Trio Los Panchos

Hay un sonido que es sinónimo de intimidad de pasión de amor, sus compases se mueven al ritmo del corazón, su nombre.., “BOLERO”. El encierra sentimientos tan hermosos como decir “ Te quiero” o desgarradores como “Nunca Jamás”. No hay habitante de este planeta que no haya escuchado hablar de un Bolero, otra forma de nombrarlo es decir “Los Panchos”.

Quizás ignoremos su origen, pero definitivamente sabemos que ellos son parte importante de nuestro sentir. Si queremos identificar a ambos en un solo artista, como expresión misma del “Bolero y de Los Panchos”, diremos “Rafael Basurto Lara”, “La ultima Voz de Los Panchos”

Pequeño de estatura pero grande en su capacidad interpretativa, es leyenda viva de la agrupación, por ser la ultima voz original de Los Panchos, que continua cantando, como ultimo bastión de una época inolvidable e irrepetible, que vive y vivirá en este nuevo milenio.
Cuando en 1976 ingreso al Trío Los Panchos, jamás imagino que sobre él recaería la tremenda responsabilidad de trasmitir a las nuevas generaciones, el mensaje de amor que como legado han dejado todos los integrantes del “Trío Los Panchos” por ello es Rafael Basurto Lara quien a través de esta pagina nos cuenta la historia de su agrupación para mantener viva la historia para las nuevas generaciones.
...”Sin un amor la vida no se llama vidaSin un amor le falta fuerza al corazón”...
El bolero la música que inspira al amor, parecía destinado, en un principio, para voces solistas hasta que un 14 de mayo de 1944 en el Teatro Hispano de New York, dos Mexicanos, Chucho Navarro y Alfredo Gil, y un Puertorriqueño, Hernando Aviles Negron, lo sintieron e interpretaron de una forma diferente, a tres voces, guitarras y con la incorporación del requinto. El éxito no se hizo esperar y el grupo logro poco a poco fama bajo el seudónimo del “Trío Los Panchos”

En 1945, época de la segunda guerra mundial, tuvieron un receso forzoso ya que dos de sus integrantes, Alfredo Gil y Chucho Navarro, fueron voluntarios del ejercito Estadouidense, afortunadamente la guerra finalizo a fin de ese año, y el trío pudo retomar sus actividades.

Entre 1946 a 1948 cantaron en la cadena de las América, Onda Corta y a intervalos en 1946 en la Radio City Music Hall. A partir de 1946 realizaron sus primeras giras internacionales. Primero a Venezuela y Puerto Rico. En 1948 viajan a Brasil en una gira que duro varios meses. Al regresar sus discos estaban sonando fuerte en Cuba, Puerto Rico, Santo Domingo, Norte de México y Sur de los Estados Unidos.No hay duda que uno de los factores indiscutibles de su éxito, además de su magnetismo artístico y calidad vocal, fue el apoyo de la comunidad latina radicada en New York, especialmente la Puertorriqueña y Dominicana

Tras este triunfo se trasladaron, en 1948 a México, fue un paso muy importante en su carrera ya que por ese entonces México era la capital absoluta de la música latina, pero los recibieron con los brazos abiertos, la emisora XEW (por ese entonces la mas importante) les dio un espacio patrocinado por Nestle, al tiempo que realizaron presentaciones en diferentes centros nocturnos de categoría, como “El Patio” entre otros, con esta formula llegaron a captar el corazón de los Mexicanos.
Hacia 1951 comenzaron una gira internacional por el Caribe, Centro y Sudamérica, Panamá, Guatemala, Cuba, Puerto Rico, Santo Domingo, Venezuela, Colombia, Ecuador, Perú, Argentina y Chile.
En 1951, en pleno éxito, la agrupación enfrento su primera crisis, esto sucedió en Bolivia, motivada por el difícil carácter del Alfredo Gil, lo que marco, tras una acalorada discusión el alejamiento de la primera voz Hernando Aviles.

Superada esta primera etapa, siguen su trayectoria exitosa por el mundo, abriendo mercados, y cosechando éxitos, pero curiosamente México quedo detenido en el recuerdo, ya que para ellos la época de oro se detuvo con Hernando Aviles, quien hasta la fecha se lo reconoce como la “Época de Oro de Los Panchos”

Definitivamente la aparición del TRIO marco un antes y un después en la historia de nuestra música hispanoamericana, porque el espíritu bohemio y viajero del grupo, en todas sus épocas, los llevo a cantar a lo largo de toda su historia, en los cinco continentes e imponer en el gusto del publico, nuestro sentir hecho canción.

“Trío LOS PANCHOS”, es mucho más que la suma de tres voces, o la mejor agrupación de voces y guitarras de todos los tiempo, ellos han sido los mejores Embajadores de nuestras raíces culturales en el mundo.
Su historia es la punta de lanza que abrió los mercados internacionales para los latinos; forjaron un sendero por el cuál hoy transitan todos los artistas de habla hispana.

Es la única agrupación que ha conmovido al mundo entero, en una época que no se contaba con los medios de comunicación de hoy en día; sólo el talento y sentimiento que brotaba de sus corazones, logró imponerse en países con culturas tan diferentes como el Chino el Ruso y Japonés, entre otros.

Su estilo personal está tan ligado a la memoria histórica del mundo el que los recuerda con frases como...
“ La Trilogía Perfecta de América”“ Embajadores de la Canción Romántica en el Mundo”“ Eternos Trovadores”“ Ciudadanos del Mundo”
Ellos son parte de la historia contemporánea y nuestra obligación es conocerla, porque también es la nuestra, no importa que nacionalidad tengamos, ellos nos han demostrado su cariño y respeto por todas nuestras raíces, las tomaron como propias, cantaron desde un Tango Rioplatense a una Cumbia Colombiana, El Trío Los Panchos ha grabado para todos los habitantes de este planeta y es nuestro deber protegerlos como lo que son....
“Patrimonio Cultural Latinoamericano”

La historia de la agrupación se divide en diez épocas diferentes, 7 como “TRIO LOS PANCHOS”; Una como “ LOS PANCHOS” y la ultima como “LA VOZ DE LOS PANCHOS” . Cada una lleva el sello característico e irrepetible de sus siete primeras voces, con un estilo personal que les permitió penetrar en diferentes mercados del mundo, pero todas sin excepción fueron coronadas con éxitos y mantener la agrupación vigente en el gusto del publico.
Fechas 1ra. Voz 2da. Voz Requinto TRIO LOS PANCHOS 1944 a 1951 Hernando Aviles Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1951 a 1952 Raúl Shaw Moreno Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1952 a 1956 Julio Rodríguez Reyes Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1956 a 1958 Hernando Aviles Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1958 a 1968 Johnny Albino Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1968 a 1972 Enrique Cáceres Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1972 a 1976 Ovidio Hernández Chucho Navarro Alfredo Gil TRIO LOS PANCHOS 1976 a 1981 Rafael Basurto Lara Chucho Navarro Alfredo Gil LOS PANCHOS 1981 a 1993 Rafael Basurto Lara Chucho Navarro LA VOZ DE LOS PANCHOS 1993 al presente Rafael Basurto Lara

(* Durante 1971 el Trío realizo la transición de sus primeras voces mediante presentaciones con las dos primeras, Enrique Cáceres y Ovidio Hernández)
El trío Los Panchos intervinieron aproximadamente en 20 películas, a lo largo de su trayectoria.

En 1981 con el retiro de Alfredo Gil sé cerro el ciclo del “ Trío Los Panchos”, el anuncio se hizo a través de una gira por América, que se llamo “Hasta Siempre”, en Venezuela realizaron un especial de televisión dónde Alfredo Gil y Chucho Navarro anunciaron su retiro y la continuación de Rafael Basurto Lara como la voz encargada de la continuación, recordando siempre al “Trío Los Panchos”. Definitivamente la ultima formación del “Trío Los Panchos” estuvo conformada por Alfredo Gil, Chucho “Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara”
Pero al poco tiempo, Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara decidieron continuar, como “LOS PANCHOS” esta pequeña sutileza era el respeto por el alejamiento de Alfredo Gil, compañero y maestro creador del requinto, porque por muy bueno que fuera el músico que designaran jamás ocuparía el lugar del creador. Varios fueron los requintos que acompañaron a “Los Panchos” entre ellos podemos citar a los Mexicanos Willy Fonseca, Lalo Ayala, José Luis Sánchez Camacho, y Gabriel Vargas.

La desaparición física de Chucho Navarro a dejado sólo, históricamente hablando, a la última 1ra. Voz del “Trío, Rafael Basurto Lara” quien se mantiene activo, grabando y realizando presentaciones por el mundo, ....“ya no como “LOS PANCHOS” porque nadie puede reemplazar a nadie y mucho menos a un creador como mi compañero Alfredo Gil, o a mi compañero Chucho Navarro. En sus presentaciones lo acompañan Baltasar Sánchez Vargas o José Luis Sánchez Camacho quienes han estado ligados al Trío Los Panchos, realizando grabaciones como músicos, por mas de 40 años; o bien en otras por un trío, tal como le había vaticinado Alfredo Gil

Hay un dato importante, en 1980, entre los tres integrantes del trío se hizo un pacto de honor donde quedo estipulado que retirado Alfredo, continuarían como Los Panchos, no como Trío, y que retirado Chucho Basurto seguiría como La Voz, y eso es lo que el pretende, honrar su palabra y decir yo soy “La ultima Voz de Los Panchos”....

Lo cierto es que la historia de la agrupación mas importante del mercado hispano parlante, esta escrita todos ellos son parte fundamental de la misma, todos son “Originales” porque ellos han hecho la historia del “Trío Los Panchos”.

Fuente: lospanchos.com

Publica: Guillermo Reyna Allan

Luis Aguilé

Luis María Aguilera Picca nació en Buenos Aires el 24 de Febrero de 1936. Desde muy joven se destacó como cantante, y mientras trabajaba en la Casa Central del Banco de la Provincia de Buenos Aires se dedicaba a animar fiestas familiares y reuniones. Consiguió su primer contrato profesional en la "Maison Doré", lujoso salón de fiestas porteño; poco después abandonó su empleo bancario y comenzó a trabajar en radio.

En Mayo de 1956 se presentó en televisión, en el show 'Music-Hall'. Logró un gran suceso, que le valió un contrato con Odeón, y a fines del mismo mes registró su primer disco, un 78 rpm con "El Preso Número Nueve" y "Tu Recuerdo", acompañado por Angel 'Pocho' Gatti y su conjunto. Su primer LP, llamado simplemente "Luis Aguilé", de 25 cm y diez temas, incluyó "Gigí", "Linda Nena", "Mujer Tejedora", "Tiro Liro Liro", "Pancho López", "Qué Será Será", "Luna Bonita", "Luna Azul" y "El Alegre Silbador".

El segundo LP, "Canta la Juventud de América", de 30 cm. y doce temas, estuvo formado por temas grabados hasta mediados de 1958: "De Azul Pintado de Azul", "No me Dejes Nunca", "No me Abandones", "Pequeñísima Serenata", "Dime Algo Cariñoso", "Lulu (Sin Embargo)", "La Cinta Verde", "Llueve Afuera", "Domani", "Hay Una Mujer", "El Preso N° 9", "Queremos Minué". En 1959 apareció "Luis Aguilé, Vol. 3", con "Julia", "Regresa a Mí", "Bonita", "Venus", "Marina", "Amémonos Así", "Mira que Luna", "Llueve", "Pity Pity", "Para Siempre", "La Cancion que te Gusta a Tí", "Io". Este LP batió records de ventas en Argentina, y fue decisivo para el éxito internacional de Aguilé, que comenzó a ser requerido para giras por toda Sudamérica, México, Cuba, Costa Rica y España, donde ocho de las canciones aparecieron en dos EP en 1960. Este mismo año Luis grabó el primer tema de su autoría, "La Balanza", incluido en el LP "Luis Aguilé, Vol. 4" junto con otros éxitos como "Yo Sé" (de Maysa), "La Pachanga, "Al Claro de Luna", "Ay! Chabela", "Arrivederchi".

Después de un muy comentado y frustrado romance con Mariquita Gallegos, con quien protagonizó el film "La Chacota", Luis se radicó en España en 1963. Debutó en el Festival Para la Juventud de Barcelona, compartiendo el escenario con las grandes figuras de España: el Dúo Dinámico, Gelu, José Guardiola. Logró inmediatamente un gran éxito con "Dile". Después de grabar algunos LP para Odeón, firmó contrato con CBS a mediados de los 60. Desde entonces casi todos sus éxitos fueron temas propios: "Cuando Salí de Cuba", "Ven a mi Casa esta Navidad", "Miguel e Isabel", "Me Has Enseñado a Conocer lo que es Amor", "En el Amor", "El Frescales", "La Vida Pasa Felizmente". Como excepciones pueden mencionarse "Lo Importante es la Rosa", de Gilbert Bécaud, y "La Chatunga", compuesta por la valenciana Marisa Simo.

Establecido definitivamente en España, donde contrajo enlace en 1976 con Ana Rodríguez Ruiz, cuenta con casas en Madrid y Barcelona en las que reside según sus compromisos profesionales. Alterna su labor como autor e intérprete con más de setecientos temas grabados, con la producción de espectáculos musicales y la literatura, escribiendo cuentos infantiles y novelas.
Luis Aguilé ha sido siempre un artista de grandes cifras, un torbellino creador, y un genio a menudo desconocido. Él defiende como creaciones propias algunas de las 'modas' que luego han arrasado en los escenarios, e incluso afirma que la 'canción del verano' es criatura suya, pues él fue el padre de la primera de ellas, "Es una lata el trabajar"

¿Sabía usted que..?

Luis Aguilé tiene en su repertorio más de 700 canciones grabadas, de muchas de las cuales ni siquiera recuerda la letra.

Luis Aguilé comenzó siendo uno de los primeros cantantes de rock en español, trabajando en Buenos Aires con temas de influencia norteamericana.

A propósito de su fama de playboy, Luis Aguilé afirma haber estado con unas 300 mujeres.

Luis Aguilé es considerado (especialmente por sí mismo) como el inventor de la 'canción del verano'. "Es una lata el trabajar" fue la primera 'banda sonora oficial' del verano a nivel masivo en España.

Mucho antes que Peret, Luis Aguilé hacía pasar por detrás suyo su inseparable guitarra. Algunos de las recursos más repetidos en creaciones musicales del mismo corte son también suyos. Él puso de moda ese peculiar acento 'dandy-guiri' utilizado posteriormente por tantos grupos grupos españoles que simulaban un acento extranjero, o la inclusión en sus canciones de pequeños gritos del estilo '¡ep ep!', '¡hey!' o '¡came on boys..!'

La banda sonora de Aly McBeal es una versión actual de su hiperconocido tema "Dile".

En la actualidad compagina su labor artística con la promoción de nuevos talentos y la escritura de novelas y cuentos infantiles.

Recientemente ha publicado un libro sobre el problema de la droga.Esta faceta de escritor es una de sus más desconocidas; muchos de nuestros lectores se sorprenderán al conocer que ha sido dos veces finalista del Premio Planeta.

Fuentes: Rockolafree - El Chiringuito

Publica: Guillermo Reyna Allan

Una lágrima más por John...

Un año más...
¿Cuántos...? No importa.
Solo sabemos que él nos dejó su música, su talento. Por eso hoy amigos Cuevíferos dejemos caer una lágrima por John...



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The Tremeloes

Surgido a finales de los años 50, The Tremeloes fue un cuarteto de beat que en principio se llamaba The Tremilos. Recién con la llegada del cantante Brian Poole adoptaría el nombre con el que se hizo mundialmente famoso.
Junto a Poole estaban el guitarrista y vocalista Alan Blakley; Graham Scott (guitarrista), el bajista y saxofonista Alan Howard y el baterista y también vocalista Dave Munden.
El ingreso de Rick West al grupo en reemplazo de Scott fue decisiva por cuanto el recién llegado tenía contactos con el productor Jimmy Grant, quién eligio a The Tremeloes en lugar de Los Beatles en una histórica decisión.
Los comienzos fueron duros y la empresa Decca (que los había contratado) comenzaba a poner en duda la capacidad de los músicos. Recién con "Twist and shout", cantado originariamente por Isley Brothers y popularizado también por los Beatles, la banda comenzaría a salir del anonimato en el Reino Unido, alcanzando el estrellato con "Do you love me".
En 1964 seguirían los éxitos y, en 1965, Poole deja la banda. No tendría él tanta repercusión como sus ex compañeros. En 1966 dejan Decca para incorporarse al sello CBS. En 1967 The Tremeloes comenzó a brillar sin Poole alcanzando un número 1 con "Silence is golden".
Los éxitos comerciales llegaron pero siempre de la mano de composiciones ajenas. En plena época psicodélica The Tremeloes intentó remediar esa falencia con "helule, helule", festivo pero no muy buen tema.
Ya en 1968 siguieron grabando con poco suceso. En 1969 lograron sí un resonante éxito con "Once a sunday morning", reversionado posteriormente por Luis Aguilé, entre otros, como "Cuando salí de Cuba".

En los '70 tuvieron buen suceso en Holanda y Alemania y, con los años siguieron grabando pero sin los éxitos del comienzo.

Escribe: Guillermo Reyna Allan

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King Clave

Hola Cuevíferos...

Hoy recordaremos a...KING CLAVE

Su nombre real es Jorge Ayala. Nació en el Barrio San Miguel de la Ciudad de Formosa el 14 de Febrero de 1944.

Su madre, doña Victoria Barrios, fue una apreciada cantante de melodías, polcas y guaranias. Jorge heredó la pasión musical de su progenitora y demostró desde niño sus condiciones en las fiestas escolares. Muy joven se trasladó a Buenos Aires con dos amigos, los hermanos Leonardo y Mingo Segovia. A los 20 años conoció a Dino Ramos, quien le consiguió una prueba en Canal 7. Comenzó con el seudónimo de Salim, hasta que Santos Lipesker lo rebautizó King Clave.

Se presentó en Escala Musical y otros programas televisivos. Su consagración llegó cuando se impuso en el Festival de Piriapolis. La carrera de King Clave se potenció en los años 70, con sus temas más conocidos: "Los Hombres No Deben Llorar", "Mi Corazón Lloró", "Herencia de Amor", "Usted me Dejó Llorando".

King Clave junto a Leo Dan y Palito Ortega, en 2002, Los Angeles (USA)

Triunfó en México, donde conoció a su esposa, la modelo Noemí Ceratto. Se presentó también en Perú, Chile , Colombia, Puerto Rico, Guatemala, Costa Rica, Paraguay, Venezuela y USA. Además de varios discos de oro y de platino obtenidos como intérprete, ha compuesto temas de éxito para otros cantantes. Una de sus canciones, "Llora el Teléfono", fue registrada como propia por autores franceses, la convirtió en gran éxito Doménico Modugno, que también figuró como coautor, y le llevó largos años de pleitos a King Clave recuperar los derechos de autor.

Se radicó en 2002 en Hollywood, escapando de la inseguridad que reina en Argentina, después de sufrir repetidos asaltos en un comercio que había instalado. Sigue actuando exitosamente en los principales escenarios destinados a la colonia latina.

Fuente: rocklafree.com.ar

Escribe: Guillermo Reyna Allan

Y, para sorprenderlos... una versión distinta de "Llora el teléfono", por su autor...King Clave

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OTIS REDDING

Hola Cuevíferos...!!!

Hoy vamos a recordar a quien, en su momento, fuera nominado como "el rey del soul", Otis Redding. ¿Quién no se habrá puesto "mimosón" tarareando o bailando "Sentado en el muelle de la bahía"?

Bueno, hoy recordamos a Redding contando parte de su vida, su historia, su muerte...

Otis Redding nació en Dawson (Georgia , Mississippi Estados Unidos) el 9 de septiembre de 1941 pero a los cinco años se mudó a Macon, la tierra de Little Richard. Dejó pronto el colegio para ayudar económicamente a su familia y empezó a trabajar con la banda Upsetters. En esa época participaba en un concurso de talentos. Después de ganarlo 15 veces no le permitieron participar más.

Redding en sus inicios se vio influenciado por Little Richard. Sus primeras grabaciones revelan esa tendencia, si bien ejecuta bien los temas, estos carecen de la originalidad que posteriormente le caracterizaría.
En 1960 empezó a actuar con Johnny Jenkins, precisamente en unas sesiones de grabación de éste para Stax, aprovechando los minutos restantes ya pagados de la sesión, Jim Stewart (co-propietario de Stax) dejó que Otis grabase dos temas, uno de ellos fue el conocido "These Arms Of Mine", que posteriormente sería su primer éxito.

Su estilo no era revolucionario en su concepto, pero sí lo era la forma de ejecutarlo. Su voz podía pasar de ser aterciopelada a ser una voz rasgada, rota y rompedora. Pasaba de las baladas más tiernas a canciones como "Shake" o su versión de "Satisfaction", que sorprendió agradablemente a los mismos Rolling Stones.

En los tiempos que corrían, los productores, compositores y arreglistas, eran los que tenían en muchas ocasiones la carga creativa, dejando a los intérpretes de soul reducidos a ejecutores de lo que otros escribían, también el éxito llegaba en demasiadas ocasiones a golpe de single careciendo estos interpretes de un proyecto o concepto que englobase un LP entero.

Otis Redding compuso muchos de sus temas más conocidos, y mantuvo un control inusual de sus temas, por supuesto no debemos olvidar las colaboraciones con Steve Crooper, que despuntó como uno de los compositores de Soul de aquella época, así como instrumentista y uno de los responsables de lo que se denominó sonido Memphis junto con los Memphis Horns.

Posteriormente fundaría Jotis, una productora con la que produciría a otras cantantes que estaban empezando, uno de los éxitos de Otis Redding en la producción fue la canción "Sweet Soul Music", interpretada por Arthur Conley Jr.

Otis demostró estar preocupado por los derechos civiles y le ocupó una parte de su tiempo en los últimos años.

A comienzos de 1967,la revista Melody Marker le otorga el título de mejor cantante del año, reemplazando a Elvis Presley que lo había sido durante los nueve años anteriores.
En junio de ese mismo año, en el Festival benéfico Internacional de Monterey, entre un plantel de figuras del Rock como Jimi Hendrix o The Who, es aclamado por una multitud de 55.000 jóvenes norteamericanos en pleno verano del amor, siendo así adoptado por el movimiento hippie.

Un desgraciado accidente la mañana del 10 de diciembre de 1967 en Lake Monona, en las afueras de Madison (Wisconsin), a sólo tres minutos de su destino, acabó con su vida y con todos los miembros, excepto dos, del grupo de acompañamiento Bar-Keys (James Alexander y Ben Cauley), al estrellarse su avioneta. A sus funerales asistieron más de 5000 personas en el auditorio municipal de su adoptiva Macon.

Mientras la muchedumbre seguía los oficios en las calles, en la ceremonia se vieron muchas caras conocidas del mundo soul como James Brown, Aretha Franklin, Stevie Wonder; cantaron Joe Simon y Johnny Taylor con acompañamiento al órgano de Booker T. Jones, mientras Sam and Dave y la pléyade de la casa Volt transportaban el féretro.

Desaparecía con tan sólo 26 años. No disfrutó del éxito de su primer número uno con el tema Sittin' the dock of the bay, un tema que marcaba un cambio en su manera de interpretar, algo que él mismo denominó "folk-soul", un estilo que marcaba un quiebre con el soul más tradicional.

Si algo parece cierto en la vida de Redding -por la unanimidad en las opiniones de quienes le rodeaban- era su personalidad excepcional y generosidad. Todos lo que fueron y son entrevistados hoy día, lo recuerdan con nostalgia, incluso le siguen dedicando temas en sus conciertos. Wlliam Bell le ofrendó una canción titulada "a tribute to a king". Asimismo Jim Morrison introdujo una dedicatoria al recién fallecido Otis en el tema "Running Blues": "Poor Otis dead and gone/Left me here to sing his song/Pretty little girl with the red dress on/Poor Otis dead and gone". También la banda francesa MAGMA, bajo la dirección de su creador Christian Vander, en 1981 crea el tema "OTIS". También es innegable su influencia en el Soul de su época y posterior a él, influencia más desconocida por el público de fuera de los EE.UU.

Si James Brown fue nombrado "el padrino del soul", aunque realmente destaco más en los inicios del funky, el "rey" fue Otis Redding.

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Fuente: Wikipedia
Cuenta: Guillermo Reyna Allan

ARETHA FRANKLIN

La cantante Aretha Franklin fue elegida la mejor vocalista de la historia del rock, entre los 100 nombres que integran una lista compilada por críticos y lectores de la edición estadounidense de la revista Rolling Stone, comentada por artistas del mundo del pop y el rock que reconocen la influencia de los elegidos.

De los cinco primeros seleccionados en el Top 100 de Rolling Stone, solo dos son blancos, Elvis Presley, tercero en el ránking, y John Lennon, en el quinto lugar, quien es el único no norteamericano. El quinteto se completa con Ray Charles en el segundo sitio y Sam Cooke en el cuarto.

Conocemos un poco a nuestra invitada de hoy...

Aretha Franklin nació en Memphis, Tennessee, el 25 de marzo de 1942. Hija de un sacerdote baptista y de una cantante de gospel vivió con sus padres y sus dos hermanas hasta los seis años en Memphis, pero su madre abandonó a Aretha y a su familia, con lo que el padre decidió mudarse a Detroit. Allí su padre se hizo con una reputada fama gracias a sus sermones y Aretha Franklin fue formándose como cantante y pianista, arropada por importantes cantantes de la ciudad. Con doce años comenzó a cantar en la iglesia donde predicaba su padre.
Aretha Franklin aúna en un solo artista estilos tan propios como el soul, el jazz, el gospel y el pop, creando un nuevo estilo muy personal, que ha servido de pie a otros grandes artistas.

En sus primeros años con dedicación plena a la música interpreta exclusivamente temas religiosos. Hasta que en 1960 decide pasarse a la música más comercial. Deja a sus dos hijos al cuidado de su abuela y se marcha a Nueva York, en busca de discográfica. Con su tremenda voz recibió multitud de ofertas, las cuales fue rechazando hasta quedarse con la mejor de ellas, que fue la de Columbia Records. Con ellos grabó 10 álbumes, aunque los resultados no llenaron la ambición de Aretha Franklin, ya que la discográfica no aprovechó todo el potencial de la cantante y los discos que publicaron resultaron bastante irregulares, tocando todos los géneros posibles, pero siempre buscando la comercialidad del pop.

Tras finalizar su contrato con Columbia fichó por Atlantic Records. En esta discográfica, y gracias al saber hacer del productor Jerry Wexler, obtuvo Aretha Franklin sus primeros grandes éxitos, volviendo a sus orígenes de Rhythm and blues. En 1967 apareció el álbum "I've never loved a man", el disco que la llevó directamente a la cima de la fama, ganándose el sobrenombre de La Reina del Soul. Con el sencillo titulado "Respect" consiguió dos premios grammy, además de ser una canción utilizada en aquella época por los grupos que luchaban por los derechos de los negros y en contra del racismo.

"Aretha arrives", publicado ese mismo año, consigue también un éxito destacado. En los años siguientes publica "Lady soul", "Aretha now" y "Aretha in Paris".
Entre finales de los sesenta y principios de los setenta, Aretha Franklin consigue innumerables premios grammy, fruto de éxitos de la talla de "Spanish Harlem", "Angel", "Call me" o "Don't play that song".

Tras unos años grises, en 1980 participa en la película "The Blues Brothers", en la que, además de actuar, también cede la canción "Think", incluída en la banda sonora. Esta interpretación supuso el relanzamiento de Aretha Franklin, dándola a conocer a una nueva generación de jóvenes.

Posteriormente a este trabajo, y tras fichar por Arista, produjo dos nuevos discos, "Aretha" y "Love all the hurt away", con un gran éxito entre el público. A mediados de los ochenta colaboró con artistas como Annie Lennox y George Michael, con los que se aupó a las listas de ventas. En 1987 obtuvo un grammy como mejor cantante soul.

Tras la muerte de dos de sus hermanas en 1988, Aretha Franklin decide darse un respiro en su carrera. Tras la publicación de un álbum titulado "What you see is what you sweat", un tanto decepcionante, en 1998 resurge con fuerza para publicar "A rose is still a rose", donde se nos muestra una Aretha Franklin más actual, adaptada a nuevos tiempos y a un nuevo público.

Fuentes: Clarín - Todomusica.org

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YACO MONTI

Recuerdo que los alumnos del quinto año del Colegio Nacional Nº1 de Huinca Renancó, en la provincia de Córdoba, hacían su baile de egresados y la figura principal de la velada era Yaco Monti.


Fue la primera vez que veía de cerca a un artista de esa jerarquía. Con mis 13 años casi, tocaba el cielo con las manos.

Con la tecnología de aquellos años, finales de la década del 60, la voz de Yaco Monti conmovió a quienes concurrieron al baile, y no éramos pocos.

Contemos pues un poco de la historia de nuestro invitado en La cueva de los recuerdos...

El verdadero nombre de Yaco Monti es Julio César Eugenio. Nació en Villa Mercedes, San Luis. Es el tercero de ocho hermanos. Hizo sus estudios en la escuela de la Quinta Brigada Aérea radicada en esa ciudad puntana obteniendo el título de electricista de aviación.


En 1966 es invitado a participar en el Festival Internacional de la Canción Parque del Mar, Uruguay, enfrentando a figuras de la talla de Palito Ortega, Chico Novarro y Violeta Rivas. Finalmente es consagrado ganador con su tema "Siempre te recordaré" (Que tienen tus ojos).


En 1967 graba su primer disco y vende más de un millón de copias. El trabajo es reproducido en América y Europa. En 1969 viaja a París para grabar un Long Play con la orquesta de Franck Pourcel.


En 1970 se radica en México. En 1974 graba un nuevo disco y su tema Vanidad es éxito en toda América. Antes, en 1971, actuó en el Carneggie Hall de Nueva York.En su carrera ha editado 29 discos, ha actuado en dos películas y sus temas han sido grabados por artistas de la talla de Los Galos y Leonardo Favio.


Tuvo mucho éxito con sus primeros temas: "Siempre te Recordaré" (tema con el que ganó el Festival de la Canción Latinoamericana de Parque del Plata, en Uruguay) y "Un Dolor de Adios", temas melódicos interpretados con un estilo muy particular. Actuó en una película con Pili y Mili: "Escándalo en la Familia".


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LEO DAN

Leopoldo Dante Tévez, mejor conocido como Leo Dan, nació un 22 de Marzo en Atamisqui, un pueblito en la provincia de Santiago del Estero, Argentina. Hijo de una familia humilde, Leo se vincula con la música por iniciativa propia. A los 4 años de edad aprende a tocar la armónica y la flauta, sus primeros instrumentos. A los 11 años aprende guitarra, y comienza a componer sus primeras canciones.A los 18 años forma un grupo de rock "Los demonios del ritmo" junto con amigos de su edad.

A los 20 años Leo Dan viaja a Buenos Aires con el deseo de triunfar y se presenta en CBS (Sony discos en la actualidad), donde inmediatamente firma su primer contrato discográfico. Su primer gran éxito "Celia ", llega a los primeros lugares en los rankings de popularidad a la semana de haber salido al mercado. Le siguen éxitos como "Fanny", "como te extraño mi amor", "Estelita", "Libre solterito y sin nadie", "Santiago querido", "Que tiene la niña", "por un caminito", "solo una vez", y muchos más.

Realiza su propio programa de televisión titulado "bajo el signo de Leo", en canal 9 de Argentina.


En el año 1966 se casa con Mariett, elegida Miss Mar del Plata ese mismo año. Deciden mudarse a España donde Leo continua grabando y nacen éxitos como "Mary es mi amor", "con los brazos cruzados", "siempre estoy pensando en ella", "como poder saber si te amo", "será posible amor", entre otros.


En 1970, debido al gran éxito que estaban teniendo sus composiciones, Leo decide mudarse junto a su familia a la capital Azteca, donde se radicaría por los siguientes 10 años. Es el primer baladista que graba con mariachis y obtiene grandes éxitos.


México recibe a Leo Dan con gran afecto y se coloca al top de los rankings con temas como, "te he prometido", "esa pared", "toquen mariachis canten", "mi ultima serenata", "el radio esta tocando tu canción", "pareces una nena", "yo se que no es feliz", "con nadie me compares", "Mary es mi amor", etc.


En 1980 decide volver a su querida Argentina donde incursiona en el terreno de la política. Es candidato a la gobernación de Santiago del Estero, su provincia natal. Pero no abandona la música y compone éxitos como, "más que un loco", "pídeme la luna", "aquella noche de verano", "ojos azules", entre otros más.


En la actualidad Leo ha compuesto más de 2000 canciones. Sus temas han sido grabados en diferentes géneros como romántico, folklore, tropical, cumbia, banda, tango, ballenato y rancheras, etc. también sus composiciones han sido traducidas al italiano, portugués, alemán, francés, ingles, y japonés. Renombrados artistas han interpretado sus temas como por ejemplo, Leonardo Favio, Palito Ortega, Marisela, Ramón Ayala, Ramón Ayala Jr. , José José, Ornella Vanoni, Grupo Garibaldi, Marco Antonio Muñiz, Pedro Fernández, los Carlos, María Marta Serralima, la Sonora Dinamita, Olga Guillot, Wilfrido Vargas, Toño Rosario, Los Mirlos, Los Diners, Los Tobas, Alex Bueno, los Manzeros Santiagueños, Lorenzo Montecarlo, Julio Preciado, Café Tacuba, y muchos otros.


Lleva vendidas más de 40 millones de copias en todo el mundo. Ha realizado 4 películas "Santiago querido", "Como te extraño mi amor", "la novela de un joven pobre", y "la muchachada de abordo".




Escribió un libro titulado "un pequeño grito de fe", donde refleja sus pensamientos sobre la vida. Ha sido ganador de muchísimos premios a lo largo de su extensa carrera artística, entre tantos podemos destacar varios premios Ascap, discos de oro, y ganador de un Grammy como mejor compositor. Casado hace mas de 35 años y con 4 hijos, leo dan es considerado uno de los cantautores más destacados de habla hispana en las últimas 4 décadas, recientemente ha desafiado su labor como productor y director artístico de Mariana, una de sus hijas, en un álbum titulado "Mariana, lo sé", bajo el sello de Universal Music. También en este disco refleja algunas de sus nuevas composiciones.
En la actualidad reside en Miami junto a su familia, desde donde continua grabando , componiendo y presentándose por toda latino América, Estados Unidos, Australia, Europa, y Canadá.

Fuente: leodan.com.ar

Escribe: Guillermo Reyna Allan

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Ladies and gentlemen... Mrs. Tina Turner

Tina nació en 1939 con el nombre de Anna Mae Bullock, en Nutbush, pequeña población del Estado de Tennesse conocida por dedicarse básicamente al cultivo de algodón y por donde transcurre la autopista 19, renombrada como Autopista Tina Turner en honor a la cantante. En 1971, Tina escribió una canción sobre su pueblo natal: Nutbush City Limits (Los Límites de Nutbush), que ha reversionado en el año 1991 y nuevamente en el actual 2008.

Con 18 años se unió a Ike Turner en un tour, donde hacía los coros. Tan sólo dos años después Tina era la estrella del show, pasándose a llamar la formación Ike Turner & The Kings of Rhythm. Poco después pasó a llamarse definitivamente Ike & Tina Turner. El dúo comenzó a golpear las listas de ventas en 1960 con el hit A fool in love (Un loco enamorado). A lo largo de la década con la ayuda del productor Phil Spector consiguieron éxitos como River Deep Mountain High (Al fondo del río, en lo alto de la montaña). En 1971 cosecharon otro éxito versionando el tema Proud Mary (La orgullosa Mary), un clásico de la banda Creedence Clearwater Revival. Tres años después Tina abandonó a Ike Turner debido a su comportamiento agresivo y sus diferencias personales.

En 1975 tuvo un papel en la película Tommy, encarnando el personaje de Acid Queen (Reina del ácido), sobrenombre que la acompañaría durante bastante tiempo. Durante finales de los 70 grabó algunos álbumes para United Artists, pero no tuvieron repercusión alguna. Entre 1971 y 1974 tuvo apariciones en The Sonny & Cher Comedy Hour, destacando dúos con Cher en canciones como Shame Shame Shame (Vergüenza) y Makin' Music Is My Business (Lo mío es hacer música). En 1983 reapareció con el proyecto de Ian Craig Marsh y Martin Ware, B.E.F., en el que hacía una versión del tema de The Temptations Ball of confussion (Bola de confusión).

En 1983 fue contratada por Capitol Records. Su primer sencillo fue una versión del clásico de Al Green Let's stay together (Quedémonos juntos), que entró con fuerza en las listas en 1984. Su segundo single fue What's Love Got to Do With It (¿Qué tiene que ver el amor con eso?), con el que se mantuvo tres semanas en el número uno, convirtiéndose en unos de los hits del año. Esta canción se entendió como alusiva a su pasada relación con Ike Turner, si bien su video musical no lo reflejaba claramente. De todas formas, el sentido real de la canción quedó claro cuando su título se utilizó para una película biográfica de 1993 (donde Angela Bassett encarnaba a Tina).
En 1984 lanzó el álbum Private Dancer con el cual consiguió los éxitos Better be good to me (Mejor si eres bueno conmigo) y Private dancer (Bailarina de pago), escrita por Mark Knopfler, líder de Dire Straits.

Participó en un filme de la saga de Mad Max, al que aportó el single We Don't Need Another Hero (No necesitamos otro héroe) en 1985, su segundo número uno.
Typical male (Macho típico) en 1986 y Steamy Windows (Cristales empañados) fueron otros grandes éxitos de la década. Prueba de su estrellato en los 80 son sus dos canciones a dúo con grandes ídolos del momento: It's Only Love (Es sólo amor) con Bryan Adams y It Takes Two (Hacen falta dos) con Rod Stewart. En 1991 publicó un álbum recopilatorio, Simply The Best, que incluía el éxito del mismo título.




Convertida en uno de los principales iconos del rock, famosa por su enérgica voz y no menos por sus poderosas piernas, Tina dedicó la década de los 90 a hacer innumerables giras por todo el mundo, pero sus nuevos álbumes eran ya discretos, y tan solo aumentaban su nómina como artista consagrada. En esta etapa se incluyen duetos, más sorprendentes que relevantes, con Eros Ramazzotti y Antonio Banderas, y la canción principal de la película Goldeneye (1995) de la saga de James Bond.
Tras una larga etapa de relativo silencio, participó en el álbum River: The Joni Letters de Herbie Hancock y en febrero de 2008 reapareció en una gala de los Premios Grammy ofreciendo un enérgico dueto en directo con Beyoncé. En dicha gala, el álbum de Hancock ganó el galardón más preciado, el Grammy al Mejor Álbum del Año.
En mayo de 2008, Tina apareció en el programa de Oprah Winfrey, The Oprah Winfrey Show, junto con su gran amiga Cher. La aparición de Turner en este show marcó el inicio de una nueva gira de conciertos en Estados Unidos y Europa, que podría extenderse a otros continentes. Aprovechando la ocasión, se ha publicado otro recopilatorio que reúne sus éxitos y las dos nuevas canciones It would be a crime (Sería un crimen) y I'm ready (Estoy preparada), lanzado como primer sencillo.
Tina Turner tiene un Record Guinness por ser la única solista en llenar por completo el estadio Maracaná de Rio de Janeiro.


Fuente: Wikipedia
Escribe: Guillermo Reyna Allan

Hoy... La Joven Guardia

En pleno auge del tema “La balsa” de Los Gatos, Felix Pando y Raúl Abramzon se juntaron y registraron un simple con el tema “Soy un bacán” que no tuvo demasiada repercusión.

Tiempo más tarde, Roque Narvaja reemplaza a Abramzon y se incorporan a la agrupación Lezica y Mallorens. Con esta nueva formación editan en octubre de 1968 un simple con el tema “Vuelvo a casa”. Dos meses más tarde editaron “El extraño de pelo largo”, que a diferencia de sus antecesores, recibió una muy buena repercusión y sirvió para dar título a la película que un año más tarde se estrenaría.

Al año siguiente editaron su primer álbum que llevó por nombre ese mismo título. En 1970 Roque Narvaja se aleja de la banda, pero decide regresar cuatro meses más tarde. Se presentan en la primera edición del B. A. Rock. En 1971 graban un simple con el tema “El comprador de amaneceres”, pero problemas internos condujeron al alejamiento de Mallorens de la banda y en su lugar ingresa Vitico para registrar como cuarteto “La reina de la canción”, su tercer LP.

Apadrinado por Litto Nebbia, Roque Narvaja decide lanzar su carrera como solista y es así que en el año 1972 se retira de la banda definitivamente. La agrupación registró dos nuevos simples que no tuvieron mucho éxito y así se diluyó.

Escribe: Guillermo Reyna Allan
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Piero

No tuve la suerte de verlo. Pero me cuenta Patria (mi esposa) que cuando subió al escenario de un Casino en Posadas (el 4 de octubre de 2008) costó reconocerlo. Claro, el hombre tiene unos cuantos años más y su estilizado físico no es el de antaño.
Arrancó su show cn temas un nuevo trabajo. Hubo sorpresa en los espectadores. No era el Piero que conocían. La calidad intacta, el acompañamiento excelente. Pero, "ellos" los amantes de su música de antaño esperaban a Juan (Boliche) y "Mi viejo".
Piero no los defraudó. Para nada. Progresivamente fue ingresando en "La cueva de los recuerdos" (perdón por el chivo de mi blog) y llegaron "aquellas canciones".
"Llegando llegaste", decía uno de sus temas. Y él fue arrimando su magia. Su encanto personal. Piero sigue siendo el que amamos. No ha cambiado, por suerte.
Ahora les cuento algo de su vida...

Nacido en Italia, Piero llegó a los tres años de edad a la Argentina, con su madre y su hermana, siguiendo a su padre que se había instalado en Banfield.
Durante tres años vivieron del oficio de radio-técnico de Don Lino hasta que en Julio de 1951 la familia decidió trasladarse al sur del país, específicamente a Allen en el Valle de Rio De donde atesora imborrables recuerdos. Allí Piero cursó la escuela primaria y también se inició en la música.
Al principio cantaba en italiano canciones melódicas de cantantes conocidos internacionalmente y baladas tradicionales.
La adolescencia lo sorprendió pidiendo permiso para seguir a un compañero hasta Viedma con intención de cursar allí la secundaria. Recibió la autorización familiar y partió sin saber que en el destino lo esperaba una institución religiosa. No era por aquí su camino y a fines del '63 a la edad de 18 años abandona la carrera de seminarista.

Instalado en Buenos Aires consigue grabar algunas cintas y las presenta a un productor televisivo. Esto derivó en su debut como cantante el 6 de enero de 1964 en el programa "Remates Musicales".
En 1968 conoce a José Tcherkaski y hasta la fecha trabajan en la composición de sus temas formando la dupla Piero-José. Produjeron éxitos en toda América y Europa desde "Mi Viejo" editado en su primer LP en 1969, hasta "El Jardín de los Sueños" compuesto en 1996.
A comienzos del '76 por razones políticas (proceso militar) partió a Italia y luego siguió camino a España. Cerca de Madrid compró "El Molino" y una pequeña chacra. Desde que se fue hasta 1981, año en que decidió volver, interrumpió su producción como compositor y se dedicó al campo. Aprendió la realización de producciones orgánicas que le permitieron mejorar su calidad de vida.
A fines de 1981 lanza su 4º LP "Calor Humano". Grabado en vivo en el Teatro Fénix durante tres jornadas. En este trabajo aparece su nueva propuesta: la paz interior, el amor y la solidaridad.
Piero con Prema recorrió todo el país en diferentes presentaciones.
"Hacer canciones no tiene sentido, si en cada palabra, en cada nota no estamos todos. Lo importante es sentirse bien, pero de adentro. Si estamos bien podemos estar juntos y mirar para afuera. El asunto es cambiar y darlo vuelta, pero sin violencia, con amor, con ganas de sumarnos en paz". Este es el mensaje que queda en cada estadio, teatro o club al finalizar el show. Compra un Campito en Los Cardales y crea la Fundación Buenas Ondas.

Actualmente la Fundación sostiene emprendimientos directamente relacionados con la niñez y especialmente la Ecogranja Educativa que funciona en el Campito de las Buenas Ondas.
Al comprometerse en este proyecto decidió alejarse de los escenarios por un par de años... y fueron doce.
Ya en el año 2000 retoma su oficio de cantautor, en abril del 2001 edita el CD "Canciones Blindadas" una recopilación de temas conocidos en nuevas versiones y temas nuevos. Realizó una gira por EEUU y algunos países de Latinoamérica con más de 150.000 espectadores . En el 2002, 2003 y 2004 realiza varias exitosas giras por varios países de América, a la vez que reedita "Folklore a mi manera", "Un hombre común", "Canto de la ternura", "Piero 30 años" y "Colección de oro".
Hoy Piero no solo es un artista reconocido, es un hombre que destina parte de su vida a mejorar la calidad de vida de la gente.

Fuente: Pieroonline.com
Escribe: Guillermo Reyna Allan

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Kano y Los Bulldogs

Hola..Cuevíferos..!!

Hoy les traigo una verdadera joyita (gracias a internet y youtube, claro). El grupo uruguayo Kano y Los Bulldogs. Veamos un poquito de su historia...

Nacieron en 1964 con el nombre de The Epsilons y sus componentes eran: Nengo (guitarra líder), Kano (segunda guitarra y voz), Jorge (bajo), Ricardo (batería). Grabaron un simple en el sello Clave de Montevideo y luego cambiaron su nombre a Los Bulldogs.

Se radicaron en Buenos Aires, donde realizaron varios simples con covers en inglés, como "Black is Black", de Los Bravos, incluido en "Los 16 Hits del Momento", un LP de varios intérpretes de RCA en 1966.

Después de grabar dos LP comenzaron a presentarse como Kano y los Bulldogs, obteniendo éxito con "Sobre Un Vidrio Mojado" en 1969.tienen un enorme éxito de ventas Regresaron a Uruguay, donde editaron para Sondor su último LP ("Carita con Carita") en 1972. Kano y los Bulldogs editan dos albumes de covers en 1967 y 68. y el tercero Es en 1969 . otras canciones fueron "La Llamada" y "Carta para ti".

Rápidamente a la memoria nos viene el tema de referencia "Sobre un vidrio mojado", pero hubieron otros que también se cantaron y bailaron a principios de los '90. El que ponemos a su consideración es este llamado "Vuelvo a casa".

¡¡Que lo disfruten...!!

Fuente: Wikipedia

Escribe: Guillermo Reyna Allan

Laureano Brizuela, "el angel del rock"

¡¡ Hola Cuevíferos..!!

Hoy les traigo un verdaero recuerdo. Un poquito de la historia de este salteño poco difundido en nuestro país pero de gran aceptación en otros territorios americanos. Se trata de Laureano Brizuela.

¿Lo recordamos juntos...?

Laureano Brizuela es un cantante y compositor nacido en la provincia de Salta, República Argentina, hijo de madre y padre argentinos. Su voz es afinada, dulce y potente. Su carrera artística comenzó en Buenos Aires, al tiempo que estudiaba la carrera de Derecho en la Universidad. Allí logró varios éxitos con canciones románticas como: "Porque te quiero tanto", "En los veranos que vendrán". Años más tarde viajó a México, donde se estableció para continuar su carrera, pero sus canciones viraron hacia el rock, de tinte melódico. En la década de los años 80' alcanzó gran éxito y fue apodado el Ángel del Rock.

Contrajo matrimonio con la cantante puertorriqueña Ednita Nazario quien fue su segunda esposa y le compuso dos canciones para que ella cantara en el festival de la O.T.I, tituladas Cadenas de Fuego y Contigo, Mujer. En la decada de los 90's fue encarcelado en la ciudad de Mexico por el presunto delito de evasión fiscal, saliendo libre tiempo después. A raiz de ese hecho su carrera como cantante en Mexico se vio seriamente afectada. Entre sus canciones más conocidas se encuentran: "Sueños Compartidos" No llores más, Contigo o sin ti, Quiero escaparme de ti, Amándote, Después de ti entre otros.

El video que les alcanzo no es el de mejor calidad, pero refiere a los inicios de la carrera de... "El angel del rock".


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Hasta la próxima...
Guillermo Reyna Allan

Nino Bravo

¡¡ Hola Cuevíferos...!!!

Hoy les traigo para el recuerdo a uno de los mejores cantantes de habvla hispana de todas las épocas: Nino Bravo.

Espero que disfruten su historia y su arte...

Con el nombre de Luis Manuel Ferri Llopis nació en un pequeño pueblo valenciano, Ayelo de Malferit, pero se trasladó a Valencia a los pocos años. A los 16 años comenzó a trabajar en la joyería valenciana Casa Amat, en la que llegó a ser ascendido hasta maestro pulidor de diamantes.
Durante estos años compagina el trabajo con su afición al canto, fundando a finales de 1962 el conjunto "Los Hispánicos" con sus amigos Félix Sánchez y Salvador Aranda. El trío musical se hizo muy popular en el barrio de Sagunto, donde actuaron en numerosas presentaciones falleras, bailes y verbenas de la época, llegando a quedar finalistas en el concurso radiofónico nacional "Fiesta en España". Sin embargo, sus compañeros de grupo deciden que el mundo de la música no es lo suyo y disuelven el conjunto.

Luis Manuel no se da por vencido y crea el quinteto "Los Superson" junto con Salvador Pelejero, Vicente López y los hermanos Pepe y Vicente Juesas. Este conjunto será el que le acompañará en todas sus actuaciones hasta el final de su carrera artística. Sin embargo, deben hacer un paréntesis en sus actuaciones por el servicio militar de Luis Manuel, que cumple en la Marina de Cartagena. A su regreso se emplea en una oficina, y realiza su presentación como cantante solista en el Festival de la Canción de Vall d'Uxò en 1968.
Realizó sus primeras galas y un recital en el Teatro Principal de Valencia que sólo le reportaron pérdidas. Posteriormente, la casa discográfica Fonogram le contrató por 4 años. Su primer sencillo se grabó con canciones de Manuel Alejandro: Como todos y Es el viento. Acude al festival de la canción de Barcelona con el tema No debo pensar en ti, donde fue eliminado.
Pero en el verano de 1969, Augusto Algueró le dio Te quiero, te quiero, canción que por distintas causas, aún teniéndola grabada el cantante Raphael y la cantante Lola Flores, no salieron al mercado. Nino consiguió con ella un éxito arrollador siendo elegida canción del verano. A Te quiero, te quiero le siguieron Noelia, Perdona, Mi gran amor, Esa será mi casa, Mi querida mamá, Voy buscando, Un beso y una flor, Libre, entre otras.

Toma parte en la selección para el Festival de Eurovisión en dos ocasiones. La primera es en 1970 con el tema Esa será mi casa, que no consigue pasar a la final donde ganó Julio Iglesias con Gwendolyne (como curiosidad los temas son cantados por dos intérpretes, Esa será mi casa es interpretado también por Franciska). La segunda y más recordada es actuando en el programa de Valerio Lazarov Pasaporte a Dublín, donde queda en segunda posición. La cantante Karina fue la elegida.
El 20 de abril de 1971 contrae matrimonio en secreto con María Amparo Martínez Gil. Luego viaja a Buenos Aires donde actúa en el canal 9 de esa ciudad, en un programa especial, junto con el cantante de tangos Argentino Ledesma; fue la única vez que se juntaron estos dos artistas.
El 24 de enero de 1972 nace su primera hija, a la que pone el mismo nombre que su madre. Poco después edita su tercer álbum, titulado "Un beso y una flor", con el que obtiene gran éxito en España e Hispanoamérica.
Actuando en directo con el tema "Mi tierra" en el Festival de la Canción de Río de JaneiroEn noviembre de 1972 participa en el Festival de la Canción de Río de Janeiro como representante español, donde logra empatar en el primer puesto con David Clayton-Thomas (Estados Unidos). La victoria le sería arrebatada injustamente por el presidente del jurado, Joseph Lee Zhito, que, al ser estadounidense, no podía votar por su propio país. Semanas después sale a la venta su cuarto álbum, titulado "Mi tierra", en el que se incluye uno de sus principales hits: "Libre".
El 14 de marzo de 1973 realiza su última actuación en Valencia, dentro del Parador 73 de las conocidas Fallas Valencianas. Allí canta, por primera y única vez, el Himno de Valencia ayudado por el público asistente. Los granadinos Jardines de Neptuno acogerían poco después la que sería la última actuación del intérprete valenciano.

Muerte y años posteriores
La mañana del Lunes 16 de abril de 1973, Nino Bravo, acompañado de su guitarrista y amigo José Juesas Francés y del Dúo Humo, partieron temprano de Valencia hacia Madrid. Un mes antes, Nino Bravo, se había convertido en mánager del dúo y el motivo del viaje no era otro que acudir al estudio de grabación para que éstos "metieran" la voz para el single. Además del patricionio, Nino también tenía algunos compromisos menores con su propia casa de discos (Polydor-Fonogram) y el regreso estaba proyectado para el martes 17 por la noche.
Se había comentado realizar el viaje en avión (no sería la primera vez), pero finalmente por diversas circunstancias se decidió hacerlo en el coche recién adquirido de Nino, un BMW 2.800. Así, se alejaron de Valencia por la Carretera Nacional III (N-III) entre las 7:30 y las 8:00 hs.. Quedaban casi 400 km. por delante hasta la capital de España.
Casi dos horas después de viaje, pararon a repostar y almorzar en la localidad conquense de

Montilla del Palancar, y antes de las 10:00 hs. prosiguen el camino, pero a pocos kilómetros, en el término municipal de Villarrubio una curva en el que ese mismo mes había sucedido un accidente mortal, el vehículo BMW 2.800 conducido por el cantante, se sale de la carretera por un despiste y da varias vueltas de campana.
Estado en el que quedó el BMW 2.800 tras salirse de la carretera y dar varias vueltas de campanaNino Bravo y los heridos fueron trasladados en varios vehículos de particulares a Tarancón, situado a 13 kilómetros. En un pequeño hospital de monjas mercedarias llamado Santa Emilia reciben las primeras curas y son trasladados con la única ambulancia de que dispone el pueblo a Madrid, cuya distancia rondaba entonces los 80 kilómetros. Sin embargo, a escasos kilómetros de la capital de España, el cantante fallecía finalmente, ingresando por tanto cadáver en el Centro Sanitario Francisco Franco de Madrid (actual Hospital Universitario Gregorio Marañón)

Las causas de la muerte nunca se han revelado oficialmente, todo apunta a posible neumotorax y a diversos politraumatismos sufridos en la zona abdominal, ya que aunque el coche tuviera cinturón de seguridad delanteros (la norma que obligó su uso es de 1974) es bastante probable que el cantante no lo llevara puesto.
Restos de la curva de la N-III donde Nino padeció el accidente.Tras su muerte aparece un disco póstumo, titulado "...Y Vol. 5", que incluye diez canciones grabadas semanas antes de su fallecimiento. Entre ellas se encuentra "América, América", que se convirtió en todo un himno para sus admiradores americanos y en uno de sus grandes éxitos.
La figura de Nino Bravo reapareció con fuerza en el panorama musical de habla hispana en 1995, cuando se editó el álbum "50 Aniversario". En esta producción discográfica se realizaron, gracias a la técnica, duetos entre el desaparecido artista y cantantes de éxito actuales. Pronto se convirtió en el disco de más éxito del valenciano, cuyas ventas se estiman en más de un millón de copias.
A raíz de la aparición de Internet, sus admiradores han realizado diversas propuestas, tales como la organización del Primer Encuentro de Fans, Amigos y Familiares de Nino Bravo, o el apoyo a la creación del Museo Nino Bravo en Aielo de Malferit, su localidad natal. En la actualidad, se están realizando gestiones para crear su Club de Fans Oficial, que llevará por nombre "Volver a empezar" como homenaje al club original que se extinguió con el fallecimiento del cantante.


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Fuente: Wikipedia
Escribe: Guillermo Reyna Allan

Johnny Tedesco, el "rey del pullover"

Alberto Felipe Soria, nació el 1 de Mayo de 1944 en Buenos Aires. Hijo único de una humilde familia, Alberto o Tito como lo llamaban sus amigos, trabajaba en forma ocasional comoverdulero, carnicero o tintorero. La magia de Elvis Presley lo entusiasmaba, su tío Hugole enseñó a bailar y su abuela le enseño a tocar la guitarra, Tito tenía ganas de cantar, como lo hacía su padre, que interpretó tangos, pero a falta de oportunidades y por su corta edad, Tito decide emplearse en un taller mecánico a los 14 años, hasta que su tío lo convence de presentarse a cantar en un programa de canal 7, llamado "Estampas y variedades", así hace un debut en 1958, cantando folklore ybossa nova. A comienzos de 1961, Ricardo Mejía que tenía referencias de él, lo convocaen la Rca Víctor Argentina y Tito da una prueba cantando "Zapatos de gamuza azul", ycuando iba por la mitad del tema, Victor Buchino lo interrumpe para preguntarle si sabíaalguna canción en castellano, entonces él le cuenta que había compuesto una canciónllamada "Rock del Tom Tom" y el 18 de Abril de 1961, lo graba en simple

bajo el seudónimo que Mejía le inventa: "JOHNY TEDESCO", así registra "Rock del Tom Tom" con el acompañamiento de Ray Nolan, y "Vuelve Primavera", simple que vende más de medio millón de copias y para muchos el primer rock and roll grabado en Argentina. El éxito lo lleva a abandonar sus estudios y los trabajos ocasionales que desempeñaba con sacrificio, con solo 16 años se sentía impresionado por el éxito que lo rodeaba y su sueño de ser el Elvis rubio argentino estaba muy cerca. Menos de un año después, Johny integra el programa de canal 11

"La cantina de la guardia nueva", allí Ricardo Mejía lo lanzaba a la fama como el ídolo argentino que el público buscaba, era rubio, tenía ojos celestes y un jopo que le caía en la frente para impresionar a las muchachas que comenzaban a adorarlo en forma frenética. Cuando Mejía, Leo Vanés y Jolly Land ven sus pulloveres llamativos, le piden que los siga usando en la televisión, Johny usaba pulloveres llamativos desde niño, inspirado en su primo de nombre Miguel y tejidos por su mamá, así nace "el chico de los pulloveres", o "el rey del suéter", personalidad que lo identificaría por siempre al lucir en cada presentación los pulloveres más increíbles.

Los éxitos continuaban con "Hermanita", "Un montón de amor", "Coqueta" y "Devuelvo tu carta". La fama total llega a fines de 1962, cuando comienza "El Club del Clan", allí se identifica con hits como: "Presumida", "No tengo más problemas" y "Necesito tu amor esta noche", entre otros... Johnny graba varios long play con mucho éxito, su paso a canal 9 con los principales claneros, le da una popularidad absoluta y filma en 1964, junto a Niní Marshall, "Cleopatra era Cándida". Su imagen estaba en todas partes, las muchachas hacían cola a la salida del canal para besarlo y pedir una foto autografiada. Johny se casa a los 18 años, ante la desilusión de tantas jóvenes que soñaban con su amor, fans de todas las edades.

A fines de 1964, tiene su propio programa de TV, titulado "Un chico llamado Johny", junto a la cantante Mónica Lander. Tedesco regresa a canal 13 en el programa "Escala musical" y luego se vuelve a juntar con los claneros en otro éxito por canal 7 "Bienvenido Sábado", conducido por Antonio Carrizo. Los éxitos musicales no se detienen: "Sabrás", "Mi alma lloró", "Mis canguros","Mental", "Atormentado", "Cruzando la línea", "Lejos de mi", "Te dirán" y y tantos otros temas que lo hacían inconfundible entre los gustadores del buen rock,la balada y del twist pegadizo.Johny Tedesco en el cine: (1964) EL CLUB DEL CLAN, dirección Enrique Carreras, (1964) CLEOPATRA ERA CANDIDA, dirección Julio Saraceni, (1966) ESCALA MUSICAL,dirección Leo Fleider, (1966) UNA VENTANA AL EXITO, dirección Enrique de Rosas (hijo).

En los años setenta logra un nuevo éxito discográfico con su canción "Soy latinoamericano"y en algún momento le quita el Tedesco a su nombre y le agrega una letra "n" a su Johnnyoriginal, pero nunca cambia su gracia y simpatía natural.En la actualidad Johny recorre lugares del interior a los que no puede faltar para llevar sus canciones, el recuerdo de la nueva ola no lo abandona nunca y el públicole pide constantemente sus inmortales hits.

Fuente: http://www.violetarivas.com.ar/

Escribe: Guillermo Reyna Allan