara como "Jardinero del Amor", Adamo confesó que su talento narrativo le debía inspiración al trabajo de grandes como Víctor Hugo (escritor) y Georges Brassens (cantautor).

Comenzando la década del 70, ya era cantante popular en todo el mundo e incluso se produjeron versiones traducidas de todos sus discos al italiano, español, inglés, alemán y japonés (las versiones originales eran casi todas en francés).

En Hispanoamérica, canciones como "Cae la Nieve" (Tombe la Neige), "Tu nombre" (Ton Nom), "Un Mechón de Cabellos" (Une Meche de Cheveux), "La Noche" (La Nuit), "Mi Gran Noche" (Tenez-Vous bien), "Mis Manos En Tu Cintura" (Mes Mains Sur Tes Hanches"), Porque yo quiero" (Car Je Veux), "Ella..." (Elle), "Inch'allah", "Es Mi Vida" (C'est ma Vie) y otras, se convirtieron en clásicos de la época.

En Japón la traducción de "Cae la Nieve" ("Tombe la Neige") en lengua nipona "Youki Wa Furu" se convirtió en estándar navideño y pieza favorita en bares de karaoke.
Desde un comienzo su trabajo se ha comparado con el de Charles Aznavour y en finales de los años '60 fue el artista que más discos vendía en el mundo entero después de The Beatles.
Hasta el día de hoy sigue grabando y vendiendo discos (100 millones). El número de canciones escritas por Salvatore Adamo supera fácilmente los 450 ejemplares.

En Chile fue recibido con una gran ovación en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar en los años 1982 - 2004 ganando antorchas y gaviotas de Oro y Plata, además de presentar conciertos en el mismo país con algunos éxitos de sus últimos álbumes.

Hoy...Los TNT

2010-02-24T19:30:00.004-03:00

TNT era un juego de palabras entre el explosivo y las iniciales de Tim, Nelly y Tony, los integrantes de este excelente trío.

Edelweiss "Tim" Croatto, nacido en 1936, y sus hermanos Hermes (Tony) y Argentina (Nelly), oriundos de Udine (Italia).

En 1953, radicada su familia en Montevideo (Uruguay), se dedicaron a cantar. Fueron descubiertos en 1960 por representantes de RCA que estaban en la búsqueda de nuevos valores, que también incluyó a Rocky Pontoni, Violeta Rivas, Lalo Fransen y otros.

Su primera grabación para RCA fue el tema "Eso" de los hermanos Virgilio y Homero Expósito, conocidos autores de tangos.

La repercusión fue extraordinaria y vendieron 100 mil discos solo en la Argentina, sin contar el éxito en México, Uruguay y otros países.

En la Argentina debutaron en el show de inauguración de Canal 9 y los comentarios fueron más que satisfactorios para el trío.

Su primer LP incluyó, además de Eso, temas como Noche Azul y Canción de Amor.

En 1962 se radicaron en España, país al que representaron en el festival de Eurovisión de 1964 pero presentándose con el nombre de Nelly, Tim y Tony.

En 1965 apareció en la Argentina el último disco de Los TNT.

Posteriormente Tim se radicó en Italia. Nelly y Tony siguieron actuando como dúo (con ese nombre) y como Los Vénetos.

Nelly y Tony se radicaron después en Puerto Rico. Ella se casó alli con un reconocido neurocirujano y él trabajó hasta su fallecimiento (en 2005) como exitoso productor.

Fuente: rockolafree.com.ar

Hoy... Dyango

2010-01-30T07:43:00.004-03:00

José Gómez Romero, Dyango, se formó musicalmente en el Conservatorio de Música de Barcelona y junto a sus compañeros de estudios recorrió Europa durante dos años interpretando diversos tipos de música.
A pesar de que Dyango es un excelente interprete de violín y de trompeta, tras su primera experiencia musical decidió continuar explotando su magnifica voz cantando como solista, así, adoptó de Django Reindhart -el guitarrista de jazz gitano- el nombre artístico por el cuál le conocemos y debutó en el Festival de la Canción del Duero (1965).

Después de un breve paso por Zafiro, en 1974, Dyango firmó contrato discográfico con el grupo EMI.
Su primer álbum, grabado en 1975, tuvo gran éxito en Latinoamérica, en contraste con la escasa repercusión de su música en España, donde no obstante, su trabajo recibió una excelente acogida por parte de la crítica especializada.
A partir de la grabación del viejo tango 'Nostalgia', en 1976, Dyango comenzó su conquista del mercado español. Tras obtener en el mismo año el premio al mejor intérprete y a la mejor canción del Festival de Benidorm con el tema, 'Si yo fuera él', su carrera resultaría imparable tanto a nivel nacional como internacional.

Desde entonces, el repertorio de Dyango ha incluido los mejores boleros, tangos y rancheras, las viejas canciones de los guateques de los sesenta, decenas de éxitos propios y hasta piezas líricas. A lo largo de su carrera ha grabado dúos con artistas tan destacados como Celia Cruz, Oscar D'León, Sheena Easton, Roberto Goyeneche, Pimpinela y el tenor Jaume Aragall.

Dyango ha obtenido a lo largo de su carrera 55 discos de oro y 40 de platino, que le han sido concedidos tanto en España como en diversos países latinoamericanos e incluso en Estados Unidos. De entre todos ellos, cabe citar el doble disco de platino conseguido por el álbum 'A corazón Abierto'.

En la actualidad Dyango se encuentra inmerso en una experimentación de nuevas formas de expresión en su carrera como la pintura. Sus obras suponen una gran satisfacción personal casi al nivel de su música y ya dispone de una colección considerable

Fuente y fotos: www,dyango.es

">

Chau Sandro... Hola leyenda

2010-01-05T20:15:00.003-03:00

"Gracias al rock dejé las calles, las navajas y las cadenas, y agarré una guitarra. Dejé la campera de cuero y las pandillas. El rock me salvó. Me salvó quizá de que fuera un delincuente." (Sandro)

Jopo a lo Elvis y chaqueta de cuero eran parte de la estética de un Sandro que estaba fascinado con el sonido beat de Inglaterra y el rocanrol de los 50. Ya había cantado boleros, tangos y valses peruanos cuando, con unos muchachos de Avellaneda, formó Los de Fuego. Originalmente integrado por Miguel "Lito" Sánchez, Carlos Ojeda, Héctor Centurión y él, Roberto Sánchez, comenzaron tocando en fiestas privadas hasta el debut oficial, el 6 de mayo de 1962, en el salón La Polinesia de Valentín Alsina.

Influenciados por Billy Caffaro y los Teen Tops mexicanos, el grupo comenzó a hacerse notar cuando Roberto Sánchez, encargado de la guitarra y de los coros, pasó al frente como Sandro. Los de Fuego comenzaron haciendo covers de buena calidad de los clásicos del rock anglosajón, pero en español: The Beatles, Elvis, los Rolling Stones, Jerry Lee Lewis, Paul Anka y The Animals.

El carisma de Sandro convenció a las autoridades del sello CBS para grabar dos simples como solista. En 1964, ya con Los de Fuego, grabó una versión en español de "Hay mucha agitación", de Jerry Lee Lewis en el EP Al calor de Sandro y Los de Fuego, junto con "Las noches largas", "Twist de Mamá Gansa" y "Viajero solitario". A mediados de ese año, "Pipo" Mancera los invitó a Sábados circulares.

La explosión fue inmediata. La sonoridad rockera del combo y el histrionismo incendiario de Sandro, sus expresiones de éxtasis y sus movimientos pélvicos causaron sensación y polémica. Hubo un intento de censura, pero Mancera amenazó con renunciar, y Sandro y Los de Fuego volvieron a encender la pantalla de Sábados circulares. 1965 es el año de la consagración. Sandro y Los de Fuego grabaron su primer LP, con versiones de Los Beatles ("Te conseguiré", "Anochecer de un día agitado"), Jerry Lee Lewis ("Hay mucha agitación"), Buddy Holly ("Peggy, Peggy"), Elvis ("En mi mente"), al que siguió Al calor de Sandro y Los de Fuego. Pero ese mismo año, llegó la disolución de Los de Fuego.

Al comenzar 1966, Sandro lanzó El sorprendente mundo de Sandro, que incluye temas interpretados con distintas bandas: Los de Fuego en las últimas grabaciones; los Black Combo (bautizada así en honor al bajista de Presley e integrada por reconocidos músicos de jazz) y con la orquesta de Oscar Cardozo Ocampo. En su cuarto álbum, Alma y fuego, comienza a orientar su música hacia ritmos más latinos y baladas románticas. A mediados de 1967, lanzó su último álbum de la etapa rockera, Beat latino. Cambió la chaqueta de cuero por el esmoquin y la corbata, y los jeans, por los pantalones acampanados.

Conservó, sí, el pelo largo, las patillas y los movimientos a lo Elvis y seguía frecuentando La Cueva de la calle Pueyrredón, donde se cruzaba e intercambiaba con músicos del incipiente rock nacional.

Con el paso del tiempo, esos guiños al rock nacional se hicieron presentes una y otra vez. Primero cuando invitó a cantar a Pappo en su programa de televisión, a fines de los 80. Y, más tarde, en los años noventa, hasta se dio el gusto de cantar con Charly García para una serie de presentaciones en Mar del Plata.

El tributo rockero llegaría en 2000 con el disco en el que participaron Divididos, Los Caballeros de la Quema, Los Visitantes, León Gieco, Bersuit, Los Fabulosos Cadillacs y hasta Molotov. Esa mirada retro al repertorio de Sandro se consolidó con el relanzamiento de los cinco discos rockeros del muchacho de Valentín Alsina: Sandro y Los de Fuego; Al calor de Sandro y Los de Fuego; Alma y fuego; Presentando a Sandro, y Beat latino. "¡Al final, la vida sigue igual."

Fuente: Gabriel Plaza (La Nación)

Hoy... Violeta Rivas

2009-12-26T10:09:00.006-03:00

Ana María Adinolfi, nacida en Chivilcoy. Se destacó desde muy pequeña por su excelente voz, debutando a los 5 años en su ciudad natal. Cuando la familia se trasladó a Buenos Aires realizó estudios de canto lírico, participó en el famoso programa radial "La Pandilla Marylin" y en Abril de 1960 grabó una prueba en RCA con dos temas cantados en italianos: "Anima e Cuore" y "Vorrei".

Participó luego en la grabación del tema de Bobby Capó "Llorando Me Dormí", de enorme repercusión. Registró el primero de sus muchos simples con los temas "La Luna, el CIelo y Tú" y "Billy". En 1963 se incorporó al elenco del Club del Clan y apareció su primer LP. En el verano de 1964 triunfó en el Festival de la Canción de Parque del Plata, en Uruguay, interpretando "Qué Suerte!", de Chico Novarro y Palito Ortega.

Trabajo en varias películas, acompañando a Palito en "Fiebre de Primavera" y protagonizando "Mi Secretaria Está Loca, Loca, Loca". En televisión actuó con su futuro esposo Nestor Fabián en la comedia musical "Todo es Amor".

Aún cuando su época de gran fama terminó hacia 1970 continuó actuando con regularidad, como solista o con su marido, demostrando sus grandes condiciones vocales en todas sus presentaciones. Hay reediciones en CD de sus grandes éxitos; se destacan "Cronología" (1992) e "Inéditos, Rarezas y Otras Perlas" (1997). Temas: "Colorado", "El Baile del Ladrillo", "Mi Juramento", "La Calle", "El Cardenal", "Il Ultimo Tram", "Polichinela Twist", "El Poeta Lloró", "Complicadísimo" y muchos más.

Aqui la escucharemos cantando en un programa de Susana Giménez. Disfruten...

Frank... siempre Frank

2009-12-12T21:41:00.002-03:00

Francis Albert Sinatra nació en Hoboken, EE UU, el 12 de diciembre de 1915.

Cantante de música ligera y actor estadounidense. La vocación musical de Sinatra nació en 1933, tras asistir a un concierto del cantante Bing Crosby. Dos años después ingresó en el grupo llamado The Hoboken Four y se presentó al programa radiofónico Major Bowes Amateur Hours, lo que le procuró actuaciones en diversos espectáculos radiofónicos.

En 1939, el trompetista Harry James lo contrató como cantante de su orquesta, con la que realizó sus primeras grabaciones. Ese mismo año contrajo matrimonio con Nancy Barbato. En 1940 se produjeron dos hechos fundamentales en su trayectoria personal y artística: ingresó en la orquesta de Tommy Dorsey, uno de los conjuntos de swing más populares de Estados Unidos por aquel entonces, y nació su hija Nancy.

Por su destacada personalidad, en 1942 se convirtió en un ídolo de la juventud estadounidense; en 1943 inició su carrera en solitario con la publicación del Long play All or nothing at all, del que logró vender un millón de copias. Con su popularidad en alza, en 1944 debutó en el cine con la película Higher and higher. Ese mismo año nacería su hijo Francis Wayne, y cuatro años después, su segunda hija, Tina. A principios de la década de 1950, una grave afección en las cuerdas vocales hizo temer que el cantante tuviera que abandonar su carrera musical prematuramente; sin embargo, se recuperó sin mayores problemas.

En 1951 se divorció de Nancy para casarse con la popular actriz Ava Gardner. Dos años después, obtuvo un Oscar de Hollywood al mejor actor secundario por su interpretación en el papel de Angelo Maggio en la película De aquí a la eternidad (From here to eternity). Ese mismo año se separó de Ava Gardner. En 1955 retomó su carrera musical con el disco In the wee small hours, que llegó a situarse en el segundo lugar de las listas de éxitos estadounidenses, mientras en el apartado cinematográfico fue propuesto para el Oscar al mejor actor por su actuación en el filme El hombre del brazo de oro (The man with the golden arm).

El disco Songs for swingin’ lovers apareció en 1956, y alcanzó así mismo el número dos en las listas del país, en las que permaneció durante 66 semanas. Al año siguiente, en 1957, obtuvo por fin el divorcio de Ava Gardner, y un año más tarde publicó el elepé Come fly to me, el primero en situarse en primer lugar de las listas, en las cuales se mantuvo durante 71 semanas, cifras que superaría con Only the lonely y sus 120 semanas de permanencia.

De forma impulsiva y prematura anunció su retiro en 1971. Se contradijo en 1973 con el lanzamiento del disco y especial de televisión "Ol' Blue Eyes Is Back". Durante los años 80 grabó, salió en televisión y filmó películas, aunque no en las cantidades y con el impacto de otras épocas.
En 1988 Sinatra volvió a juntar al "Rat Pack" y lanzó una gira en la que Sammy Davis Jr. y Dean Martin le acompañaban. Sin embargo, lo agotador del itinerario obligó a Martin a dejar el espectáculo. Fue sustituido rápidamente con Liza Minnelli. Luego vendrían sus dos discos de duetos en los que mezcló el estilo de su música con el sabor de artistas contemporáneos, lo que le valió que esos fueran sus discos más vendidos.

El 14 de mayo de 1998, a los 82 años, Frank Sinatra fallece víctima de un ataque al corazón.

Fuente: terra
Guillermo Reyna Allan

Hoy...Bert Kaempfert

2009-12-02T21:43:00.003-03:00

Bert Kaempfert nació en Hamburgo, Alemania, el 16 de octubre de 1923y falleció en Mallorca, España, el 21 de junio de 1980.

Fue un compositor y director de orquesta que se constituyó en pionero del jazz, haciendo de este una audición atractiva para un público más general y escribiendo canciones muy importantes, como "Strangers in the Night" (grabado originalmente por Ivo Robić) y "Spanish Eyes".

Estudió en la Escuela de la Música de Hamburgo. Era multinstrumentista. Primero trabajó como director de orquesta al servicio de Hans Busch durante la Segunda Guerra Mundial y más tarde formó su propia gran orquesta, con la que haría una gran gira. También trabajó como compositor y arreglista en los discos de Freddy Quinn e Ivo Robic.

En lo personal, les cuento que la orquesta de Kaempfert siempre produjo en mi una gran sensación y, aún hoy, suelo escuchar con frecuencia su música.

Tiene innumerables temas que podríamos recordar, yo elegí "Ritmo africano", al que se le une "Swinging safari". Que lo disfruten...

Fuente: Wikipedia - youtube

Guillermo Reyna Allan

Hoy... Johnny Rivers

2009-11-25T19:15:00.004-03:00

Hola Cuevíferos...

La idea era contarles algo sobre este popular cantante norteamericano. Lamentablemente mi búsqueda (no muy extensa por cierto) no dio resultados.

Me queda el recuerdo de un boliche en la ciudad de Río Cuarto (Córdoba), creo que se llamaba Rúa donde era "imprescindible" escuchar la música soul y rockera de Johnny Rivers.

Por lo tanto me limitaré a hacerles escuchar algo de lo que encontré en you tube.

Espero lo disfruten...

Guillermo

Hoy... Víctor Manuel

2009-11-08T18:45:00.005-03:00

Víctor Manuel San José Sánchez (Mieres del Camino, 1947), conocido como Víctor Manuel, es un cantautor y productor español, considerado junto a su esposa Ana Belén como uno de los artistas simbólicos de la Transición Española.

Víctor Manuel nació el 7 de julio de 1947 en Mieres del Camino, Asturias, en el norte de España, hijo de Jesús, ferroviario, y Felicita, comerciante. Sus abuelos Víctor y Ángel, al que no llega a conocer pues murió en la Guerra Civil, ejercerían una gran influencia en él. Ya desde su infancia siente una gran vocación musical que le lleva a imitar a Joselito y a aprender a tocar la armónica a los nueve años. Precisamente interpretando el tema La campanera de Joselito ofrece su primera actuación escolar. Tiempo después recibe como regalo de Reyes una guitarra y a los doce años escribe su primera canción, Tendré tu amor. Durante estos años de infancia y juventud se presenta a diversos concursos locales de canción ligera.

En 1967, tras presentar en algunos festivales sus composiciones, llegan por fin sus primeros éxitos. En el Festival del Miño (Orense), su tema Lazos azules y rosas, que canta Paco Ruano, gana el primer premio. Lo mismo pasa en el Festival de Eo (Vegadeo) con Nada es igual, cantada por Cholo Juvacho. También participa en en el Festival del Atlántico (Puerto de la Cruz), interpretando él mismo Un sombrero de paja, unas gafas de sol. Tras estas experiencias, considera que su futuro está en la composición más que en la interpretación.

En 1968, gracias al dinero ganado con los festivales del año anterior, sigue dedicándose a la composición, con temas más personales como El cobarde, El mendigo, El tren de madera o La romería, que decide interpretar ante los medios de comunicación, aunque sólo acuden ocho personas, en un estudio que alquila en La Voz de Madrid. Allí le escucha Juan Canal, de la editorial Canciones del Mundo, quien habla con Augusto Algueró, que a su vez le consigue un contrato con la discográfica Philips.

En 1969 por fin va a consagrarse como artista, consiguiendo varios números uno. Mientras realiza el servicio militar, graba en los estudios del Casino de la Alianza de Poble Nou (Barcelona) un sencillo con los temas El mendigo y La romería, que sería su primer gran éxito. El 20 de octubre acaba el servicio militar. Publica un nuevo sencillo, con Paxarinos y El abuelo Vítor, canción, como La romería, que recuerda a su tierra y que se convertiría en uno de sus clásicos. El tema está dedicado a su abuelo, que fallece pocos meses después. Aparece por vez primera en televisión, en el programa Teleritmo de Televisión Española, lo que en esa época, al ser la única emisora, suponía ser visto por todo el país, y empieza a sonar fuerte su nombre. Participa en el III Festival de Villancicos Nuevos de Pamplona, que gana con En el portalín de piedra. Este tema, junto con Ya se escuchan las panderetas, son publicados en un nuevo single.

En 1970, tras abandonar Belter, graba su primer disco con Philips, Quiero abrazarte tanto, con temas como el que da nombre al álbum, Carmina o Madre Coraje, cuyo éxito le lleva a su primera gira por Latinoamérica, debutando en México.

En 1974, ya con Ana Belén, saca el disco Todos tenemos un precio, con canciones como Qué pena y La alemana, empezando a normalizarse su situación, ya que la censura aplica el silencio administrativo tanto a las canciones del disco editado en México como a las de este último trabajo. El 18 de agosto, Ana y Víctor ofrecen su primer recital conjunto, en el Pabellón de Deportes de Gijón.

En la carrera de Víctor Manuel, 1979 es un año clave. Vuelve al primer plano musical y consigue un gran éxito de ventas con el disco Soy un corazón tendido al sol, donde, sin dejar los temas políticos, demuestra ser un autor capaz de avanzar, de cantar a su tierra, al amor, a temas del mundo. Esto se produce tras su fichaje por la discográfica CBS que, tras adoptar una política de sacar jóvenes talentos y rescatar grandes cantantes, se entusiasma con las canciones que les propone Víctor. Tal es el caso del tema Sólo pienso en ti, para muchos su obra maestra, basada en la relación entre dos jóvenes deficientes mentales, que sube a lo más alto de la listas de éxitos. Con este disco y sobre todo con esta canción, tras unos elepés muy politizados que no tuvieron un gran éxito, el asturiano renació a los 32 años y recibió varios premios revelación, algo que no deja de ser curioso puesto que ya había conseguido varios números 1 durante toda la década. El disco fue grabado en Milán (Italia), con la producción de Danilo Vaona.

En 1994 se publica uno de los proyectos discográficos más exitosos de la pareja, Mucho más que dos, disco grabado en el Palacio de Deportes de Gijón y en el que participan como invitados Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Pablo Milanés, Manolo Tena, Juan Echanove, Miguel Ríos y Antonio Flores. En el disco versionan canciones de sus invitados y estrenan Yo también nací en el 53, de Andrés Molina, y Contamíname, de Pedro Guerra, que gana un Premio Ondas y se convierte en otro de sus temas estrella. Posteriormente realizan dos giras multitudinarias que les llevan de España a Latinoamérica y Nueva York.

En el año 2005 recibe el encargo de componer el himno del centenario del Real Sporting de Gijón, que se titularía "Puxa Sporting". Los aficionados lo reciben de forma desigual. Ese mismo año comienza con Ana Belén la gira Una canción me trajo aquí, en la que repasan sus carreras con más de 60 canciones, algunas esbozadas y otras enteras, y durante la que estrenan tres temas nuevos, entre ellos el que da título a la gira, escrito por Jorge Drexler. El 16 de septiembre se graba en el Teatro Romano de Mérida uno de los conciertos de la gira, que se pone a la venta en enero del año siguiente coincidiendo con la celebración de los 40 años desde que Víctor sacó sus primeros singles. El 25 de enero presentan la versión para teatro de la gira.

El 14 de febrero de 2009, comienza la gira "Vivir para cantarlo", con el sobrenombre "Biografía de las canciones". Que le llevará por España y latinoamérica y donde hace un repaso a su carrera desde los años 60 hasta la actualidad, centrándose en lo que supone para él cada canción elegida.
En septiembre del mismo año, participa en el polémico concierto Paz sin fronteras, organizado por Juanes en La Habana y que reunió a más de un millón de personas.

Fuente: Wikipedia - Youtube

Al Bano

2009-10-31T11:45:00.005-03:00

Albano Carrisi (conocido como Al Bano) es un cantante popular italiano, que nació el 20 de mayo de 1943, Cellino San Marco, Brindisi, Italia.

Su padre lo llamó Albano porque él había combatido en Albania durante la Segunda Guerra Mundial.

Debutó en el mundo de la canción en el Festival de la Rosa en 1966 y en la televisión en Settevoci, programa presentado por Pippo Baudo.

En 1967 obtuvo su primer éxito con la canción Nel sole, que obtiene el primer lugar de la lista de éxitos de ventas de 45 giras en Italia. Enseguida canta Io di notte, L'oro del mondo y Il ragazzo che sorride, última canción escrita por Mikis Theodorakis que se inspira en los trágicos eventos en Grecia de 1967, la instalación del poder del Régimen de los Coroneles".

En 1968 participó por primera vez en el Festival de San Remo con La siepe y otorgándole la crítica el premio especial de la Mejor Canción. En 1969 participó en el concurso Un disco per l'estate con Pensando a te (Pensando en ti).

El 26 de julio de 1970 se casó con Romina Power,con quien había cantado a dúo Storia di due innamorati (Historia de dos enamorados), con la que tuvo 4 hijos: Cristel, nacida en 1985 (quien participará en La Fattoria, versión italiana de La granja de los famosos; Romina, nacida en 1987; Yari, nacido en 1973 e Ylenia, nacida en 1970 y desaparecida en Nueva Orleans en 1994.
En 1975 interpretaron Dialogo (Diálogo) y en 1976 participaron en el Festival Eurovisión con la canción We'll live it all again (Lo viviremos todo de nuevo) .

En 1981 interpretaron Sharazan y al año siguiente tomaron parte en San Remo con Felicitá (Felicidad), que se clasificó en segunda posición. Vuelven al festival en 1984 con Ci sarà y en 1985 están de nuevo en Eurovisión con Magic oh magic.
En 1987 aparecen los discos Nostalgia canaglia (Nostalgia canalla), tercero en San Remo, y Libertà (Libertad). Sigue luego Cara terra mia, otra vez tercero en Sanremo en 1989. En 1991, la pareja interpreta en el Festival Oggi sposi.

Cuando sale el álbum Dangerous Al Bano afirma que Michael Jackson le robó una parte del tema musical de una canción de 1987, I Cigni di Balaka en su canción You Will Be There.

En 1995, Al Bano entabla querellas. En mayo de 1999, un tribunal romano acusa a Michael Jackson de plagio, y lo condena a pagar una multa de 4.000.000 de liras, antes de suspender esta decisión de multa, los abogados de Michael Jackson lo llaman. Un experto en musicología determinó que 37 notas de 40 eran idénticas.

En un proceso civil, Al Bano también fue citado por un tribunal milanés quien encontró que Michael Jackson era inocente del cargo de violación de derechos de autor.

En 1996 Al Bano comenzó una carrera en solitario con È la mia vita (Es mi vida), seguida de Verso il sole en 1997 y Ancora in volo (Aún en vuelo) en 1999. Ese mismo año se separa de su esposa, Romina, y empieza una convivencia con la presentadora de televisión Loredana Lecciso, con la cual vivió desde 2001 hasta noviembre de 2005 con la cual ha tenido dos hijos: Yasmine, nacida en 2001 y Bido, en 2002.

Su relación con Loredana Lecciso ha llevado últimamente al cantante a aparecer a menudo en programas de televisión y en la prensa del corazón, a veces incluso contra su voluntad, hasta el punto de dar un puñetazo a un invitado en "La vita in diretta".

Participó en la tercera edición de la emisión de telerrealidad de RAI denominada "La isla de las celebridades", pero cuando estaba en Samana, Loredana declaró la voluntad de abandonarlo y partir con sus dos hijos. Por consiguiente, abandonó voluntariamente la emisión en el episodio del 19 de octubre de 2005.

Su relación con Loredana Lecciso y su participación en la emisión de telerrealidad contribuyó, indudablemente, a relanzar su popularidad en Italia, disminuida en los últimos años posiblemente a causa de las malas elecciones artísticas que explotaban mal su voz.
En noviembre de 2006, Arnoldo Mondadori Editore publicó su autobiografía, escrita a cuatro manos con Roberto Allegri "È la mia vita"(Es mi vida, del título de la canción de 1996). Curiosamente, para hablar de sus dos señoras, Romina y Loredana, decidió dejar dos páginas en blanco.

Hereda de su padre, Don Carmelo, una empresa vínícola Tenute Carrisi. Explota sus conocimientos de marketing y de viticultura para relanzar su marca, que actualmente es conocida en el mundo entero. En homenaje a su padre, llamó a uno de sus vinos "Don Carmelo".

La empresa también abrió una pizzería.

Sus últimos años los dedicó a su tierra y a patrocinar al equipo "New Basket Brindisi" (Nuevo

Balloncesto Brindisi), que participa en el campeonato italiano de serie B1.

Participó con la canción Nel perdono en el Festival de San Remo de 2007.

Fuente: Wikipedia

Hoy... Miriam Makeba

2009-10-24T09:16:00.006-03:00

Miriam Makeba nació en Johannesburgo (Sudáfrica) el 4 de marzo de 1932 y falleció en Castel Volturno (Italia) el 10 de noviembre de 2008.

Aunque pasó su infancia en Pretoria (Transvaal), Makeba comenzó a cantar en los años cincuenta con el grupo Manhattan Brothers, tras lo que fundó su propia banda, The Skylarks, que mezclaba jazz con música tradicional sudafricana.

Después de ver que no podía llevar a cabo en su país la carrera musical que ella quería por su activismo comprometido, la cantante viajó a Venecia (Italia) para después conseguir llegar a Londres (Reino Unido), donde conoció a Harry Belafonte, quien le ayudó a entrar en Estados Unidos. Sin embargo, la vigilancia del FBI estadounidense obligó a Makeba y a su marido —el activista negro Stokely Carmichael (1941-1998)— a trasladar su residencia a Guinea Conakry.

Icono de la lucha contra el apartheid en su país, Makeba, marginada durante más tres décadas por el régimen racista sudafricano, siempre estuvo comprometida con la lucha por los derechos civiles y contra el racismo, una entrega que llevó a cabo hasta el último momento de su vida. La cantante, conocida también como «la mamá de África», supo llevar como nadie al escenario las tradiciones y los trajes típicos de su tierra en espectáculos donde su voz cálida y su grande presencia eclipsaban a los instrumentos étnicos que la acompañaban.

En 1972, Makeba actuó en el Festival de la Canción de Viña del Mar (en Chile), donde el público chileno la abucheó debido al apoyo que dio al gobierno de Salvador Allende. En 1973 se separó de Carmichael.

Logró su máxima popularidad con el inolvidable tema Pata Pata (1967), que fue difundido en diferentes países del mundo alcanzando los primeros lugares en los ranking de música pop. Esa canción fue versionada también por otros intérpretes, como la mexicana Thalía.

Makeba residió en Guinea hasta su regreso a Sudáfrica el 10 de junio de 1990 tras la excarcelación de Nelson Mandela, quien tiempo después le ofreció participar en su gobierno.

En el año 2001, Makeba fue galardonada con el premio de la paz Otto Hahn, otorgado por la Asociación Alemana de la ONU. En 2002 fue galardonada con el Polar Music Prize que otorga la Real Academia Sueca de Música.

El 10 de noviembre de 2008 falleció en la localidad de Castel Volturno, en el sur de Italia, a causa de un paro cardiaco que se produjo tras un concierto contra el racismo y la mafia, en el que participaba.

Ahora les invito a que disfrutemos de (para mi) uno de los mejores temas hechos por Miriam Makeba,en este caso juntoa Harry Belafonte... Escuchen..Malaika

Fuente: Wikipedia

Guillermo Reyna Allan

Hoy... Raul Lavié

2009-10-19T17:53:00.002-03:00

Raúl Lavié (nacido Raúl Alberto Peralta, Rosario, provincia de Santa Fe, 22 de agosto de 1937), apodado El Negro, es un cantor de tango y actor argentino, uno de los más populares cantantes de tango de la Argentina.
Ha actuado junto a figuras como Gidon Kremer, Cacho Tirao, Libertad Lamarque, Juan Carlos Copes y Ástor Piazzolla, con quien realizaría varias giras mundiales.
Actuó en los más prestigiosos escenarios del mundo; en 1986 se presentó en Broadway obteniendo cuatro nominaciones para el premio Tony, regresando 14 años más tarde para recibir una nueva nominación para dicho premio. Fue nombrado ciudadano ilustre de Los Ángeles (EE. UU.) y Tokio (Japón), y en Chubut, Bariloche, Mar del Plata y Rosario, en la Argentina. En su ciudad natal, Rosario, se le conoce además su simpatía por el club de fútbol Newell's Old Boys.
Actuó en más de 30 obras de teatro; en televisión, en comedias musicales y telenovelas; en cine, en 17 largometrajes. Fue protagonista de obras como Hello Dolly y El hombre de la Mancha, en México, y Annie, Pippin y Zorba el griego, en Argentina. Además, fue protagonista de uno de los musicales argentinos más exitosos de los últimos tiempos, que se representó en todo el mundo: Tango Argentino, de los coreógrafos Claudio Segovia y Héctor Orezolli.
En la Argentina grabó con las más importantes orquestas como las de los maestros Héctor Varela, Héctor Stamponi, Ángel D’Agostino, Osvaldo Piro, Horacio Salgán y Osvaldo Fresedo, entre otros.
Estuvo casado con la también actriz, periodista y modelo Lidia Satragno, Pinky.

">

Se nos fue....LA NEGRA SOSA

2009-10-04T12:27:00.003-03:00

¿Que decir...? Nada. No se puede agregar nada al sentimiento que nos embarga. Más allá de las coincidencias y diferencias con su forma de pensar y actuar...Mercedes Sosa, nacida un 9 de Julio (nada menos) de 1935 en San Miguel de Tucumán fue a cantar con los ángeles.

Nos dejó su arte (dato no menor) y la espléndida creación de sus canciones.

Rafaella Carrá

2009-09-26T11:43:00.003-03:00

Raffaella Carrá es el seudonimo de Raffaella Roberta Pelloni (n. Bolonia, 18 de junio de 1943) es una famosa cantante, bailarina, actriz , presentadora y autora de programas de televisión.

Es conocida en Europa y América, principalmente en su país natal Italia, España y Latinoamérica, donde ha presentado exitosamente numerosos programas de TV, la mayoría de ellos en la cadena italiana RAI y en la española TVE.

Es una de las figuras más importantes y amadas del espectáculo italiano. Es reconocida en su país como: «La Diva italiana» , «La Señora del espectáculo italiano» ,«La reina de la televisión » y «La más amada por los italianos».

Nacida en el seno de una familia de clase media, Raffaella comenzó su incursión en el mundo del arte casi por accidente en un viaje con su madre a Roma. Fue entonces cuando, a través de un amigo de la familia, un director la eligió por su simpatía para un pequeño papel en la película Tormento del passato a los 9 años. Posteriormente y de regreso a Bolonia, Raffaella se inscribe a los 15 años en el Instituto de Cinematografía y prosigue con su educación y formación como bailarina.

Finalmente, tras pequeños y medianos papeles en más de una quincena de películas italianas, Raffaella pega el salto que daría comienzo a su carrera. En 1965 la italiana viaja a los Estados Unidos donde aparecerá en su primer película hollywoodense. Habiendo firmado un contrato con la 20th Century Fox y siguiendo los pasos de sus coterraneas Gina Lollobrigida, Sofía Loren y Virna Lisi, la Carrá apareció en la película El coronel Von Ryan de 1965 junto a Frank Sinatra, Edward Mulhare y Trevor Howard.

Aunque pronto Hollywood notó su presencia y Raffaella prosiguió con su carrera apareciendo en otras películas, la vida que llevaba en Los Ángeles no era lo que esperaba y regresó a Italia.
A su retorno a Europa, vinieron más películas italianas, francesas y hasta una coproducción alemana con el genial actor cómico Lando Buzzanca. Destaca la película I compagni de Mario Monicelli.

Parecía que Raffaella estaba encontrando su lugar entre las luminarias del cine, pero lo más grandioso de su carrera aún estaba por llegar. Corrían los últimos años de la década del sesenta cuando el mundo cambiaba radicalmente su forma de ver y hacer arte. Y Raffaella sería pronto parte de eso.

Fascinada por la opulencia del Lido de París y deslumbrada por los nuevos conceptos que llegaban de la mano de musicales como Hair, Raffaella volvió a Italia con la cabeza llena de nuevas ideas. Así, al recibir el ofrecimiento de participar en el programa del francés Nino Ferrer, la Carrá acepta con la condición de poder usar tres minutos de aire para hacer lo que quisiera. Así, con desenfado y una gracia única, Raffaella rompe con el esquema de la cantante o bailarina estática y formal. Se mueve, sacude la cabeza en un modo nunca visto (y que luego será su sello, junto con su inconfundible melena) y es un éxito inmediato.

De esta forma, los ejecutivos de la RAI no dudan en proponerla como la anfitriona del programa estrella de la televisión italiana junto a Corrado. Canzonissima 1970 será el programa que termina por afianzarla como una estrella en Italia y es entonces cuando Raffaella comienza a explotar también su faceta de cantante. Invitada por los directores del canal, pero «casi jugando» como diría ella años más tarde, graba la sintonía del programa. Y el éxito y el escándalo no se hacen esperar. Ma che musica Maestro es un éxito pegadizo que rápidamente llega al número uno del Hit Parade italiano vendiendo miles de copias del sencillo, pero es el vestuario de Raffaella lo que causó más conmoción en el público italiano. Había algo que jamás se había mostrado en la televisión pública de la península itálica: el ombligo. Y la joven intérprete, con un atuendo que hoy parece más inocente que trasgresor, logró hasta la censura del mismísimo Papa cuando al poco tiempo y generando más polémica aún, lanza el famosísimo Tuca Tuca.

Una vez afianzada su carrera con el éxito de Canzoníssima (al que sigue la edición de 1971) la ahora famosa cantante sale de gira por toda Italia con los éxitos que ya comenzaban a sonar en las discos. Pero tras casi un año recorriendo el país, Raffaella vuelve a la televisión más atareada que nunca. Canzoníssima 74 ya no contará con la conducción de Corrado, sino que será sólo la responsabilidad de Raffaella. Y es un éxito. Tanto así que ese mismo año presenta junto la cantante Mina el espectacular Milleluci.

Ahora, si bien el éxito había golpeado las puertas de Raffaella Carrà y ella se había asegurado de demostrar que no era sólo algo pasajero, la ambiciosa cantante, bailarina y conductora quería demostrar que quería y podía lograr más. Con varios éxitos en su país natal, la Carrà empieza a soñar con otros horizontes.

España quedaba tan sólo a un paso, y su primera aparición en el programa Señoras y Señores en 1975 demostró ser el comienzo de un romance duradero. Encantados por la misma frescura que había llevado a su país natal, los españoles no tardaron en enamorarse de «la bomba italiana», y el primer álbum de Raffaella (con una recopilación de lo mejor que había editado en Italia) invadió los oídos de los españoles en pocas semanas. El disco incluía además algunas versiones cantadas en español.

Fue entonces, cuando -sin precedentes- los ejecutivos de TVE le ofrecieron hacer un especial. La Hora de Raffaella Carrà fue un experimento exitoso y una vez más la cantante italiana cimentaba su éxito en el país vecino.

Pero como todos los europeos, Raffaella quería conquistar América. Y aunque su llegada se hizo esperar hasta 1979, ya en 1976 el éxito con sus discos y sus programas enlatados era un hecho. Pero lejos de los actuales medios de alcance global (los satélites e Internet), hacia finales de los años 70 alcanzar el éxito internacional casi obligaba la presencia física. Y así fue cuando en 1979 Raffaella llegó por primera vez a América. Argentina, Chile, Uruguay, Perú, Bolivia, Venezuela, México, Ecuador, y casi cada rincón de habla hispana en el continente sucumbieron al encanto de la estrella italiana. En ese tiempo asistió al programa Sábados gigantes, los estadios y teatros se colmaban de gente, y la histeria de los fans era tal que la Carrà debía ir con varios guardaespaldas a cualquier lugar que fuera. Y así, entre especiales para la televisión, conciertos, presentaciones siguió recorriendo cada país, inclusive filmando una película en 1979.

El ritmo alegre y desinhibido de sus temas marcó una época para la música disco de principios de los ochenta en el mundo de habla hispana e italiana. Entre sus temas más famosos destacan Fiesta, En el amor todo es empezar, ¡Qué dolor!, Rumore y Caliente, caliente. También tuvo un gran éxito con el tema Tuca Tuca, escrito por su compañero sentimental y colaborador de muchos años, Gianni Boncompagni. Estableció también una larga relación con Sergio Japino.

El éxito de la cantante italiana en los países de latinoamérica era tan fabuloso, y su persona merecedora de una atención tan especial del público, que comienza a trabajar en un ambicioso proyecto que la llevaría también a la pantalla grande y en español. La película Bárbara se estrenó el 12 de julio de 1980 en Argentina, tras dos meses de filmación en la capital porteña. Coloridos cuadros musicales con gran despliegue de escenografía y vestuario eran el marco perfecto para la historia de amor de una joven cantante italiana y el príncipe de un país ficticio, interpretado por Jorge Martínez. El elenco se completaba entre otros por Irma Córdoba, Manuel Tenuta y la comiquísima Edda Díaz.

También llegaría en 1980 la idea de una co-producción entre varias cadenas de TV filmada en cinco capitales del mundo. Así cada compañía produciría un especial y sería co-propietario de los otros cuatro. Ciudad de México, Moscú, Roma, Buenos Aires y Londres fueron las cinco ciudades elegidas y sus calles y lugares más significativos fueron mostrados entre cuadro y cuadro, articulado con las actuaciones de invitados de cada lugar que le daba un sentido más autóctono a cada especial.

Después, Raffaella (que había dejado la CBS como sello discográfico) empieza a bajar el ritmo que llevaba, haciendo durante 1981 y 1982 sus últimos espectáculos en América Latina visitando Chile, donde participó en el Festival de Viña del Mar llevándose todos los premios y el título de La reina del festival de ese año.

Durante 1983 y 1984 la Carrà retoma su carrera en Italia con discos y nuevos programas de televisión. Los ejecutivos de la RAI, con la inventiva del gurú mediático Gianni Bomcompagni (ex pareja de Raffaella), encomiendan a ella lo que será una revolución en la televisión a nivel global.
Durante la década de los años 1980 la Carrà siguió presentando varios programas en la RAI y Canale 5. Especialmente popular fue Pronto, Raffaella (1983-1985) en la televisión pública italiana, que tuvo su versión en España (¡Hola Raffaella!) en los años noventa.

A principios de los años 90 Raffaella se traslada a España, y entre 1992 y 1994 recupera la fama de la que había disfrutado quince años antes, presentando en TVE ¡Hola Raffaella!, una emisión semanal a la que luego se agregaría A las 8 con Raffaella (1993) como un magazine diario.

Posteriormente es fichada por Telecinco para conducir En casa con Raffaella (1995), una vez que finalizó su contrato con TVE. La popularidad obtenida la convierte en acreedora del Premio TP de Oro de 1993 a la Mejor Presentadora. En 1997 TVE la «rescata» para que conduzca las campanadas de fin de año junto a Ramón García, tras la baja de última hora de Ana Obregón. Luego volvió a Italia para presentar Carramba, che sorpresa (1998-2003).

A partir de 2000, Raffaella Carrà continúa haciendo apariciones en la televisión de países latinoamericanos, además de presentar diversos programas de televisión en su país natal y en España.
A finales de 2004, Raffaella es la encargada de presentar el telemaratón "Contigo" para la TVE, que tenía como objetivo apadrinar a un gran número de niños del Tercer Mundo.
Volvió a aparecer de nuevo en España en diciembre de 2006 en la gala de celebración de los 50 años de TVE, grabada el 25 de noviembre y emitida el 7 de diciembre.

La artista italiana fue la encargada de presentar la gala Salvemos Eurovisión que ofreció Televisión Española el 8 de marzo de 2008, y que sirvió para que los espectadores eligiesen cantante para Eurovisión 2008. Además, presentó otras dos galas especiales sobre este festival.
Actualmente se encuentra en Italia conduciendo la cuarta edición de su exitoso programa Carràmba Che Fortuna el cual estará en emisión hasta principios del 2009.

Fuente: Wikipedia

Guillermo Reyna Allan

Hoy...Leonardo Favio

2009-09-20T11:48:00.006-03:00

Fuad Jorge Jury llegó al mundo el 28 de mayo de 1938, en la localidad de Luján de Cuyo, de la Provincia de Mendoza. Nació en un barrio pobre y complicado, donde soportó el abandono de su padre. Pasó gran parte de su infancia internado; conflictivo, siempre escapó o se le expulsó. Una serie de robos pequeños le llevó incluso a la reclusión carcelaria. Estudió un tiempo como seminarista y más tarde intentó en la Marina: duró poco y se marchó con el mismo uniforme con el que sirvió a pedir limosnas en Retiro. Su madre, escritora de radioteatros, solía conseguirle "bolos" (pequeños papeles escasamente remunerados) en Mendoza; etapa en la que además comenzó a preparar sus primeros libretos.

En el cine

Se marchó a Buenos Aires. Trabajó de extra en la película El Ángel de España (1958), del cineasta peruano Enrique Carreras, y posteriormente —bajo el padrinazgo de Leopoldo Torre Nilsson, Babsy— comenzó su carrera de actor participando en filmaciones como El Secuestrador (1958) y Fin de Fiesta (1960), entre otras. Su dote de director nació con el cortometraje El Amigo (1960), contando ya con una obra a cuestas, pero inconclusa —El señor Fernández (1958).

Favio logró —además de éxito en la crítica— varios premios, tanto nacionales como internacionales. Reconocido como director de culto, fue parte de la segunda gama de directores que renovó el cine argentino. Entre los cabecillas de este nuevo cine en los ‘60 estaba su buen amigo Torre Nilsson y Fernando Ayala.

En 1965 estrenó su opera prima Crónica de un niño solo, producida por Luis Destéfano, aunque quien le aprobó el guión fue Torre Nilsson, quién no se ánimo a producirla.

En 1967 realizó El romance del Aniceto y la Francisca..., con Federico Luppi, Elsa Daniel y María Vaner. A menudo es mencionada como la mejor película argentina de todos los tiempos.

En 1969 Favio estrenó El Dependiente, basado en un cuento de su hermano y coguionista Zuhair Jury —también director, autor e intérprete—. La película fue catalogada por el entonces Instituto Nacional de Cinematografía (hoy Instituto Nacional de Cine y Artes Visuales-INCAA) de "exhibición no obligatoria", significando la supresión del apoyo oficial argentino hacia el filme.
Fue entonces cuando Favio, quizá motivado por las trabas económicas que el cine le estaba significando, decidió lanzarse sorpresivamente al canto profesional, cosechando un éxito que le permitió en numerosas oportunidades solventar gran parte de sus películas.

Exito y fama

De pequeño Favio aprendió a tocar guitarra, intercambiando clases por trabajo. Antes del reconocimiento solo cantó en reuniones íntimas, entre amigos y familiares. Su debut como cantante le llevó a la Botica del Ángel, a manos de Eduardo Bergara Leumann. Ese mismo día un ejecutivo de la CBS le propuso grabar un disco, resultando el primer sencillo de Favio Quiero la Libertad, un gran fracaso. La productora entonces le aconsejó grabar Fuiste mía un verano y O quizás simplemente le regale una rosa; íconos de su primer álbum, también titulado Fuiste mía un verano (1968). El disco resultó emblemático, constituyendo el más clásico de sus repertorios. Tras su participación en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, en Chile, Leonardo consolidó su fama internacional.

El éxito sofocó un poco a Favio. De una vida más bien tranquila como director, pasó a un mundo mediático, lleno de fanáticos y conciertos continuados; tanto le atochó la fama que llegó a encerrarse durante meses en su departamento. Luego de grabar su segundo álbum – Leonardo Favio (1969)- y en pleno apogeo de su éxito como cantante, dejó los escenarios para dedicarse por completo a su película Juan Moreira (1973). Nazareno Cruz y el lobo (1975, sobre el radioteatro de Juan Carlos Chiappe) consolidó a Favio como director, siendo esta la película más vista en la historia del cine argentino. En 1976, realizó Soñar, Soñar, con Gianfranco Pagliaro y Carlos Monzón y, tras el golpe militar, se fue al exilio.

Fuente: Wikipedia

Guillermo Reyna Allan

Roberto Carlos

2009-09-13T09:28:00.004-03:00

Corría el año 1965 cuando su familia se traslada desde su lugar de residencia habitual a Meteroi. Allí quien luego será el astro indiscutido de su tierra y de gran parte del mundo, inicia sus estudios secundarios. Era un alumno aplicado, buen camarada y querido por todos sus compañeros y profesores. Los únicos tropiezos que sufrieron sus estudios fueron algunas rabonas (ausencias de clases) que en cierto modo tenían justificación por ejemplo en este caso: como era bastante conocido entre el estudiantado, a veces se organizaban algunas serenatas, o reuniones, donde el nuevo astro no podía faltar, ya que en primer lugar le gustaba y se sentía obligado a concurrir y cantar. Allí era ruidosamente aplaudido, cosa que también le agradaba y en el interior le daba fuerzas para el anhelo que llevaba en su interior: triunfar en lo que lo apasionaba.

ROBERTO CARLOS no quería continuar ninguna otra carrera que no sea la de cantante. Estudiaba simplemente para no contrariar a sus progenitores, pero sabía sobradamente que nunca llegaría a nada con los libros. Tenía algo así como una obsesión por el canto. En las noches, cuando todos los demás dormían, él cantaba bajito, para si mismo, sintiendo que algo en su interior le decía que sería un ídolo, que llegaría a ocupar un lugar importante dentro de las fronteras de su Patria. Sólo faltaba esperar un poco, tener paciencia, no provocar algo que debería llegar solo, sin apurarlo, en suma esperar que sus condiciones madurasen.

ROBERTO CARLOS, ya no podía esperar más y se presenta en TV. Río, en el programa "Csianka" que tenía gran audiencia y era conducido por un gran profesional de apellido GARCIA, él creyó desde el primer momento en el joven valor de la canción a quien se le notaba que quería triunfar.Esta presentación en la pantalla, aunque un tanto precaria, ya que no tenía el lujo ornamental de otras, a veces necesarias para el realce del espectáculo. De todas maneras Roberto Carlos ganó esta primera batalla, el público conoció su arte y gustó de él. Poco después entrando por la puerta grande, hizo su debut en TV. Tupi, llevado por Carlos Imperial, quien teniendo mucha fe en el cantante, lo presentó a discos C.B.S. Columbia. En una sencilla ceremonia cumplida luego firma el contrato que lo vincula a la grabadora a la que pertenece hasta estos días.

ROBERTO CARLOS ya en el sendero de éxitos que la vida le tiene señalado, graba su primer disco larga duración. Es una pequeña temporada que lo tiene ocupado intensamente. El cantante no quiere desperdiciar la oportunidad que se le presenta y pone en la empresa todos sus afanes. Elige cuidadosamente las composiciones para grabar; ensaya día y noche, conversa con los músicos buscando hasta los más mínimos detalles y entonces recién deja impresa en la pasta su voz, la misma que luego acariciará a multitudes. Ese mensaje joven en un idioma nuevo dentro de la temática moderna. En suma, ROBERTO CARLOS era algo distinto.Otra cosa. Un cantante nuevo con relevante personalidad y composiciones que salían del común denominador de lo conocido. Se evadía de lo estrictamente clásico; rompía con todo lo que hasta allí significaba un éxito, porque él simplemente lo sentía así y lo concretaba...El primer Long Play lanza su nombre dentro del mundo discográfico con el tema "Loco por Usted" y con otros varios que alcanzan mucha repercusión popular y exaltan de la noche a la mañana el nombre de ROBERTO CARLOS. Por entonces en las sucesivas audiciones había logrado congregar a su alrededor a un numeroso público juvenil incondicional y que lo seguía a todas partes.

Luego de este primer lanzamiento discográfico le siguen otros dos Long Plays, que llevan por título "ROBERTO CARLOS" y que incluyen temas de gran significación popular como: "Pare a contramano", "Es prohibido fumar", "Rosa Rosita" "El cachivache", "Quiero que se vaya todo al infierno", Quiero casarme contigo", "La chica del gorro"; "Prendan al ladrón" y muchas más. En 1968, defiende en el festival de San Remo la canción de Sergio Endrigo, "Canción para ti", la que interpreta en Italiano y se convierte en un suceso mundial, ROBERTO CARLOS BRAGA, es sin duda el cantante Sudamericano de mayor impacto a nivel mundial.

Fuente: rc60.vtrbandaancha.net

Guillermo Reyna Allan

A MIS AMIGOS

2009-09-05T20:21:00.001-03:00

Hola, Guillermo...

Al hilo de la nostalgia que me ha producido la lectura de tus apuntes en torno a todas esas figuras del pop y del rock, me dejo llevar por el impulso de ponerte estas palabras.

Me recreo con frecuencia en la nostalgia y disfruto de todo aquello que me traiga resonancias de un tiempo trepidante de ritmos y canciones. Tus páginas me han traído una emoción que quiero transmitirte, nada más finalizar su lectura en ese registro que tiene todo aquello que alguna vez nos hizo vibrar con intensidad irrepetible.

Te doy la enhorabuena por los contenidos que vuelcas de todos aquellos grupos y cantantes y te animo a que sigas en ese trayecto.

Recibe este afectuoso saludo,
Jorge

Hola...Jorge.

¡Que placer... y que "mimo" haber recibido un mail tan elogioso..!!
Lo publico asi, de esta manera, porque sintetiza el pensamiento y el sentimiento de muchos a los que, amistosamente, llamo "cuevíferos".

Te mando un abrazo grande y, en vos, a todos los que gozamos de "la mejor música del mundo".

Un abrazo... Guillermo

DOMENICO MODUGNO

2009-09-05T19:53:00.003-03:00

Domenico Modugno nació en la ciudad italiana de Polignano a Mare, Bari, el 9 de enero de 1928 y falleció en Lampedusa, el 6 de agosto de 1994). Fue un cantante y actor italiano muy famoso y apreciado en la Italia de la segunda posguerra.

Desde muy joven, Domenico quería ser actor. En 1951, después de terminar el servicio militar y gracias a una beca, accedió al Centro Experimental de Cinematografía de Roma, apareciendo más tarde en unas cuantas películas. Después de protagonizar Il mantello rosso (La capa roja), inició su carrera de cantante.

En la década de los 50 se hizo muy popular en los Estados Unidos. Se convirtió en uno de los protagonistas de la música melódica internacional cuando, con Nel blu dipinto di blu (más conocida como Volare), triunfó en el Festival de San Remo de 1958 junto a Johnny Dorelli. Con esta misma canción, participó también el Festival de la Canción de Eurovisión de ese mismo año, quedando en tercera posición (de diez). En 1960 se le acusó de plagiar la canción de un compositor de ópera, aunque se le declaró inocente.

Ganó tres veces más el Festival de San Remo con Piove (1959, nuevamente con Johny Dorelli), Addio, addio (1962, en compañía de Claudio Villa) y Dio, come ti amo (1966, juntamente con Gigliola Cinquetti). En Eurovisión volvió a participar en 1959 y 1966.

Actor teatral y cinematográfico, apareció en la comedia musical Rinaldo in campo (1961), de Garinei e Giovannini, y en Liolà, adaptación de la célebre ópera de Luigi Pirandello. En el cine interpretó Il giudizio universale de Vittorio De Sica, mientras que de 1973 a 1976 fue Mackie Messer en la Opera da tre soldi de Kurt Weill y Bertolt Brecht, dirigida por Giorgio Strehler. Pier Paolo Pasolini usó canciones de Modugno para la banda sonora de Pajaritos y pajarracos, una de sus películas fundamentales.

Artista conocidísimo y de gran presencia escénica, se recuerdan, entre otras canciones, La lontananza (La distancia es como el viento), Piove (Ciao, ciao bambina) (Llueve), Vecchio frack (Viejo frack), Resta cu' mme (Quédate Conmigo) (en idioma napolitano), Dio, come ti amo (Dios, cómo te amo), Piange il teléfono (Llora el teléfono / Le telephone pleure), Un calcio alla città (Un puntapié a la ciudad), Lu pisci spada (El pez espada) (en idioma siciliano) y Come hai fatto (Como has hecho). Domenico Modugno sufrió un ictus en 1984 y fue forzado a dejar la actividad artística. Se dedicó a la política y fue elegido parlamentario en la lista del Partido Radical Italiano de 1987 a 1992.

Entre algunos de sus reconocimientos post-morten, en el 50º Aniversario del Festival de Eurovisión, celebrado en 2005, se nombró a Volare como la mejor canción de la Historia del concurso tras Waterloo de ABBA. Además esta valoración venía a hacer "justicia" con el cero que Domenico obtuvo en el Festival de Eurovisión de 1966 con Dio come ti amo, con el cual se sintió profundamente dolido.

Paul Anka

2009-08-28T18:08:00.004-03:00

¿Cuándo se despertó en Paul la vocación artística? Dificil precisarlo. Pero indudablemente ya estaba en él, cuando de chico se colaba tras las bambalinas o se paraba en las puertas de salida de los artistas en los teatros para preguntar detalles de sus actuaciones.

Nacido en Ottawa, Canadá, el 30 de julio de 1941, Paul no esperó mucho tiempo para poner en prática su talento artístico. Cuando hacía sus estudios secundarios decidió formar su propio trío de vocalistas y en menos de un año de pacientes y concienzudos ensayos, el conjunto comenzó a actuar en público. Paul aprovecho al máximo todos los conocimientos que adquirió en las puertas traseras de los escenarios. No es de extrañar, entonces, que al año, el grupo comenzó a recibir contratos en teatros y clubes juveniles, en todo Canadá.

Sin embargo, Paul no estaba satisfecho. Algo andaba como no debía. Después de mucho reflexionar, se dio cuenta de que el repertorio no era satisfactorio. La juventud necesitaba canciones distintas, pensó, especialmente escritas para ellas. Pero como le parecía mucho pedir el que los compositores le escribieran canciones a él, Paul se dedicó él mismo a mejorar el repertorio. El compositor Anka tomaba vuelo.

Las canciones lograron bastante éxito, pero el inquieto muchacho seguía con sus ídeas perfeccionistas. Se le ocurrió que si él actuaba de solista, el grupo tendría mayor individualidad. Fue así como empezó a independizarme como artista. Cuando adquirió la suficiente confianza en sus dotes de vocalista, convenció a su papá (dueño de un restaurante en Ottawa) que le diera dinero para ir a hollywood. Su padre aceptó y Paul se encontró viajando sólo a la ciudad de los sueños y esperanzas.

Allí tenía un tío, ya ambientado en el capital del cine norteamericano, Paul le contó de sus ambiciones y le cantó. El tío le encontró un artista muy capaz y trató de introducirlo a los mandamases Hollywoodense. Lo único que consiguió Paul fue un pobre contrato para grabar algunos disco. Grabo dos temas, uno de ellos fue "Yo confieso" y regresó a Ottawa.

Mientras esperaba los acontecimientos, se dedicó a perfeccionarse como compositor. Para esto habló y consultó a los mejores compositores de su país. Con estas nuevas experiencias, paul se armó de otro repertorio de canciones, que comenzó a dar a conocer a cuanto artista o representante de sellos grabadores llegaban a su país. Asi consiguió una entrevista con una importante casa grabadora en Nueva York. La ciudad de los rascacielos le sería más benigna: a poco de llegado Paul Anka había frmado un consistente contrato con Don Costa, joven director de programas y del sello ABC Paramounth. Entre sus primeras grabaciones, salió Diana, Muchacho Solitario, Tu Amor y otras que siguieron la senda del éxito y la conquista de los jóvenes corazones en el mundo.

Fuente: rc60.vtrbandaancha.net

Guillermo Reyna Allan