Hoy...Luigi Tenco

Cantautor y poeta italiano (Cassine, (provincia de Alessandria, Italia), nació el 21 de marzo de 1938 y murió en San Remo, en la provincia de Imperia (Italia) el 27 de enero de 1967.

Pasó sus primeros años de infancia entre Cassine y Ricaldone, ambas localidades en la provincia de Alessandria hasta que, en 1948 la familia se mudó a la Liguria, primeramente a Nervi y después a Génova, donde la madre abrió un negocio de vinos.

Eligió primero el Bachillerato de Letras, para posteriormente cambiarse al de Ciencias. Durante sus estudios de secundaria creó un grupo musical, la Jery Roll Morton Boys Jazz Band, en la que tocaba el clarinente. Posteriormente creó el grupo I Diavoli del Rock, junto con Gino Paoli Se matriculó en la Facultad de Ingeniería, que dejó para pasar a la de Ciencias Políticas. En este periodo entró a formar parte del Modern Jazz Group de Mario de Sanctis. Fundó también un trío, bautizado jocosamente como el Trío Garibaldi junto a Marcello Minerbi y Luigi Coppola, que duró solamente una veintena de días.

Su debut discográfico fue con el grupo I Cavalieri, junto a Gianfranco Reverberi, Paolo Tomelleri, Enzo Jannacci y Nando de Luca. El grupo grabó el "45 revoluciones" (por la tecnología de velocidad de grabación a 45 rpm) titulado Mai, al que siguió Mi chiedi solo amore. En este periodo adoptó el seudónimo Gigi Mai.

En 1961 grabó su primer disco en solitario, con su nombre auténtico, titulado Quando. En 1962 tuvo una pequeña experiencia cinematográfica con el filme La Cuccagna, de L. Salce, donde colaboró con Fabrizio de André en la banda sonora. El primer "33 rpm" de Luigi Tenco apareció aquel año, con éxitos como Mi sono innamorato di te y Angela, y también Cara maestra, que no fue aceptada por la Comisión para la Censura.
En 1963 se rompe su amistad con Gino Paoli, a causa de la relación de éste con Stefania Sandrelli. En septiembre de ese año sus canciones Io si y Una brava ragazza fueron también rechazadas por la censura.

En 1965, después de varias prórrogas, se incorporó al servicio militar, buena parte del cual pasó en diversos hospitales.
En 1966 firma un contrato con la RCA y graba Un giorno dopo l'altro, que se convierte en música de la serie de televisión Il commissario Maigret. Otros sucesos de la época son Lontano lontano, Uno di questi giorni ti sposerò, E se ci diranno y Ognuno è libero.

Conoce en Roma a la cantante ítalo-francesa Dalida, con la que vivirá, según algunas fuentes francesas, una historia de amor. No obstante, su verdadera relación con Dalida es muy discutida. Según algunas fuentes italianos (http://luigi-tenco.tripod.com/frames/welcome14.htm) esta relación no fue nada más que una relación de trabajo y su verdadero amor fue Valeria.

En 1967 se presentó al festival de Sanremo con la canción Ciao amore ciao, pero la canción no fue admitida por la comisión del festival. Rechazada también en la repesca, el cantante cayó en la desolación. Se encerró en su habitación del hotel Savoy y se suicidó de un disparo en la cabeza.

Las verdaderas razones de su suicidio son desconocidas y, quizás no se sepan nunca. Pero parece que una de las razones probables fueron sus relaciones "difíciles" con Valeria (otra razón a menudo mencionada era su fracaso en el festival de San Remo). Después de su muerte, en una de las entrevistas Dalida dijo: "Es una pantalla que ahora quieren tender. Quieren crear una imagen del ídolo que no soporta el fracaso y se mata. La verdad es muy otra. Creo que la verdad de esta muerte injusta la saben Dios y esa muchacha que no supo cuan enamorado estaba Luigi de ella." (http://luigi-tenco.tripod.com/frames/welcome14.htm)

Por otro lado, de las cartas de Luigi a Valeria: "Ho tentato in tutti i modi, ho passato delle notti intere (aspetta un attimo!) a bere, a cercare di farle capire chi sono, cosa voglio, e poi... ho finito col parlarle di te, di quanto ti amo". (Se trataba de "fare capire" a Dalida).

Años después de su muerte, se creó en su pueblo natal, el Club Tenco, en su memoria, que preserva su legado y su vida, y hoy se celebra un festival anual de la canción italiana en dialectos, que lleva su nombre.

Fuente: Wikipedia

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Bing Crosby, el genio olvidado

En octubre de 1977, moría en Madrid a causa de una insuficiencia cardíaca el actor y cantante norteamericano Bing Crosby, a los 73 años de edad. Atrás quedaba una carrera repleta de éxitos y de fortuna, tanto en el cine como en la música.

Hoy, teniendo en cuenta que casi nadie le recuerda, me propongo hacer una breve reseña de su vida.

Harry Lillis Crosby nació en Tacoma (Washington), en 1904. Empezó estudios de derecho, que poco a poco fue dejando debido a sus aficiones musicales. Su apodo de "Bing" fue debido a que un personaje de cómic al que a él gustaba mucho, parecía una caricatura de su persona.

Después de ser baterista y cantante de orquestas de baile, debutó en el cine en el film "El rey del jazz", en 1930. A partir de aquí empezaría su carrera hacia el éxito y la fortuna. Firmó un contrato casi vitalicio con la Paramount Pictures, estudios con los cuales realizó casi todas sus películas. Por si fuera poco, sus discos y canciones causaban verdadero furor en la época.
Nunca fue un genio de la interpretación, y de hecho, la mayoría de los papeles que le daban estaban totalmente hechos a su medida y con miras a su lucimiento personal y a la difusión de sus discos. No por ello dejó de mostrar estimables aptitudes dramáticas, que le valieron en 1944 el Oscar al mejor actor por "Siguiendo mi camino", donde su papel del padre O'Malley le convirtió en el personaje más popular de Norteamérica. Sin embargo, él mismo reconoció que no era el mejor actor del año y que el premio se debía más que nada a la simpatía y popularidad de que gozaba.

Su cine se fundamentó en aquellos años en la comercialidad más absoluta, y buena muestra de ellos fue la serie "Road to..", inaugurada en 1940 con "Ruta de Singapur", y que le emparejó con el cómico Bob Hope y la exuberante Dorothy Lamour. Se trataba de comedias optimistas que mezclaban amor, humor y música, que tuvieron gran aceptación por parte del público.

No fue hasta 1954 que Crosby hizo un papel de envergadura, el de un actor de teatro hundido en el alcoholismo, en el film "La angustia de vivir". Aunque el film es considerado menor, su interpretación es todavía recordada dentro de las películas que trataron esta temática.
Su carrera cinematográfica ya decaería a partir de entonces, siendo su último gran papel el de Dexter Haven, protagonista de "Alta sociedad" (1956).

En lo que respecta a su música, la canción que más éxito logró fue el villancico "White Christmas", que se dio a conocer en el film de Mark Sandrich "Holiday Inn", y que fue compuesto por Irving Berlin. Otras grandes canciones suyas fueron "True love", "Pennies from heaven", "Temptation", "Accentuate the positive", "Silent Night", "Swinging on a star", y un largo etcétera.

Su voz jamás ha podido ser igualada (menos aún superada); muy bella a los oídos, y al mismo tiempo de potente volumen, originó un estilo imitado por Frank Sinatra o Dean Martin, los cuales siempre consideraron a Crosby un ídolo.

La contracrónica familiar

No todo fue fortuna y éxito en su vida. A poco de fallecer, su hijo Gary publicaba una biografía despiadada de su padre, al que acusaba de ser inflexible, nada cariñoso y casi un sádico. De hecho, reconocía no haber sentido ninguna lástima el día de su muerte.

No se sabe, además, a que se debió en los años 80 el suicidio casi consecutivo de dos de sus hijos, curiosamente gemelos. Hay quien sostiene que fue consecuencia de la penosa educación que sufrieron en su infancia y adolescencia.

Bing Crosby se había casado en dos ocasiones; en primeras nupcias, con Dixie Lee, y en segundas con Kathyrn, ambas actrices poco conocidas. Del primer matrimonio tuvo cuatros hijos, todos varones, incluyendo dos gemelos, Denis y Lindsay.

El primer matrimonio se truncó por la muerte de Dixie víctima de un cáncer de ovarios. Gary acusó a su padre de haberse ido a rodar una película a París, estando su madre en fase terminal.
Bing y Dixie Su segundo matrimonio, con el que tuvo dos hijos y una hija, parece ser que fue más avenido; su viuda, no ha compartido la visión de su hijastro, que pintaba la vida en la casa como un auténtico infierno.

Para acabar, y como datos anecdóticos, decir que su hija Mary Crosby ha intervenido en la serie "Dallas" y que su nieta Dennis protagonizó la serie "Star Trek" y algún film de cierto renombre, como "El cementerio viviente", basado en el original de Stephen King.

Fuente: cine-filia.iespana.es

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Bobby Solo

Bobby Solo cuyo nombre real es Roberto Ratti, nace en Roma, Italia, un 18 de marzo de 1945. Es un cantante italiano que cultiva el género de la música romántica, pop. Bobby es considerado por muchos el "Elvis Presley" italiano, y esto es debido al parecido de su voz, al estilo de su peinado, y finalmente a la admiración que siempre supo tener por el Rey del Rock and Roll.

Debuta como cantante en el Festival de la canción de San Remo, en 1964, interpretando a la par, con Frankie Laine, el tema Una lacrima sul viso. Un año después resultará ganador de dicho festival con el tema Se piangi, se ridi (Si lloras, si ríes), que lo interpretará con el acompañamiento del célebre grupo juglar New Christy Minstrels.
En 1964 gana el Festivalbar (Italia), con la canción Credi a me.
En 1965 participa en el Eurofestival realizado en Nápoli, Italia, casificándose en el quinto puesto.
En 1969, vuelve a ganar en San Remo al interpretar a dúo el tema Zíngara (Gitana) con la cantante Iva Zanicchi.

Son múltiples sus participaciones en el Festival de San Remo (que se realiza anualmente en Italia desde el año 1951), a saber:
1964 Una lacrima sul viso - junto a Frankie Laine. 1965 Se piangi se ridi - con a New Christy Minstrels. 1966 Questa volta - junto a The Yardbirds. 1967 Canta ragazzina - junto a Connie Francis. 1969 Zíngara - a dúo con Iva Zanicchi. 1970 Romántico blues - a dúo con Gigliola Cinquetti. 1972 Rimpianto 1980 Gelosia 1981 Non posso perderti 1982 Tu stai 1984 Ancora ti vorrei 2003 Non si cresce mai a dúo con Little Tony. Entre otros tantos de sus sucesos, se recuerdan: San Francisco (1967), versión italiana del homónimo tema, interpretado por Scott McKenzie; Non c'è più niente da fare (1966); Siesta (1967); Doménica d'agosto (1969); Una granita di limone (1968).

En los años '80, junto a Rosanna Fratello y Little Tony, forma el grupo I Robot, con el cual logran un respetable suceso, presentándose, así también, en San Remo.

Bobby Solo ha tenido una notable repercusión dentro de los mercados alemán, francés, y español, habiendo grabado sus canciones de mayor suceso, en los idiomas mencionados, con muy importante número de copias vendidas.

En 1989 surge vencedor con Una lacrima sul viso en la transmisión músical denominada C'era una volta il festival.

Alguna curiosidad

Durante la edición 1964 del Festival de San Remo, Bobby Solo tiene, de improviso, un impedimento en su voz por causa de un ataque de pánico escénico, lo que no le permitió cantar el tema Una lacrima sul viso en forma directa. Fue entonces donde se debió realizar, tal vez, uno de los primeros playback de la historia, situación que no estaba bien vista por el público. A causa de ello, en la actualidad, esta práctica está prohibida durante la realización del mencionado festival. Este contratiempo le impidió a Bobby la victoria en el festival, pero sirvió como una especie de indemnización para los años siguientes, en donde el desempeño del cantante llegó a grandes niveles de atracción. Respecto a este episodio, mucha gente, pensó que podría haberse tratado de una maniobra publicitaria para promover la venta del disco, cuya grabación era de una calidad superlativa.

Roberto Satti, alias Bobby Solo, es llamado por los italianos el "Elvis Presley di casa nostra".
En las elecciones políticas del año 2006 se presentó como candidato, por el partido UDEUR, a cubrir un cargo en la Cámara de Diputados, pero no terminó electo. No obstante ello, el día de la toma de posesión del cargo de Faustus Bertinotti como presidente de la cámara, se presenta dicho acto -por requerimiento del representante de su partido Clemente Mastella- y lo hace no pudiendo ocultar "Una lacrima sul viso", que se presenta como una casual paradoja del destino.

Fuente: Wikipedia

Publica: Guillermo Reyna Allan

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The Shocking Blue

Banda holandesa de Rock, formada en 1967 en La Haya (Holanda). Fundada por Robbie Van Leeuwen, Ferd De Wilde, Klassje Van Der Wal & Cornelious Van Der Beek, después Fred de Wilde sería reemplazado por la cantante alemana Mariska Veres, la cual fue comparada con Grace Slick (Jefferson Airplane), por su potente voz.

Se reunieron en 1967 y ese mismo año grabaron su primer sencillo "Love is in the Air", el cual no tuvo éxito. Fue en 1968 cuando grabaron "Lucy Brown is Back in Town" que se dieron a conocer, alcanzando el puesto 21 de popularidad en Holanda. En este mismo año Fred de Wilde es reemplazado por Mariska Veres como vocalista principal.

Fue en 1969 cuando el sencillo "Venus" los elevo a la fama alrededor del mundo alcanzando el #1 de Billboard Hot 100 en Estados Unidos.

En 1970 tuvieron dos hits más: "Mighty Joe" y "Never Marry a Railroad Man" (flip-side "Roll Engine Roll"). En 1971 llegó "Hello Darkness", "Shocking You" and "Blossom Lady". En 1972 "Inkpot", "Out of Sight Out of Mind" y "Eve and the Apple", y en 1973 "Rock In The Sea". Ninguno de estos sencillos tuvieron éxito en Estados Unidos.

En 1974 la vocalista Mariska Veres deja el grupo para iniciar una carrera como solista. Su único éxito fue "Take Me High" en 1975. En los 90, Veres formó un grupo llamado Shocking Blue banner, con el permiso de los integrantes de Shocking Blue.

El 2 de diciembre de 2006, Australian Broadcasting Corporation informó que Mariska Veres había fallecido a los 59 años a causa de cáncer.

Fuente: Wikipedia
Publica: Guillermo Reyna Allan

Trio Los Panchos

Hay un sonido que es sinónimo de intimidad de pasión de amor, sus compases se mueven al ritmo del corazón, su nombre.., “BOLERO”. El encierra sentimientos tan hermosos como decir “ Te quiero” o desgarradores como “Nunca Jamás”. No hay habitante de este planeta que no haya escuchado hablar de un Bolero, otra forma de nombrarlo es decir “Los Panchos”.

Quizás ignoremos su origen, pero definitivamente sabemos que ellos son parte importante de nuestro sentir. Si queremos identificar a ambos en un solo artista, como expresión misma del “Bolero y de Los Panchos”, diremos “Rafael Basurto Lara”, “La ultima Voz de Los Panchos”

Pequeño de estatura pero grande en su capacidad interpretativa, es leyenda viva de la agrupación, por ser la ultima voz original de Los Panchos, que continua cantando, como ultimo bastión de una época inolvidable e irrepetible, que vive y vivirá en este nuevo milenio.
Cuando en 1976 ingreso al Trío Los Panchos, jamás imagino que sobre él recaería la tremenda responsabilidad de trasmitir a las nuevas generaciones, el mensaje de amor que como legado han dejado todos los integrantes del “Trío Los Panchos” por ello es Rafael Basurto Lara quien a través de esta pagina nos cuenta la historia de su agrupación para mantener viva la historia para las nuevas generaciones.
...”Sin un amor la vida no se llama vidaSin un amor le falta fuerza al corazón”...
El bolero la música que inspira al amor, parecía destinado, en un principio, para voces solistas hasta que un 14 de mayo de 1944 en el Teatro Hispano de New York, dos Mexicanos, Chucho Navarro y Alfredo Gil, y un Puertorriqueño, Hernando Aviles Negron, lo sintieron e interpretaron de una forma diferente, a tres voces, guitarras y con la incorporación del requinto. El éxito no se hizo esperar y el grupo logro poco a poco fama bajo el seudónimo del “Trío Los Panchos”

En 1945, época de la segunda guerra mundial, tuvieron un receso forzoso ya que dos de sus integrantes, Alfredo Gil y Chucho Navarro, fueron voluntarios del ejercito Estadouidense, afortunadamente la guerra finalizo a fin de ese año, y el trío pudo retomar sus actividades.

Entre 1946 a 1948 cantaron en la cadena de las América, Onda Corta y a intervalos en 1946 en la Radio City Music Hall. A partir de 1946 realizaron sus primeras giras internacionales. Primero a Venezuela y Puerto Rico. En 1948 viajan a Brasil en una gira que duro varios meses. Al regresar sus discos estaban sonando fuerte en Cuba, Puerto Rico, Santo Domingo, Norte de México y Sur de los Estados Unidos.No hay duda que uno de los factores indiscutibles de su éxito, además de su magnetismo artístico y calidad vocal, fue el apoyo de la comunidad latina radicada en New York, especialmente la Puertorriqueña y Dominicana

Tras este triunfo se trasladaron, en 1948 a México, fue un paso muy importante en su carrera ya que por ese entonces México era la capital absoluta de la música latina, pero los recibieron con los brazos abiertos, la emisora XEW (por ese entonces la mas importante) les dio un espacio patrocinado por Nestle, al tiempo que realizaron presentaciones en diferentes centros nocturnos de categoría, como “El Patio” entre otros, con esta formula llegaron a captar el corazón de los Mexicanos.
Hacia 1951 comenzaron una gira internacional por el Caribe, Centro y Sudamérica, Panamá, Guatemala, Cuba, Puerto Rico, Santo Domingo, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú, Argentina y Chile.
En 1951, en pleno éxito, la agrupación enfrento su primera crisis, esto sucedió en Bolivia, motivada por el difícil carácter del Alfredo Gil, lo que marco, tras una acalorada discusión el alejamiento de la primera voz Hernando Aviles.

Superada esta primera etapa, siguen su trayectoria exitosa por el mundo, abriendo mercados, y cosechando éxitos, pero curiosamente México quedo detenido en el recuerdo, ya que para ellos la época de oro se detuvo con Hernando Aviles, quien hasta la fecha se lo reconoce como la “Época de Oro de Los Panchos”

Definitivamente la aparición del TRIO marco un antes y un después en la historia de nuestra música hispanoamericana, porque el espíritu bohemio y viajero del grupo, en todas sus épocas, los llevo a cantar a lo largo de toda su historia, en los cinco continentes e imponer en el gusto del publico, nuestro sentir hecho canción.

“Trío LOS PANCHOS”, es mucho más que la suma de tres voces, o la mejor agrupación de voces y guitarras de todos los tiempo, ellos han sido los mejores Embajadores de nuestras raíces culturales en el mundo.
Su historia es la punta de lanza que abrió los mercados internacionales para los latinos; forjaron un sendero por el cuál hoy transitan todos los artistas de habla hispana.

Es la única agrupación que ha conmovido al mundo entero, en una época que no se contaba con los medios de comunicación de hoy en día; sólo el talento y sentimiento que brotaba de sus corazones, logró imponerse en países con culturas tan diferentes como el Chino el Ruso y Japonés, entre otros.

Su estilo personal está tan ligado a la memoria histórica del mundo el que los recuerda con frases como...
“ La Trilogía Perfecta de América”“ Embajadores de la Canción Romántica en el Mundo”“ Eternos Trovadores”“ Ciudadanos del Mundo”
Ellos son parte de la historia contemporánea y nuestra obligación es conocerla, porque también es la nuestra, no importa que nacionalidad tengamos, ellos nos han demostrado su cariño y respeto por todas nuestras raíces, las tomaron como propias, cantaron desde un Tango Rioplatense a una Cumbia Colombiana, El Trío Los Panchos ha grabado para todos los habitantes de este planeta y es nuestro deber protegerlos como lo que son....
“Patrimonio Cultural Latinoamericano”

La historia de la agrupación se divide en diez épocas diferentes, 7 como “TRIO LOS PANCHOS”; Una como “ LOS PANCHOS” y la ultima como “LA VOZ DE LOS PANCHOS” . Cada una lleva el sello característico e irrepetible de sus siete primeras voces, con un estilo personal que les permitió penetrar en diferentes mercados del mundo, pero todas sin excepción fueron coronadas con éxitos y mantener la agrupación vigente en el gusto del publico.
Fechas 1ra. Voz 2da. Voz Requinto TRIO LOS PANCHOS 1944 a 1951 Hernando Aviles Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1951 a 1952 Raúl Shaw Moreno Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1952 a 1956 Julio Rodríguez Reyes Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1956 a 1958 Hernando Aviles Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1958 a 1968 Johnny Albino Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1968 a 1972 Enrique Cáceres Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1972 a 1976 Ovidio Hernández Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1976 a 1981 Rafael Basurto Lara Chucho Navarro Alfredo Gil LOS PANCHOS 1981 a 1993 Rafael Basurto Lara Chucho Navarro LA VOZ DE LOS PANCHOS 1993 al presente Rafael Basurto Lara

(* Durante 1971 el Trío realizo la transición de sus primeras voces mediante presentaciones con las dos primeras, Enrique Cáceres y Ovidio Hernández)
El trío Los Panchos intervinieron aproximadamente en 20 películas, a lo largo de su trayectoria.

En 1981 con el retiro de Alfredo Gil sé cerro el ciclo del “ Trío Los Panchos”, el anuncio se hizo a través de una gira por América, que se llamo “Hasta Siempre”, en Venezuela realizaron un especial de televisión dónde Alfredo Gil y Chucho Navarro anunciaron su retiro y la continuación de Rafael Basurto Lara como la voz encargada de la continuación, recordando siempre al “Trío Los Panchos”. Definitivamente la ultima formación del “Trío Los Panchos” estuvo conformada por Alfredo Gil, Chucho “Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara”
Pero al poco tiempo, Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara decidieron continuar, como “LOS PANCHOS” esta pequeña sutileza era el respeto por el alejamiento de Alfredo Gil, compañero y maestro creador del requinto, porque por muy bueno que fuera el músico que designaran jamás ocuparía el lugar del creador. Varios fueron los requintos que acompañaron a “Los Panchos” entre ellos podemos citar a los Mexicanos Willy Fonseca, Lalo Ayala, José Luis Sánchez Camacho, y Gabriel Vargas.

La desaparición física de Chucho Navarro a dejado sólo, históricamente hablando, a la última 1ra. Voz del “Trío, Rafael Basurto Lara” quien se mantiene activo, grabando y realizando presentaciones por el mundo, ....“ya no como “LOS PANCHOS” porque nadie puede reemplazar a nadie y mucho menos a un creador como mi compañero Alfredo Gil, o a mi compañero Chucho Navarro. En sus presentaciones lo acompañan Baltasar Sánchez Vargas o José Luis Sánchez Camacho quienes han estado ligados al Trío Los Panchos, realizando grabaciones como músicos, por mas de 40 años; o bien en otras por un trío, tal como le había vaticinado Alfredo Gil

Hay un dato importante, en 1980, entre los tres integrantes del trío se hizo un pacto de honor donde quedo estipulado que retirado Alfredo, continuarían como Los Panchos, no como Trío, y que retirado Chucho Basurto seguiría como La Voz, y eso es lo que el pretende, honrar su palabra y decir yo soy “La ultima Voz de Los Panchos”....

Lo cierto es que la historia de la agrupación mas importante del mercado hispano parlante, esta escrita todos ellos son parte fundamental de la misma, todos son “Originales” porque ellos han hecho la historia del “Trío Los Panchos”.

Fuente: lospanchos.com

Publica: Guillermo Reyna Allan

Luis Aguilé

Luis María Aguilera Picca nació en Buenos Aires el 24 de Febrero de 1936. Desde muy joven se destacó como cantante, y mientras trabajaba en la Casa Central del Banco de la Provincia de Buenos Aires se dedicaba a animar fiestas familiares y reuniones. Consiguió su primer contrato profesional en la "Maison Doré", lujoso salón de fiestas porteño; poco después abandonó su empleo bancario y comenzó a trabajar en radio.

En Mayo de 1956 se presentó en televisión, en el show 'Music-Hall'. Logró un gran suceso, que le valió un contrato con Odeón, y a fines del mismo mes registró su primer disco, un 78 rpm con "El Preso Número Nueve" y "Tu Recuerdo", acompañado por Angel 'Pocho' Gatti y su conjunto. Su primer LP, llamado simplemente "Luis Aguilé", de 25 cm y diez temas, incluyó "Gigí", "Linda Nena", "Mujer Tejedora", "Tiro Liro Liro", "Pancho López", "Qué Será Será", "Luna Bonita", "Luna Azul" y "El Alegre Silbador".

El segundo LP, "Canta la Juventud de América", de 30 cm. y doce temas, estuvo formado por temas grabados hasta mediados de 1958: "De Azul Pintado de Azul", "No me Dejes Nunca", "No me Abandones", "Pequeñísima Serenata", "Dime Algo Cariñoso", "Lulu (Sin Embargo)", "La Cinta Verde", "Llueve Afuera", "Domani", "Hay Una Mujer", "El Preso N° 9", "Queremos Minué". En 1959 apareció "Luis Aguilé, Vol. 3", con "Julia", "Regresa a Mí", "Bonita", "Venus", "Marina", "Amémonos Así", "Mira que Luna", "Llueve", "Pity Pity", "Para Siempre", "La Cancion que te Gusta a Tí", "Io". Este LP batió records de ventas en Argentina, y fue decisivo para el éxito internacional de Aguilé, que comenzó a ser requerido para giras por toda Sudamérica, México, Cuba, Costa Rica y España, donde ocho de las canciones aparecieron en dos EP en 1960. Este mismo año Luis grabó el primer tema de su autoría, "La Balanza", incluido en el LP "Luis Aguilé, Vol. 4" junto con otros éxitos como "Yo Sé" (de Maysa), "La Pachanga, "Al Claro de Luna", "Ay! Chabela", "Arrivederchi".

Después de un muy comentado y frustrado romance con Mariquita Gallegos, con quien protagonizó el film "La Chacota", Luis se radicó en España en 1963. Debutó en el Festival Para la Juventud de Barcelona, compartiendo el escenario con las grandes figuras de España: el Dúo Dinámico, Gelu, José Guardiola. Logró inmediatamente un gran éxito con "Dile". Después de grabar algunos LP para Odeón, firmó contrato con CBS a mediados de los 60. Desde entonces casi todos sus éxitos fueron temas propios: "Cuando Salí de Cuba", "Ven a mi Casa esta Navidad", "Miguel e Isabel", "Me Has Enseñado a Conocer lo que es Amor", "En el Amor", "El Frescales", "La Vida Pasa Felizmente". Como excepciones pueden mencionarse "Lo Importante es la Rosa", de Gilbert Bécaud, y "La Chatunga", compuesta por la valenciana Marisa Simo.

Establecido definitivamente en España, donde contrajo enlace en 1976 con Ana Rodríguez Ruiz, cuenta con casas en Madrid y Barcelona en las que reside según sus compromisos profesionales. Alterna su labor como autor e intérprete con más de setecientos temas grabados, con la producción de espectáculos musicales y la literatura, escribiendo cuentos infantiles y novelas.
Luis Aguilé ha sido siempre un artista de grandes cifras, un torbellino creador, y un genio a menudo desconocido. Él defiende como creaciones propias algunas de las 'modas' que luego han arrasado en los escenarios, e incluso afirma que la 'canción del verano' es criatura suya, pues él fue el padre de la primera de ellas, "Es una lata el trabajar"

¿Sabía usted que..?

Luis Aguilé tiene en su repertorio más de 700 canciones grabadas, de muchas de las cuales ni siquiera recuerda la letra.

Luis Aguilé comenzó siendo uno de los primeros cantantes de rock en español, trabajando en Buenos Aires con temas de influencia norteamericana.

A propósito de su fama de playboy, Luis Aguilé afirma haber estado con unas 300 mujeres.

Luis Aguilé es considerado (especialmente por sí mismo) como el inventor de la 'canción del verano'. "Es una lata el trabajar" fue la primera 'banda sonora oficial' del verano a nivel masivo en España.

Mucho antes que Peret, Luis Aguilé hacía pasar por detrás suyo su inseparable guitarra. Algunos de las recursos más repetidos en creaciones musicales del mismo corte son también suyos. Él puso de moda ese peculiar acento 'dandy-guiri' utilizado posteriormente por tantos grupos grupos españoles que simulaban un acento extranjero, o la inclusión en sus canciones de pequeños gritos del estilo '¡ep ep!', '¡hey!' o '¡came on boys..!'

La banda sonora de Aly McBeal es una versión actual de su hiperconocido tema "Dile".

En la actualidad compagina su labor artística con la promoción de nuevos talentos y la escritura de novelas y cuentos infantiles.

Recientemente ha publicado un libro sobre el problema de la droga.Esta faceta de escritor es una de sus más desconocidas; muchos de nuestros lectores se sorprenderán al conocer que ha sido dos veces finalista del Premio Planeta.

Fuentes: Rockolafree - El Chiringuito

Publica: Guillermo Reyna Allan

Una lágrima más por John...

Un año más...
¿Cuántos...? No importa.
Solo sabemos que él nos dejó su música, su talento. Por eso hoy amigos Cuevíferos dejemos caer una lágrima por John...



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