Nacida el 15 de Agosto de 1944, esta cantante búlgara, francesa por adopción, se mudó a Francia junto con sus padres y su hermano en diciembre de 1952. Debutó como actriz en la película Patate (1964). A pesar de concentrar su carrera en el canto, Vartan también ha participado actuando en un considerable número de películas.
A la edad de 21 años, en 1965, se casó con el cantante francés de rock Johnny Hallyday. Juntos tuvieron un hijo, David Hallyday, que siguiendo la tradición familiar también se ha hecho cantante. Johnny Hallyday y Sylvie Vartan fueron la "pareja de moda" de su generación en Francia, atrayendo constantemente la atención de la prensa rosa. Johnny y Sylvie se divorciaron en 1980. Ella luego se volvió a casar; esta vez con el empresario discográfico americano Tony Scotti.
En el año 2005 Vartan fue nombrada embajadora de buena voluntad de la Organización Mundial de la Salud.
Sus mayores éxitos como cantante los ha obtenido por medio de las canciones "Panne d'essence" (Sin combustible), "Comme un garçon" (Como un muchacho), "J’ai un problème, je crois bien que je t’aime" (Tengo un problema, creo que te amo), "La plus belle pour aller danser" (la más bella para ir al baile) y "Irresistiblement" (Irresistiblemente). Es importante notar que Sylvie, reconocida por ser una buena lingüista, ha hecho una parte de sus canciones en varias lenguas. Por ejemplo, su versión italiana de "Irresistiblement", titulada "Irresistibilmente" fue un gran éxito cuando la cantó por la televisión Italiana en los años 70.
En Francia sigue siendo la artista femenina de su generación que más éxito tiene cuando edita un disco o va de gira. Su último concierto fue en el Palacio de Congresos de Paris en septiembre/octubre del 2004 y su último CD salió en junio de 2007.
Oscar Marcelo Alemán, nacido el 20 de Febrero de 1909, en la República Argentina. Oriundo de Machagai, Chaco, provenía de una familia de músicos. Su padre, guitarrista folklórico, formaba parte de un cuarteto de arte nativo, integrado por Carlos, Jorgelina y Juan, sus propios hijos. Por su parte, Oscarcito, de breves seis años, lucía una destreza inusual como zapateador de malambo, impulsado por una elástica postura y un tono muscular, inusuales para un niño de su edad.
El cuerdista chaqueño era un prestidigitador y un “chanssonier”, un velocista y un efectista, un comediante y un danzarín, de improbable réplica contemporánea. Impuso el hábito de girar y apoyar la guitarra sobre las espaldas, y ejecutar (hacia atrás) fragmentos de canciones.
De vuelta al país, logra un éxito impactante, pero persuasivo: su tema “Rosa madreselva”, se proyecta como pieza de culto y cifra de venta. Diez años después, con su invariable humor activo, funda una escuela de aprendizaje para jóvenes guitarristas, sin sustento económico. Alrededor de 1926, toca, de manera profesional, en cafés y clubes nocturnos, junto a Gastón Bueno Lobo, otro guitarrista con quien forma un dúo de género variado. Incursiona como autor de tangos, y Agustín Magaldi le graba una versión. Alterna actuaciones con Carlos Gardel y se vincula con Enrique Santos Discépolo. Viaja después por tierra brasilera y otras latitudes sudamericanas.
Estimulada por la curiosidad de un talento expandido, la diva del jazz Josephine Baker lo convoca a una prueba que lo confirma y la deslumbra. Ambos conforman un dueto antológico. La invasión alemana a París, en 1940, los obliga a desmembrar la compañía y continuar separados. Alemán, conoce a Louis Armstrong y Duke Ellington, quienes detectan su capacidad improvisativa e intuitiva.
Pero es Django Reinhardt, el célebre guitarrista gitano, quién le produce una implosión totalizante en la percepción y en los códigos instrumentales. Ambos se admiran y respetan, comparten sesiones e improvisaciones y tocan en el Hot Club de Francia. En 1915, realizó una actuación memorable, en el escenario del Teatro Nuevo. A causa de una separación familiar, Oscarcito comienza, a los diez años, una vida de errancia y autodeterminación, constantes de su vida futura. Se lo recuerda lustrabotas en las diagonales de Sáenz Peña. Alguien le acerca un “cavaquinho”, pequeña guitarra de cuatro cuerdas, con lo que inicia una carrera excepcional de instrumentista. Alemán se mantiene en su carácter de solista y convoca a un quinteto de tres violines, contrabajo y batería. El primer violín era Hernán Oliva. Las últimas grabaciones las concreta junto a Eduardo Ravera, rodeado por sus discípulos.
Oscar Alemán, esposo de Carmen Vallejos y padre de Selva Alemán, talentosas actrices nacionales, falleció el 14 de Octubre de 1980. Desde el otro siglo, su nombre figura en los anales de la Enciclopedia Mundial del Jazz. El olvido irresponsable y la ingratitud deleznable no tienen edad. Son impunemente vigentes. ¿Algún funcionario nomenclador con sentido común y vergüenza patriótica se acordará, en alguna calle de tantos barrios nuevos del Gran Resistencia, de nuestro Oscar Alemán, que honra al Chaco en el mundo? La memoria es la madre del recuerdo.
Miguel Angel Espinoza, tal su verdadero nombre, nació en Buenos Aires en la década de 1940. Los datos autobiográficos de Heleno no son muchos y no se obtienen con facilidad.
Fue "descubierto" por Luis Formento y Luis Pedro Tony cuando cantaba en boliches de la provincia bonaerense.
Sus inicios como cantante los hizo con el seudónimo de Dario Coty en los años 60 donde grabó temas como “Esa Condena”, “Soy tan Feliz”, “Siguiendo tus Pasos”, “Aquel Romance”, “Buenas Noches, mi Bien”, “Triste Despertar”, “En el Cohete Lunar”, “Un Día de Amor”, “Bonita y Coqueta”, “Luna de Verano”, “Corazón de Luto”, “Más que Divina”.
En el año 1971 con los arreglos del maestro Horacio Malvicino dotado de un gran carisma y una simpatía especial, decide raparse el cabello y marcar un estilo propio con canciones como Joven y Bonita, Regresa Pronto y sus grandes éxitos La Chica de la Boutique y No son palabritas.
Heleno realizó giras por casi todos los países latinoamericanos y se le conoció por su característica cabeza rapada al estilo de Kojak (El famoso detective de la chupeta en la boca de la serie de televisión norteamericana), que era la forma de identificarlo o su manera de escoger lo que mejor lo identificaba como cantante, ya que en esas décadas no estaba de moda el corte de referencia.
Hoy es conductor de programas de radio y sigue actuando en diversas ocasiones.
Vivir un especial de medianoche no lo vive cualquiera. Sólo se logra cuando un grande está sobre el escenario y eso es lo que se sintió en el Luna Park con la presencia de John Fogerty.
El hombre se puso su camisa leñadora, su jean negro, tomó su guitarra y subió al podio, ese donde están los artistas con mayúsculas. Él, el alma de Creedence Clearwater Revival, es uno de ellos. Y la música de su banda, el country rock de los chicos de flequillo, marcó una época y sigue sonando en las radios como la primera vez.
La noche comenzó con “Hey Tonight”, anunciando que iba a ser inolvidable. Su público lo esperaba ansioso. Era la primera vez que pisaba suelo argentino. Impactaba ver gente de todas las edades. Desde chicos, adolescentes y aquellos viejitos piolas que no iban a perderse de estar frente al ídolo de su juventud.
Con los pies golpeando el suelo al ritmo de cada canción, se fueron sucediendo las melodías de Creedence: “Green River”, “Who'll Stop The Rain”, “Suzie Q”, “Lookin' Out My Back Door”, “Lodi”, “Born On The Bayou” y “The Midnight special”.
Parecía que el Luna quedaba en el Lejano Oeste. Y sí, allí estaba el maestro con su decenas de guitarras a las que hizo llorar de emoción mientras lograba hacer bailar a un estadio colmado de generaciones. “Ustedes son hermosos”, decía a un público eufórico que no paraba de aplaudir.
¡Más country rock, Sr. Fogerty! Cumpliendo pedidos, así llegaron “Searchlight”, “Jambalaya”, “Cotton fields”, “Blue Moon Nights” y “Fortunate son”.
Párrafo aparte merece la canción más cantaba de la noche, donde las gargantas sonaron a unísono como en un estadio de fútbol. Era “Have your ever seen the rain”, quizá la mejor o una de las mejores composiciones del músico.
En este primer show en nuestro país, que desde hace décadas tiene un pedacito de alma Creedence, Fogerty se dio el lujo de homenajear a dos grandes. Interpretó una bella versión de “Oh pretty woman” de Roy Orbison y “Good golly miss molly” de Little Richards. También cantó su repertorio como "Don't You Wish It Was True" . Pero rápidamente, volvieron las canciones de su ex banda: “I Put A Spell On You”, “Down on the corner” y “Bad moon rising”.
El hombre del country se lució con grandes solos durante su show y la gente fue testigo agradecida de su talento. “Hace lo que quiere con la guitarra”, decían las voces al salir del estado. Claro que no estaba solo en escena. Grandes músicos lo acompañan en esta gira. El baterista Jay Bellerose, las guitarras de Buddy Miller y Hunter Perrin; Demis Crouch, David Santos y Chris Charey en bajos, el violín de Jimmy Stewart y los teclados de Anders Mouridsen.
Para el final de dos horas únicas, solo faltaban los bises. Entró y salió a escena varias veces al grito sagrado de “Fo-ger-ty, Fo-ger-ty” para interpretar “Rockin All Over The World”, “Proud Mary” y “Up around the bend”. Un revival a toda orquesta hizo cerrar el telón para una noche muy especial.
El jamaiquino más reconocido e influyente del escenario reggae mundial, falleció hace tres décadas, un 11 de mayo de 1981, convirtiéndose desde entonces en una mítica leyenda y en el referente máximo de ese género.
Nacido como Robert Nesta Marley Booker, un 6 de febrero de 1945, en una pequeña localidad de Jamaica, e hijo de un jamaiquino con ascendencia inglesa, difundió la música de su país natal en todo el mundo y logró convertirse en un verdadero mito.
Su incursión en la música se alternaba con su trabajo en una empresa de fundición y fue junto a su amigo Bunny Wailer y a Peter Tosh, a quien conoció en unas clases de canto, con los que formó entrados los años 60, la referencial banda The Wailers.
Una década más tarde, Marley ya era un consagrado músico y los discos de la banda contenían grandes éxitos reconocidos en todo el mundo.
En esos años, el creador de emblemáticas canciones como “I shot the sheriff”, “No woman, no cry”, “Jamming”, "One love", "Is this love" y “Redemption song”, debió abandonar Jamaica por cuestiones políticas y se instaló en Inglaterra, donde grabó en el año 1977 el álbum “Exodus”, uno de los más importantes de su carrera y de la música reggae.
En 1978 volvió a Jamaica para el “One Love Peace Concert”, en un esfuerzo para frenar la violencia política y promover la reconciliación en ese país y luego recibió la Medalla de la Paz en la sede de Naciones Unidas, en Estados Unidos.
En 1980 la banda concluyó una importante gira por Europa, que incluyó un recital multitudinario en Milán, al que acudieron unos 100.000 espectadores y luego en Estados Unidos, ofrecieron dos conciertos en el Madison Square Garden.
Poco después, su salud empeoró y luchó durante meses contra la enfermedad terminal que lo aquejaba en una clínica de Alemania; hasta que en mayo de 1981, mientras era trasladado desde ese país a Jamaica, falleció en un hospital de Miami a los 36 años de edad.
Un mes antes le había sido otorgada la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento a su contribución a la cultura del país, pero el músico no pudo estar presente a la hora de la distinción.
Marley tuvo una controvertida vida amorosa, se casó en 1966 con la cantante Alpharita Constantia Marley Anderson, conocida como Rita Marley, con quien tuvo tres hijos, entre ellos, el también músico David “Ziggy” Marley, además, adoptó dos hijos de Rita y tuvo otros nueve con distintas mujeres.
El músico, compositor y guitarrista fue también reconocido por ser un miembro activo, difundir y reflejar en su música al movimiento Rastafari y por sus letras de un gran compromiso político y social.
El álbum “Legend”, una importante recopilación de sus grandes éxitos que salió a la venta en 1984, es el álbum de reggae más vendido de todos los tiempos.
Marley trascendió a las distintas generaciones y clases a través de su particular mística, de su carisma, de su calidez y de un discurso desafiante y comprometido que lo convirtió en un artista atemporal y universal.
Neil Sedaka nació en Brooklyn el 13 de marzo de 1939. Es un cantante pop, pianista y compositor frecuentemente asociado a The Brill Building. Trabajó con Howard Greenfield para escribir muchas canciones que fueron éxitos para él mismo y para otros artistas. El registro de Sedaka se considera de tenor.
Sedaka nació de un padre inmigrante con raíces judío sefardís túrquicas y de una madre con ancestros judío askenazís. Comenzó a tocar el piano durante la juventud en una estación de radio de música clásica mientras estaba en la Juilliard School. También empezó a experimentar con el doo wop y la música de rock and roll, cantando e interpretando una vieja versión de The Tokens. Su composición Stupid Cupid fue un éxito de 1958 en la voz de Connie Francis, y Sedaka fue contratado por la RCA Records como interprete solista.
Una cadena de éxitos le seguiría, al finalizar 1963.
Los bien conocidos éxitos del Billboard Hot 100 —de sus inicios como cantante— son los temas Oh! Carol (#9 de 1959), Calendar Girl (La chica del calendario, #4 de 1960), Happy Birthday Sweet Sixteen (Feliz cumpleaños, dulces dieciséis, #6 en 1961) y Breaking Up Is Hard to Do (‘es difícil romper’, o ‘es difícil decir adiós’, #1 en 1962). Oh! Carol es una canción que hace referencia a la novia de Sedaka de aquel entonces, su compañera de clase, la compositora Carole King. Pronto ella le correspondió con la canción Oh! Neil, la cual hace referencia al tema de Sedaka y a su nombre. Existe un vídeo en formato 16 mm (llamado Scopitone) para Calendar Girl
Entre 1960 y 1962, Sedaka tuvo 8 temas dentro del Top 40 pero se vio entre los intérpretes quienes vieron sus carreras asediadas por la «invasión británica» y otros cambios de rumbo en la industria musical. Sus sencillos comenzaron a declinar en las listas de popularidad, antes de desaparecer por completo.
En 1973, Sedaka ayudó al grupo ABBA con la letra en inglés de la canción Ring-Ring para el concurso en Eurovisión. Comenzó a trabajar en Inglaterra al lado de Elton John, quien lo contrató para su sello Rocket Records. Siguiendo una década de larga sequía, Sedaka regresó a la atención del público, con Laughter in the rain y Bad blood. Elton John participó en los coros de esta última. Sedaka y Greenfield también coescribieron Love will keep us togheter un éxito #1 de The Captain and Tennille y el mejor disco vendido de 1975. La canción, si es escuchada cuidadosamente, revela el texto «Sedaka is back» (Sedaka regresó) en la coda, cantada por los coros de fondo.
Fue con estos temas, que Sedaka hizo un retorno positivo al escenario, que lo convirtió en una historia de regreso exitoso. Sherwin Bash (representante de The Carpenters) eligió a Sedaka para abrir las actuaciones de la pareja de hermanos. Según la biografía Carpenters: the untold story (Carpenters: la historia no contada) de Ray Coleman, Richard Carpenter ordenó el despido de Sedaka, lo que resultó en un contragolpe de los medios contra los Carpenters después de que Sedaka anunciara públicamente que estaba fuera de la gira. Richard Carpenter dio el alegato de que ordenó el despido de Sedaka porque «les estaba robando el show», manifestando que ellos estaban orgullosos del éxito de Sedaka. Sin embargo, Sherwin Bash fue despedido.
En 1976, Sedaka grabó una nueva versión de Breaking up is hard to do. La versión original exitosa de 1962 era más rápida y más juvenil, pero el remake era más lento y con cierto estilo evocando al jazz centrando sus arreglos en el piano. Esta nueva versión alcanzó el #8 de las listas de popularidad, convirtiéndose en el segundo artista en llegar a las listas de popularidad de manera exitosa dos veces con un mismo tema en versiones diferentes. The Ventures habían tenido éxito en 1960 y en 1964 con dos grabaciones distintas de Walk don't run (‘camina, no corras’). Coincidentemente el jefe de la disquera de Sedaka, Elton John poco después lograría la proeza dos veces también con Don’t let the sun go down on me (1991) y Candle in the wind. De acuerdo con el libro Billboard 40 op Hits, la versión original de Candle in the wind no llegó a los Top 40)
La segunda versión de Sedaka para Breaking up is hard to do clasificó alto en las listas de popularidad Adult Contemporary. El mismo año Elvis Presley grabo la canción de Sedaka Solitaire, en 1980 tuvo un éxito posicionado como #19 llamado Should never let you go, el cual grabó con su hija Dara.
También es el compositor del popular Is this the way to Amarillo una canción que escribió para el británico Tony Christie. Logró el #18 de las listas del Reino Unido pero llegó al #1 cuando fue relanzado en el 2005, gracias a un vídeo lleno de cameos estelarizado por Peter Kay. Sedaka grabó el mismo tema en 1977, cuando fue un éxito con la posición #44. En abril de 2006 durante un concierto en el Royal Albert Hall (en Londres), Sedaka fue presentado con un galardón del Libro de los Récords Guinness como autor del éxito más vendido del siglo 21 por su tema Amarillo.
Sedaka sigue cantando regularmente. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en octubre de 2006 fue introducido al Salón de la Fama de Long Island.
Beto Orlando , su verdadero nombre Alberto Orlando Otero, nació el día 04 de Septiembre de 1946, en la ciudad de Las Flores, ciudad del interior de la Provincia de Buenos Aires, bajo el signo de virgo. A los 7 años se traslado con sus padres a la ciudad de la Plata donde reside actualmente.
Su padre, Francisco Otero, músico amateur, y su madre, Maria Delgado, ama de casa, hijo menor de 5 hermanos. Desde muy chico se intereso por la música acompañándose con su guitarra cantando en las escuelas y en distintos lugares. A los 18 años forma parte de un conjunto folklórico llamado Los Labradores, con los cuales actuó en distintos escenarios del país.
Con el correr del tiempo se interesó por la música romántica tratando de imitar a su ídolo del momento Yaco Monti. Luego formó el grupo Los 4 Soles, con el que recorrió distintas ciudades de la Argentina. En Febrero de 1971 actuando en el Club Estudiantes de La Plata lo descubre un representante muy reconocido en el ambiente artístico y se interesó por su estilo de vos y por el grupo, ofreciendo grabar su primer simple que se llamó No me des tu adiós mi amor , en carrera muy ascendente desde el comienzo Beto orlando y Los 4 Soles vendieron para la compañía EMI la suma de 100 mil unidades de su segundo éxito que se llamo Dios del Olvido por el cual recibieron su primer Disco de Oro .
En Marzo de 1973 le ofrecen grabar como solista su primer álbum que se llamó Solamente Beto Orlando . Interviene en ese entonces en el Festival de la Canción en la República Oriental de Uruguay consiguiendo el primer puesto con el tema Si Te Ofendí, Perdóname . El mismo año viaja a España para grabar un álbum llamado El Triunfador , fue grabado en Barcelona con la dirección del maestro Alfredo Doménech. A partir de ese año continuó trabajando en distintos países de habla hispana como solista hasta la actualidad. En la actualidad esta presentando su último álbum, El Romántico de Siempre y en su show personal presenta a su hijo Sebastián Otero con el cual comparten el escenario y un Álbum llamado Herencia Romántica con un gran éxito en público y en venta de disco. Beto Orlando agradece a Dios, a su Familia y su público por sus 36 años con la música.
A la edad de 21 años, en 1965, se casó con el cantante francés de rock Johnny Hallyday. Juntos tuvieron un hijo, David Hallyday, que siguiendo la tradición familiar también se ha hecho cantante. Johnny Hallyday y Sylvie Vartan fueron la "pareja de moda" de su generación en Francia, atrayendo constantemente la atención de la prensa rosa. Johnny y Sylvie se divorciaron en 1980. Ella luego se volvió a casar; esta vez con el empresario discográfico americano Tony Scotti.
