miércoles, 28 de diciembre de 2011

Se acuerdan de..."El llanero solitario"

El 28 de diciembre se cumple un nuevo aniversario de la muerte del actor Clayton Moore quien fuera el protagonista, en la mayoria de los capítulos, del personaje el Llanero solitario.

 El actor Clayton Moore (14 de Septiembre de 1914 (Chicago, Illinois, USA) 28 de Diciembre de 1999 (Los Ángeles, California) se hizo famoso interpretando el papel protagónico en la serie televisiva El Llanero Solitario, murió a los 85 años, de un ataque al corazón en el hospital West Hills. Aquellos espectadores que eramos niños en las décadas de 1950 y 1960 no olvidaremos su figura de cowboy enmascarado que, al compás de la obertura de Guillermo Tell de Rossini, aparecía montando a su caballo blanco al grito de Hi-Yo, Silver.

Moore empezó su carrera como acróbata de circo. En 1938 llegó a Hollywood y actuó en muchos papeles menores en películas del Oeste, hasta que en 1949 lo eligieron para interpretar a The Lone Ranger, como se llamó la serie televisiva en inglés. Fue el mayor éxito de la cadena ABC en la posguerra: hasta 1956 se filmaron 169 capítulos.Con sus balas de plata, sombrero blanco y antifaz oscuro, el personaje de El Llanero Solitario se apoderó de Moore.



En la década del 50 hizo dos películas interpretando a este solitario miembro de los Texas Rangers que, acompañado por su fiel amigo indio Toro -interpretado por el actor Jay Silverheels, que murió en 1979 a los 62 años- siempre hacía justicia. Cuando se fue de la serie por problemas de contrato, Moore siguió haciendo shows. Pero en 1979 la empresa dueña de los derechos de El Llanero Solitario lo obligó judicialmente a abandonar el personaje.




El juez Vernon Foster dijo que Moore no podía usar más el antifaz negro ni publicitarse como El Llanero Solitario.
Apenado, Moore acató la decisión del juez. En 1987 se colocó una estrella con su nombre en el Sunset Boulevard de Los Angeles. Y el alcalde honorario de Hollywood, Johnny Grant, dijo que con la muerte de Clayton Moore hemos perdido una parte de los Estados Unidos.

Fuente: globemedia.com


sábado, 24 de diciembre de 2011

¡¡ Feliz Navidad...!!!

Una canción de John Lennon para compartir con los amigos "cuevíferos" en una fecha tan especial

domingo, 11 de diciembre de 2011

John...siempre John

Y claro, casi todos los años (¿o todos?) cuando llegamos a esta fecha de diciembre, nos viene el recuerdo de uno de los más grandes músicos de todos los tiempos, John Lennon.

Asesinado por la estupidez humana, encarnada en un loco, Lennon dejó un legado indeleble al paso del tiempo.

Hoy simplemente lo recordamos escuchando su música, aquella que dejó para nosotros...

sábado, 3 de diciembre de 2011

Hoy... Rolando Percy

Rolando Percy nació en Asunción el 17 de diciembre de 1947.

A la edad de 20 años comenzó su carrera profesional, integrando primero, por más de una década el conjunto Los Blue Caps, agrupación que alcanzó los más altos niveles de popularidad en Buenos Aires, Argentina entre 1967 y 1977; luego formó su propio conjunto Los Big Ben.

Finalmente desarrolló una destacada actuación como solista, en 1971 resultó ganador en el Festival Internacional de Mar del Plata (Argentina), en 1992 participó en la gran final del Festival OTI (Organización de la Televisión Iberoamericana) en las Vegas, EUA como así también en 1995, cuando se realizó en Paraguay.

Representó a Paraguay en más de 15 festivales internacionales.

Entre sus creaciones de mayor difusión están: DÉJAME MIRARTE, POR TU HIJO, LÁGRIMAS DE UNA MADRE, SENTADO EN EL CORDÓN DE LA VEREDA y otras.

Fuente: DICCIONARIO DE LA MÚSICA EN EL PARAGUAY por LUIS SZARAN. Edición de la Jesuitenmission Nürnberg, Alemania 2007. 507 páginas. Edición digital: www.luisszaran.org.


domingo, 27 de noviembre de 2011

Hoy... Albert Hammond

Albert Hammond es uno de los compositores británicos más exitosos de los años 1960s y 1970s, y ha vivido una larga y exitosa carrera como intérprete debido a su popular producción en tres continentes, en dos idiomas y a lo largo de cuatro décadas.

Hammond nació en Londres, Inglaterra. donde su familia había sido trasladada desde Gibraltar durante la Segunda Guerra Mundial. Su familia regresó a Gibraltar al poco tiempo de su nacimiento, lugar donde él creció. En 1960 se inició en el campo de la música con la banda gibraltareña 'The Diamond Boys', que no tuvo un exito comercial real pero que jugó un papel importante en su introducción a la música popular española. Los Diamond Boys realizaron algunas presentaciones en los primeros clubes nocturnos en Madrid, donde convivieron bandas modernas junto a pioneros del rock and roll español, tales como Miguel Ríos. En 1966 Hammond fue cofundador del grupo vocal británico "The Family Dog" cuyo "A way of Life" alcanzó el número 10 de las listas del Reino Unido en 1969.

Hammond también escribio algunas canciones para otros interpretes, con su colaborador frecuente, Mike Hazlewood. Estos incluyeron "Little Arrows" para Leapy Lee, "Make me an Island" (1969), que Hammond regrabaría en 1979 en una versión española, y "You are such a good looking woman" (1970 para Joe Dolan, "Give me that thing" para los Pipkins en 1970 (un "cover" del album "The Freddie and the Dreamers - Oliver in the Overworld"; "Good morning freedom" para Blue Mink, "Freedom come, freedom go" para The Fortunes en 1971 y "The air that I breathe" que fue todo un éxito para The Hollies en 1974.[2] In 1971 Hammond cantó en el cuarto álbum de Michael Chapman, titulado "Wrecked again", y trabajó brevemente con The Magic Lanterns en grabaciones suyas y de Mike Hazlewood.

Más tarde Hammond se trasladó a los Estados Unidos, donde continuó con su carrera profesional como músico, donde se dio a conocer por sus éxitos de los setenta, producidos por Columbia a través de su subsidiaria Mums Records, tales como:
  1. "It Never Rains in Southern California"
  2. "The Free Electric Band"
  3. "I Don't Wanna Die in an Air Disaster"
  4. "I'm a Train"
  5. "Down by the River"
"It Never Rains in Southern California" se convirtió en el número cinco en el American Billboard Hot 100 y colocó un millón de copias vendidas en todo el mundo, siendo el primero de una cadena de ocho sencillos que se convertirían en éxitos en los cinco años subsecuentes. El álbum incluyó "Down by the River" y "If you gotta break another heart", que fue grabado por Cass Elliot en una versión reescrita - y "The air that I breathe". Esta última fue la canción favorita de Hammond en dicho álbum, y más tarde se convirtió en el más importante éxito internacional en manos de The Holies.

Entre tanto, el siguiente album de Hammond, "The Free Electric Band" (título tomado de un musical que no alcanzó a ser producido). Su siguiente éxito, "I'm a train", vio la luz en una etapa frenética de la carrera de Hammond. Él produjo grabaciones con Johnny Cash ("Praise the Lord and pass the soup), colaboró con Richard Carpenter y John Bettis ("I need to be in love"), escribió canciones con Art Garfunkel, y, como supbroducto de este último proyecto, grabó un tercer álbum con el mismo título producido por Garfunkel y Roy Halee.

A mediados de los setenta Hammond trabajó con el productor e ingeniero Phil Ramone y colaboró con el letrista Hal David, generando un sencillo número uno en las listas de popularidad de adultos contemporáneos con "99 Miles from L.A."[1] La disquera, no obstante, se opuso a la liberación de este LP o de su sucesor, "When I need you", el último en ser liberado solo cuando Leo Sayer generó un sencillo con su versión del título de la canción. "When I need you", coescrita por Hammond con Carole Bayer Sager, fue grabada por primera vez por Hammond en su álbum de 1976, con el mismo título. Producida por Richard Perry, la versión de Leo Sayer alcanzó el número 1 en las listas de popularidad del Reino Unido durante dos semanas en febrero de 1977, después de tres sencillos propios que se colocaron en el número 2. Considerado un éxito mundial, este alcanzó el número 1 en el Billboard Hot 100 durante una semana en mayo de 1977.

Hammond tuvo un tremendo éxito como compositor de sencillos con sus grabaciones en español, bajo la marca de Epic Records y con la dirección del productor hispano cubano Oscar Gómez. Juntos convirtieron el tema "Échame a mi la culpa" en un número uno casi mundial. Tras ese éxito y con la producción y dirección del mismo Oscar Gómez, cosechó varios números uno de las listas españolas, con temas del propio Albert Hammond versionados al español por Oscar Gómez como "Eres toda una mujer" (Woman of the world) , "Cerca del Rio" (Down by the river), "Necesito poder respirar" (The air that I breathe) y con clásicos de la música latina como "Espinita" lo que le permitió realizar importantes giras en España y algunas giras en varios países de América Latina. Fue durante esta época cuando conoció a Manuel Montoya, ejecutivo de CBS en México, que eventualmente se convertiría en su manager personal en 1985, lo que condujo a la producción ganadora de los Premios Grammy de Lani Hall "Es fácil amar", productor y escritor de "Cantaré, cantarás". En 1977, fue invitado por el Departamento de Prensa de la Televisión Nacional de Chile, para cerrar su noticiero central 60 Minutos.

Hammond también colaboró con Diane Warren en "Nothing's Gonna Stop Us Now" que se convirtió en un número 1 en 1987 con Starship, y "I don't wanna live without your love", un éxito para Chicago, que alcanzó el número 3 en las listas de popularidad de los EE.UU en 1988. Hammond escribió también "One moment in time", el tema musical interpretado por Whitney Houston en las olimpiadas de verano de 1988 celebradas en Seúl, Corea del Sur. Junto con Hal David, Hammond coescribió el éxito de 1984 "To all the girls I have loved before" para Julio Iglesias y Willie Nelson.

Hammond también escribió algunas canciones para Tina Turner, incluyendo "I don't wanna lose you", "Be tender with me, baby", "Way of the World" y "Love Thing") quien también grabó la versión original de Hammond-Warren "Don't turn around", número 1 en Reino Unido interpretado por Aswad en 1988, y un éxito para Ace of Base cinco años después.

Hammond ha grabado varios albumes tanto en inglés como en español, interpretando sus canciones en ambos idiomas. En 1999 fue condecorado "Caballero de la Orden del Imperio Británico" (OBE) por la Reina Isabel II de Inglaterra. En 2005 Hammond produjo su primer álbum británico en varios años, titulado "Revolution of the heart", con el sencillo "This side of midnight". Su hijo, Albert Hammond Jr. es un exitoso músico, quien actúa por su cuenta y también es integrante de "The Strokes".
Hammond fue inmortalizado en una canción de Half Man Half Biscuit en su pista de 1986 titulada "Albert Hammond Bootleg". El 19 de junio de 2008 Hammond fue incluido en el Salón de la Fama de los compositores.


Fuente: Wikipedia

viernes, 18 de noviembre de 2011

Hoy...Los Shakers

Los uruguayos Carlos "Caio" Villa, en batería; Hugo y Osvaldo Fattorusso y, en guitarra y voz, y Roberto "Pelín" Capobianco en bajo, conformaron en 1965 el crupo Los Shakers.

Se destacaron por sus impecables  covers de los Beatles. El primer tema que registraron fue "My Bonnie", aquel que Tony Sheridan había cantado con The Beatles. Pero el hit máximo fue "Rompan todo", un tema propio cantado en inglés.

La agrupación hacía un promedio de 15 shows por semana. Los sábados llegaban a tocar en 5 clubes diferentes, a tal punto que tenían dos juegos de instrumentos, para ir ganando tiempo y montar el set en el próximo lugar a tocar.

"Break it all" es un disco que no fue editado en Argentina, sino en Estados Unidos, Australia y en otros países de habla inglesa. Técnicamente cuenta con innovaciones desconocidas para el momento en nuestro país: un sonido stereo de alta calidad y con versiones de temas del primer álbum y los simples mucho mejor interpretadas y editadas.

Para el segundo LP se nota una evolución, cierto estilo propio: "nosotros en el comienzo eramos una consecuencia de The Beatles. Luego, con el tiempo, fuimos adquiriendo nuestra propia personalidad con las composiciones nuestras", recuerda Caio.

Luego de un receso se edita lo que es considerada su obra cumbre: "La conferencia secreta del Toto's Bar" (1969). El Toto's Bar era el equivalente a La Cueva, pero en Punta del Este. Inspirada en "Sgt. Pepper's" de los Beatles, la obra presenta arreglos instrumentales inéditos. En realidad, el material había sido grabado a mediados del año anterior, con la separación del grupo ya decidida. Si bien la placa no contó con apoyo de la discográfica y las ventas, por consiguiente, fueron escasas, los especialistas de la época la definieron como "el Sgt. Peppers del Río de la Plata".

Luego de disolverse, los Fattoruso publicarían un LP en el '69 ("La Bossa Nova de Hugo y Osvaldo") de marcadas influencias brasileñas, y se instalarían en Estados Unidos. Mientras, Pelín y Caio intentaron infructuosamente mantener vivo el grupo, con la edición de "In The Studio Again" (1971).
En el 2005, luego de 37 años, se reunieron y grabaron un nuevo CD, "Bonus tracks", en los estudios Circo Beat de Buenos Aires.

Fuente: rock.com.ar
Fotos: losshakers.com


sábado, 5 de noviembre de 2011

Hoy...Joan Báez

Joan Chandos Baez nació el 9 de enero de 1941. Desde pequeña, vivió en distintos lugares (Estados Unidos, Francia, Suiza, Italia, Medio Oriente e Irak) por el trabajo de su padre.


En 1956, Baez escuchó por primera vez al joven Martin Luther King, Jr hablar acerca de la violencia, los derechos civiles y los cambios sociales, y este suceso marco determinantemente su manera de pensar. Ese mismo año, Joan compró su primera guitarra y comenzó a tocar, aún cuando cursaba clases en la escuela.

En 1958, Baez se muda con su familia a Belmont, Boston e ingresa a la Universidad de Cambridge. En aquella época, esa área era el centro de la música Folk; es así como Joan da su primer concierto en el bar “Club 47”.

Meses después de este suceso, Joan junto a otros dos músicos deciden grabar un álbum en el cual cantan solos y duos. El disco fue lanzado ese mismo año bajo el nombre de “Folksingers 'Round Harvard Square”.

Al poco tiempo, Baez conoce al músico Bob Gibson, quien invita a Baez a tocar con él en 1959 en el “Festival de Folk de Newport”. En esta presentación, cantaron los temas: "Virgin Mary Had One Son" y "We Are Crossing Jordan River".

La carrera de Baez, después de la presentación junto a Gibson, se torna mucho más profesional, pues en 1960, logra grabar su primer álbum como solista: “Joan Baez” (para la compañía disquera Vanguard Records). Este disco es una colección de baladas de folk tradicional, blues y canciones de protesta, que ella misma interpreta junto a su guitarra. Increíblemente esta producción fue grabada en tan sólo cuatro días en el salón de baile del hotel “New York's Manhattan Towers”. Este álbum contiene un tema titulado “El Preso Numero Nueve", un tema cantado enteramente en español. Esta misma canción aparecería nuevamente en 1974 en el disco "Gracias A La Vida".

Su segunda producción musical, “Joan Baez, Vol. 2” aparece en 1961. Este LP se convirtió prontamente en disco de oro. Un año más tarde, lanza “Joan Baez in Concert (Parte 1)” , y en 1963 sale la parte 2. Estos dos álbums en concierto contienen canciones nuevas. En el disco “Joan Baez in Concert (Parte 2)” aparece por primera vez un cover de Bob Dylan. En 1962, el aún joven y no muy conocido Dylan, inicia una relación sentimental junto a Baez, la cual se mantuvo hasta 1965.

Baez consigue su primer triunfo comercial con el single "There But For Fortune". Este tema se convirtió en un rotundo hit became llegando a ocupar un puesto dentro del top-ten en los charts del Reino Unido en 1964.

En 1965, aparece “Farewell Angelina”, y representa un cambio en la música de Baez. Por primera vez, ella incluyó una guitarra eléctrica en la melodía de las canciones. El álbum también incluyó cuatro temas de Bob Dylan.

En 1966, nace el disco “Noel”, un álbum navideño que incluía material tradicional. Un año más tarde “Joan” y en 1968 “Baptism”. Este último es un disco conceptual, en el cual Baez lee y canta poemas de maestros de la literatura tales como “James Joyce, Federico García Lorca y Walt Whitman”.

En Octubre de 1967, Baez, su madre, y cerca de setenta mujeres fueron arrestadas por apoyar a un grupo de jóvenes que repudiaban la milicia y la guerra de Vietnam. Dentro de esta circunstancia, conoce a David Harris.

En 1968, Joan viaja a Nashville, en donde ocurre una maratón de grabaciones las cuales dan como resultado no uno, sino dos LPs nuevos: “Any Day Now”, una producción la cual consiste exclusivamente en covers de Bob Dylan, y “David's Album” un disco con fusiones country, el cual fue grabado por su esposo David Harris. La pareja estuvo casada desde 1968 hasta su divorcio en 1973.

En 1969, en el famoso festival de “Woodstock”, Joan (visiblemente embarazada) interpreta sus canciones. Ese mismo año da a luz a su hijo Gabriel.

En 1971, su cover “The Night They Drove Old Dixie Down" llega al top 10 en los Estados Unidos. A fines de la década de los sesentas, Baez comienza a escribir canciones más personales, en base a su propia experiencia: "Sweet Sir Galahad", "A Song For David", "Diamonds & Rust" entre otras. Ese mismo año, decide terminar la relación que tenía con la disquera “Vanguard Records” después de once años de trabajar juntos. “Blessed Are...” es el último disco que graba con Vanguard, el cual consigue ser disco de oro y ubicarse en el top-ten de los charts.

En 1972, Baez graba “Come from the Shadows” para la casa disquera “A&M Records”, con la cual trabajo por cuatro años y lanzaron seis discos.

En 1973 sale al mercado “Where Are You Now, My Son?”, que contiene una canción de 23 minutos, la cual ocupa todo el lado B del álbum. Esta canción, mitad hablada, mitad musical documenta la visita de Baez a la ciudad de Hanoi, al norte de Vietnam.

En 1974, el disco “Gracias A La Vida” triunfa tanto en Estados Unidos como en Latinoamérica.

Experimentando con la música pop aparece en 1975, el LP “Diamonds & Rust”. Este disco se convirtió en el más vendido de la carrera de Baez.

“Gulf Winds”, es un álbum que se crea en 1976 y es las canciones son completamente de autoría personal. Ese mismo año, también se edita “From Every Stage”, un disco grabado en vivo, en el cual Baez canta canciones de toda su carrera. Nuevamente Joan se vuelve a cambiar de compañía disquera, esta vez se une junto a CBS Records en 1977.
También en 1977, aparece “Blowin' Away” y seguidamente en 1979 “Honest Lullaby”.

Al año siguiente, Joan es honrada con el título de “Doctor Honoris Causa” por las universidades Antioch University y Rutgers University.

En 1983, ocurren dos sucesos paralelamente, por un lado Joan aparece por primera vez en la entrega de los premios Grammy junto a Bob Dylan cantando "Blowin' In The Wind"; a su vez, sale a la venta un nuevo álbum: “Live -Europe '83”.

En 1985, Baez es una de las protagonistas del concierto “Live Aid”. Meses más tarde, aparece en otro concierto de causa social, esta vez en el de “Amnistía Internacional”.

En 1987, la producción “Recently” es editada bajo el sello Gold Castle Records. Con esta nueva casa disquera graba dos discos más: “Speaking of Dreams” en 1989, y “Brothers in Arms” en 1991.

En 1992, firma para Virgin Records, y graba “Play Me Backwards”. Poco tiempo después firma para la disquera Guardian, con la que produce un disco en vivo titulado “Ring Them Bells” (1995) y a su vez un disco grabado en estudio: “Gone from Danger” (1997).

Joan Baez reaparece en el 2003, después de estar alejada de los estudios por varios años con un nuevo LP titulado: “Dark Chords on a Big Guitar”.

Su última producción musical, es una recopilación de canciones que realizó durante una presentación realizada en noviembre del 2004; ésta aparece un año más tarde con el nombre de: “Bowery Songs”.


Fuente: todomusica.org

sábado, 22 de octubre de 2011

Hoy...Los Blue Caps

Los inicios de este grupo se remontan hacia 1958 cuando unidos por la amistad y la inquietud sobre el "nuevo ritmo" que hacía aparición en los medios de aquel entonces (la radio principalmente) un grupo de jóvenes acordaron reunirse periódicamente para dar rienda suelta a su pasión por la nueva música.

Inicialmente el grupo estaba conformado por Jorge Gutiérrez Michell, Tito Ahumada, Armando Trejo, teniendo como lugar de ensayo las escaleras de un edificio ubicado en las calles de Palma y Cuba en el Centro Histórico de la Ciudad de México, cierta ocasión, según Alberto Camilli, él pasó caminando frente a la entrada del edificio percatándose de la música que improvisaban los muchachos. Vencido por la curiosidad se acercó a ellos empatizando casi instantáneamente al grado de ser aceptado por ellos para convertirse su pianista y ensayar en su domicilio que no estaba muy lejos de ahí (Peralvillo), careciendo de nombre decidieron autonombrarse "Los Solitarios", luego optaron por el de "Los Reyes del Ritmo" y fue con este con el cual al ingresar Jorge Baron (como cantante) incursionarían en el ámbito musical. A través de amistades cercanas consiguieron aparecer brevemente en televisión, consiguieron actuar al lado de Bill Haley en el teatro "Esperanza Iris", al poco tiempo Jorge Baron abandonó el grupo para posteriormente integrarse a "Los Zipps".

Los Reyes del Ritmo audicionaron al hermano de uno de sus amigos muy cercano, su nombre: Rene Ferrer quien de inmediato se adaptó a la mecánica del grupo e inmediatamente colaboró aportando su talento para cantar. Los chicos decidieron cambiarse el nombre por el de Los Blue Caps, tal como el nombre del grupo de acompañamiento de Gene Vincent. Fueron contratados hacia 1960 por la CBS Columbia Records a través de José de Jesus Hinojosa, director artístico de la compañía.

Pese a que el grupo tuvo un éxito avasallador en la radio y a través de sus presentaciones, al parecer la difusión y apoyo de la disquera no fue suficiente, por lo que la agrupación se desbandó.


Rene Ferrer pasaría a ser vocalista de "Los Playboys" (1961) y luego de "Los Salvajes" (1961) moriría a la edad de 22 años, el 24 de octubre de 1962 a raíz de un traumatismo craneoencefálico, ocasionado por la golpiza que le propinaron unos policías, que lo detuvieron por orinar en la calle.

Alberto Camilli continuó en la música colaboró en una empresa fílmica, llegando a musicalizar algunas de las películas de El Santo e incursionando en el ámbito televisivo.

Tito Ahumada se retiró del medio. Falleció a principio de los años 80.

Jorge Gutiérrez Michell se integraría a Los Blue Kings, después a Los Teddy Bears, y finalmente a Los Ovnis con quienes actuó regularmente, también fue propietario del nombre de Los Blue Caps. Falleció el 12 de marzo del 2009.

Armando Trejo Ugalde: Formó el grupo Los Blue Kings (notable pero también efímero) después se ocupó de cantar en un trío y realizó grabaciones de música tradicional mexicana. Falleció el 23 de julio de 2009, cuatro meses después de Jorge Gutiérrez.
 
En el año 1999 Los Blue Caps regresarían a los escenarios al actuar en la segunda noche dedicada al rock en el programa "En Vivo", conducido por el periodista Ricardo Rocha, que se transmitió en señal abierta a través de Televisa. La emisión duró más de 8 horas y se vieron acompañados por gran cantidad de grupos contemporáneos. La alineación reunió a dos de los miembros originales: a Jorge Gutiérrez (ya fallecido), requinto, y al pianista Alberto Camili, acompañados por nuevos integrantes: el Doctor Carlos Delvequio en la guitarra de acompañamiento,Gilberto Urquiza en el bajo y Paco Hernández en la bateria. Interpretaron Tú y el Rock y su súper éxito Vuelve Primavera. Estos números fueron presentados en ese intervalo por Luis Carbajo (pionero, quien, en canal 11, había instituido las emisiones en vivo, con duración de toda la noche) y el propio Ricardo Rocha.
 
Fuente: wikipedia
 

lunes, 17 de octubre de 2011

Hoy....Los Cuatro Soles

Largos años de exitosa actividad, avalan el éxito de Los Cuatro Soles, uno de los conjuntos de mayor popularidad dentro de la música Argentina.


Desde sus comienzos en el año 1969, han logrado mantenerse en la cima, a pesar de que para los interpretes de esta línea, les es difícil llegar y mantenerse ahí, convirtiéndose así en una verdadera excepción.

Su Historia tiene inicio en la Ciudad de La Plata, junto con el cantante Beto Orlando, de quien más tarde se separaron. El cambio de su primera vos mejora aun más su posición y se colocan de entrada en los primeros lugares de venta.

Los Cuatro Soles representan en Sudamérica una alta garantía en cuanto a calidad interpretativa. Dotados de una severa preparación, todos sus interpretes han logrado mantener a través de años esta línea de auténticos triunfadores.

Son innumerables sus éxitos desde el comienzo de su carrera, con temas como: “Porque te quiero hasta el delirio”, “No me des tu adiós, mi amor”, “Aquellos besos que te di”, “Dios del olvido”, “Mírame con tus ojos color marrón “. Mas recientemente “Nunca mas podré olvidarte” que representa uno de los más grandes hits de su historia discográfica, “Por culpa de tu amor”, y “Amémonos esta noche” tema, este ultimo, con el que abren nuevas plazas para su consagración Internacional.

Estos jóvenes, integrantes de Los Cuatro Soles, se identifican plenamente con la música melódica, sin embargo, en su afán de renovarse, incluyen en su repertorio otros ritmos como el vals peruano, el bolero, tangos y otros ritmos, asiendo de sus presentaciones personales, una verdadera variedad de ritmos, voces y sonidos.

Integran el conjunto: Raúl Gaggiotti, fundador del grupo y actual director musical, tiene 26 años de edad y ejecuta el órgano. Desde pequeño estudio música en los mas prestigiados Conservatorios de la Ciudad de La Plata, habiendo integrado posteriormente orquestas de tango como bandoneonista, y en otros conjuntos como bajista y guitarrista. Es Argentino, descendiente de Italianos. Alterna su profesión de músico con la de Ingeniero Electrónico.

Josele “El Españolismo” es el nuevo cantante. Alcanzó con el primer disco sencillo: “Nunca mas podré olvidarte”, con su voz, unida a la calidad musical de los demás interpretes, para que los Cuatro Soles obtuvieran el éxito total en Argentina y Paises de América, incluyendo a México. José pertenece al grupo desde hace un año. Es Español, nacido en la ciudad de Málaga, y como sus familiares, Andaluz por excelencia. Estudia canto y guitarra. Su definitiva vocación es el canto.

Alberto Camiña, el baterista, estuvo desde el primer día de la fundación del grupo. Es Argentino, tiene 23 años de edad. Le gusta jugar al fútbol, deporte que practica diariamente alternando con el estudio de batería y otros instrumentos de percusión.

Jorge Ernesto, ejecuta el bajo eléctrico. Es Argentino y tiene 22 años de edad. Es estudiante Universitario.

Cuatro jóvenes muchachos que responden al nombre de Los Cuatro Soles y quienes han sabido brillar con luz propia.

En la actualidad,el grupo sigue en vigencia,con su principal cantante original «Josele» acompañado,por el baterista original,y dos «AMIGOS» del «ALMA» de muchos años.


sábado, 8 de octubre de 2011

Hoy...Percy Faith

Percy Faith (7 de abril de 1908 - 9 de febrero de 1976) fue un famoso director de orquesta, arreglista y compositor de origen canadiense. Fue conocido por sus ingeniosos arreglos para temas musicales de corte popular, al dotarles de un ritmo, estilo y sonoridad, atractivas para el escucha de su tiempo. Considerado un clásico de la música denominada Easy-listening e Instrumental; logró al lado de su colega contemporáneo Ray Conniff popularizar dicho estilo y ser ambos un éxito contundente para el sello discográfico en el cual grababan. Los temas más recordados de Faith son: Delicado, The Song from Moulin Rouge (Canción del Molino Rojo) y los inolvidables temas: Theme from A Summer Place (Tema de un lugar de verano) y Theme For Young Lovers (Tema de los jóvenes enamorados), de los cuales solamente éste último no llegó a la posición #1 de Billboard quedando sólo en el #35 en listas.



Percy nació en Toronto, Canadá, en 1908, siendo hijo primogénito de un matrimonio conformado por el sastre de nombre Abraham Faith y la señora Minnie quienes tuvieron en total 8 hijos. Desde temprana edad Percy manifestó un interés especial por la música revelándose muy pronto como niño prodigio, al interpretar melodías de manera muy fluida al frente de un piano, fue el primer miembro en la historia familiar que se convirtió en músico. Hizo estudios de piano en la Academia canadiense de Spadina Road. En 1920 siendo aún un niño comenzó a ganarse la vida en un empleo que cobró fama durante aquellos años, pianista de sala cinematográfica, al musicalizar películas de cine mudo.


Tiempo después la familia cambió de domicilio debido a su precaria situación económica, por aquel entonces Faith decidió emplear sus ganancias para pagar sus estudios en el Conservatorio de Música de Toronto en donde fue discípulo de destacados concertistas como Frank Welsman. Su manejo de la armonía, composición, estructura armónica se vieron perfeccionadas. El destino de Faith prometía llevarlo a ser un destacado concertista de piano, sin embargo el destino, cambiaría drásticamente sus expectativas. En 1926 mientras Percy efectuaba ensayos en casa, su hermana menor de tres años de edad: Gertrude, jugaba con fósforos, instantes después incendió accidentalmente sus ropas gritando aterrorizada por el fuego y las quemaduras. Percy acudió a la habitación encontrándola envuelta en llamas, desesperado le quitó las ropas ardiendo, quemándose las manos severamente. Ambos salvaron la vida, pero Percy tuvo que convalecer durante 9 meses imposibilitado para tocar el piano. "Tomé un lápiz entre mis vendajes y decidí estudiar composición" diría años después.

Contrajo nupcias en 1928 con Mary Palange, con quien procreó dos hijos: Peter y Marilyn más tarde comenzó a trabajar para las desaparecidas estaciones de radio CKN y CKCL de la Canadian Broadcasting Corporation desde 1933 a 1940.

Para 1945 se naturalizó ciudadano estadounidense, a la par comenzó a efectuar grabaciones para la RCA Víctor, posteriormente trabajaría brevemente en los estudios de Decca Records para luego cambiar al sello CBS Columbia en donde colaboraría activamente con el destacado músico Mitch Miller. Su experiencia y habilidad como arreglista y director le permitío respaldar el trabajo musical de diversas estrellas de la Columbia.

Sin embargo su trabajo fue más allá de ser soporte musical de diversos cantantes y lanzó versiones orquestales de diversas canciones populares durante las décadas de los 1950 y 1960. Su estilo era melódico, basado en arreglos especiales para cuerdas y coros femeninos que daban efectos en la sonoridad de las melodías.

Sus temas más conocidos fueron Delicado (1952), Song from the Moulin Rouge (1953) y el famoso Theme from a Summer Place (1960) el cual se hizo acreedor al Premio Grammy por mejor grabación en 1961. Faith permanece como el único artista que vendió más sencillos durante la era de cantantes populares norteamericanos y durante la era del Rock and Roll (Canción del molino rojo y Tema de un lugar de verano).

Con un presencia musical en los escenarios de Broadway, Hollywood Percy acrecentó su popularidad a inicios de 1962 con sus versiones y arreglos especiales para los temas juveniles de aquella época, su serie de álbumes "Themes for Young Lovers" fueron los mejor vendidos durante esos años y llevaron el sonido Faith a una generación de escuchas más jóvenes. Al lado de Ray Conniff compañero de sello discográfico ´se convirtió en el elemento decisivo para la consolidación del fenómeno musical denominado easy listening. La popularidad de dicha moda musical se prolongó por lo menos hasta finales de los 1960 y principios de los 1970 cuando recibió su segundo Premio Grammy en 1969 por su álbum "Love Theme from Romeo and Juliet" confrontado a la psicodelia, el hard rock y el rock progresivo Faith comenzó a experimentar el cambio en los gustos musicales de los jóvenes por lo que su fama paulatinamente fue decreciendo. Aun así intento mantenerse actualizado y lanzó su versión a los temas "Jesucristo Superstar" "Black Magic Woman" (Mujer de magia negra - tema musical popularizado por Carlos Santana).

Pese a ser conocido por su trayectoria discográfica Faith también musicalizó diversas películas y recibió una nominación al premio de la academia por su adaptación a la pantalla del tema musical interpretado por Doris Day ,llamado "Love Me or Leave Me".

Percy Faith murió de cáncer en Encino California y fue sepultado en el Hillside Memorial Park Cemetery en Culver City California.



Fuentes: wikipedia - youtube

domingo, 2 de octubre de 2011

Los Cuatro Planetas

Hoy les traigo a Los 4 Planetas, genial banda surfer oriundos de, Mendoza, Argentina.


Les cuento un poco acerca de estos muchachos. La banda se formó bajo el nombre Los Planetas, pero como eran muy buenos todos decidieron agregar el 4. Datan, si mal no estoy, del 60. Los miembros originales eran: Freddy Alvarez y Carlitos Roney en guitarras. Este último tocaba una Fender que le había comprado al violero de Los Locos del Ritmo en su paso por el país. Teddy Nelson le hacía al bajo y Luis Alejandro a la batería.

En el 63 viajaron a Buenos Aires y allá hicieron carrera. Tocaron en algunos programas televisivos como Sábados circulares y Ritmo y Juventud. Además acompañaron a Rita Pavone en algunas presentaciones.

La fuente es un muybuen blog que encontré y se llama Garagelatino.


 

sábado, 24 de septiembre de 2011

Hoy... Bobby Darin

Bobby Darin (Nueva York, 14 de mayo de 1936 - Los Ángeles, 20 de diciembre de 1973), cuyo verdadero nombre era Walden Robert Cassotto, fue uno de los cantantes más populares e ídolo de adolescentes de las décadas de 1950 y 1960.


Conocido también por su actitud polifacética, conquistó bastantes géneros musicales como el folk, country, pop y jazz y trabajó como actor en varias películas, llegando a estar nominado a un Oscar en 1964.

Darin nació en una familia pobre de clase trabajadora del Bronx, Nueva York. Su padre provenía de una familia italiana y desapareció unos pocos meses antes de que Bobby naciera. Como resultado, su madre (que provenía de una familia descendiente de colonos ingleses e italianos) se vio forzada a pedir ayuda para cuidar a su hijo.


De pequeño tuvo una salud frágil, quizá por una dieta deficiente y una escasa atención médica. A los 8 años estaba aquejado de múltiples ataques de fiebre reumática. La enfermedad lo dejó con serios problemas de corazón. Una vez oyó cómo su médico le decía a su madre que tendría mucha suerte si llegaba a los 16.

Bobby tenía un gran talento para la música. Cuando era adolescente podía tocar varios instrumentos como el piano, la batería, y la guitarra. Más tarde aprendió a tocar la armónica y el xilófono.

Alumno destacado, con un cociente intelectual de genio, Bobby se graduó en el Bronx High School of Science y después asistió al Hunter College con una beca. Lo que Bobby quería realmente era tener una carrera para actuar en el Teatro de Nueva York. Dejó los estudios y comenzó a trabajar en Clubes Nocturnos como cantante con un conjunto de música. También trabajó en el centro turístico Catskill Mountain como animador.

Bobby eligió como nombre artístico "Bobby Darin" porque lo habían llamado así desde niño (algunos lo llamaban "Waldo" como diminutivo de su nombre real). Escogió Darin porque una vez vio un restaurante chino llamado "Darin Duck". El nombre del restaurante era realmente "Mandarin Duck" ya que se habían fundido las demás letras.

En 1956 su agente firmó un contrato con Decca Records donde Billy Halley and his Comets habían alcanzado la fama. Sin embargo Darin como muchos otros cantantes empezó cantando éxitos de otros artistas.


Cuando dejó Decca Records firmó con Atlantic Records, donde escribió música para él y para otros artistas. Después de tres grabaciones mediocres, su carrera empezó a despegar en 1958 cuando lanzó su único single de rock Splish Splash. Éste se convirtió en un éxito vendiendo más de un millón de copias.

A partir de entonces, Bobby tuvo un gran éxito comercial. En 1959 grabó Dream Lover, una balada que vendió varios millones de copias. Su éxito posterior fue Mack the Knife del clásico de Kurt Weill Three Penny Opera; ésta, junto con Beyond The sea, son sin duda las canciones más importantes y representativas de Bobby Darin. Este último éxito fue directamente al nº 1, vendió varios millones de copias y gracias a esta canción Bobby ganó un premio Grammy en la edición de 1960. Darin ganó también el premio a Mejor artista revelación. Es en esa década cuando Darin encabeza los carteles de los casinos más importantes de Las Vegas.

Darin se dedicó también al cine, escribiendo temas para varias películas en las que actuaba. La película más importante de la que formó parte fue Come September, una comedia romántica co-protagonizada por Sandra Dee. En 1962 ganó un Globo de Oro por su papel en Pressure Point. En 1963 fue nominado a un Oscar por su papel de soldado en Capitán Newman M.D.

Bobby Darin se casó con Sandra Dee en 1960 y en 1961 tuvieron a su hijo Dodd Mitchell Darin, divorciándose en 1967.


También hizo incursiones en la política, trabajando en 1968 para la campaña presidencial de su amigo Robert Kennedy. El asesinato de Robert marcó a Bobby y éste publicó 2 álbumes protesta de música Folk.

A principios de los 70 continuó actuando y grabando en estudios como Motown Records. En enero de 1971 fue operado para corregir sus afecciones de corazón con los que había vivido desde pequeño.

En 1972 Darin tenía su propio show en la televisión norteamericana NBC (The Bobby Darin Amusement Company) que duró 2 años. También siguió actuando en Las Vegas donde le administraban oxígeno después de cada actuación.

Fue embajador de buena voluntad de la asociación americana del corazón. El 20 de diciembre de 1973 Darin murió en una operación que pretendía arreglar daños en su válvula. Su cuerpo fue donado a la UCLA para la investigación.

La estrella de Bobby Darin en el Paseo de la fama de Hollywood está en el 1735 de Vine Street.

En 2004, Kevin Spacey protagonizó y dirigió Beyond The Sea una película que narra la vida de Bobby Darin.



Fuente: Wikipedia

sábado, 17 de septiembre de 2011

Ahhh..."The sound of music"

¿Quien no vió La Novicia Rebelde? ¿Quien no disfrutó de la película y sus canciones? Hoy les traigo para recordar el tema principal en la dulcísima interpretación de Julie Andrews, esta británica que nos hizo vibrar, reir y llorar en la película. ¡Que la disfruten..!


domingo, 11 de septiembre de 2011

Hoy...Los Nocturnos

Trío formado por Omar Martino (requinto), Enzo Peiretti (guitarra y primera voz) y Juan José Bazzani (guitarra y segunda voz), dedicado a la música melódica. Enzo y Juan José eran amigos de la infancia en San Francisco, Córdoba. Comenzaron actuando en radios de su provincia hasta que en 1958 viajaron a Buenos Aires, donde se les unió Omar (hasta entonces guitarrista de tango) formando el trío Los Viajeros. Al año siguiente ganaron un concurso para nuevas figuras y comenzaron a grabar para el sello Orfeo, donde registraron tres LP .

En los 60 cambiaron su nombre a Los Nocturnos y grabaron varios LP muy agradables para Music Hall, con algunas creaciones inolvidables como su versión de "Malagueña", donde podían apreciarse las cualidades vocales de sus integrantes. Eran muy notables también los magistrales solos de requinto de Omar. Grabaron luego para Disc Jockey y para RCA, donde registraron varios LP con la vocalista uruguaya Mara Lua. Posteriormente se alejaron Enzo, radicado en México, y Juan José, actualmente en New York. Omar Martino continúa con el grupo, con otros integrantes. En 2004 se reunieron los tres integrantes originales en San Francisco, Córdoba.



Fuente: rockolafree.com

sábado, 3 de septiembre de 2011

Hoy...Los Teen Agers

Grupo cordobés formado en 1961. Tuvo su origen en un trío que formaban los guitarristas Oscar Santa Cruz y Guillermo Horacio Araujo y el baterista Julio Roberto Rampoldi, jóvenes estudiantes de alrededor de 16 años, que residían en el Cerro de las Rosas, barrio residencial de la ciudad de Córdoba.


El locutor y animador más conocido de programas para la juventud de Córdoba, Enrique Del Campo, pasó casualmente y los escuchó ensayando. Por consejo suyo incorporaron a otros dos integrantes: el pianista Miguel Ángel Costerg y otro guitarrista y vocalista, Pedro Raúl Surdo. Del Campo estaba a cargo también de las relaciones públicas de Vértice Musical, principal comercio disquero cordobés, y tenía contactos con CBS, por lo que consiguió que viajaran a Buenos Aires y grabaran sus primeros temas en Octubre de 1962.

Hasta entonces cantaban en inglés, pero la grabadora prefirió que lo hicieran en castellano. Siguieron viviendo en Córdoba y viajaban para actuar y grabar.


En Mayo de 1963 quedó completado su primer LP, "Club de Baile", que incluyó versiones en castellano de "Hermosos Ojos Azules" ("Pretty Blue Eyes", de Winstein y Teddy Randazzo); "Pera Madura", de Pino Donaggio, y del éxito de The Cascades "El Ritmo de la Lluvia" ("Rhythm Of The Rain"); el resto de los temas eran de Guillermo Araujo ("Mi Corazón Agradecido", "Mabel", "Enamorado de Tí"), de Pedro Surdo ("Tú Eres mi Bombón", "Matemáticas", "El Último Tren", "Twist en Blue Jeans", "Liliana") y una colaboración entre ambos ("No te Voy a Mentir").




Entre Septiembre y Diciembre de 1963 grabaron los temas que formaron su segundo LP, "De Buen Humor", con este tema clásico (el famoso "In the Mood" que popularizó Glenn Miller). Incluía además versiones en español de "Estoy Caminando" ("I'am Walking", éxito de Fats Domino); "Surf City", de los Beach Boys; "Que Tonto es el Amor ("Fools Rush In"); "Buscando el Amor". Completaban el disco los temas de Pedro Surdo "Qué Tal", "Sueño Así", "Dime Por Qué", "Mi Único Amigo", "Amor de Verano", "Buenas Fiestas" y "Qué Buena Es la Vida", y de Guillermo Araujo "El Solo Pensar" y "Recuerdo Caminando". En esta época ingresaron Carlos Constantino y Alberto Boero en reemplazo de Costerg y Araujo.
Durante Febrero y Mayo de 1964 grabaron varios temas: "Para Tí" ("From Me to You", de Lennon y McCartney"; "Dama Española" ("Lady of Spain"); "Blue Bayou", de Roy Orbison; "Malos Sentimientos" ("Dirty Feelings", de Leiber y Stoller); "No Te Creo"; algunos temas de Alberto Boero ("Tienes Todo de Mí", "No Me Mientas", "El Amor No Se Puede Comprar", "Lloro por Tí") y otros de Pedro Surdo ("La Canción de mi Corazón", "No Puede Ser", "Tiempo de Amar", "Twist de Los Teen Agers"). Algunos fueron publicados publicados en simples y EP, pero de otros se conoce el número de matriz sin que haya constancia de publicación. Continuaron realizando presentaciones hasta mediados de 1966 y luego se separaron. Surdo siguió durante un tiempo ligado a la música, formando el grupo Los Sames, que grabó en Disc Jockey y Microfón. Luego se dedicó al comercio. Falleció en 1992. Costerg se recibió de abogado; Santa Cruz y Constantino de ingenieros. Un admirador del grupo, Julio Bruzzone, reflotó Los Teen Agers, pero de los miembros originales solamente participó en ocasiones Guillermo Araujo, hasta que debió alejarse por una enfermedad, que causó su muerte en Julio de 2002.


(Gracias a Héctor Bernardi, Luis Beresovsky, Sebastián Cadenaba, Mario Estrella y Carlos Manuel Garnica por las fotos y la información proporcionada).


Fuente: rockolafree.com.ar



martes, 9 de agosto de 2011

Genial, Anthony....¡genial..!!

La película Zorba el Griego, de Mikis Theodorakis, evolucionó la mentalidad que el espectador occidental tenía de lo que 'debía ser una película'. El cine que deja ver lo más íntimo de los personajes, lo profundo de todos nosotros, entonces debe ser llamado arte y revolución. Anthony Quinn es un ejemplo de lo mejor del cine mundial. Es entrañable.

 Lo primero que veremos es la versión original del año 1964 y después un homenaje que le hicieron al actor en 1999, cuando tenía 84 años.



Un regalo, una excelente reflexión sobre la vida y la muerte, porque están juntas...tal vez con el tiempo , y por qué no decir con la edad, la gente va haciéndose más sensible .... la primera versión de Quinn a los 49 años baila dejándonos una huella indescriptible y eterna, con liviandad, talento, pasión...............una explosión de sentimientos ... una vida pujando hacia todos los lados y convirtiendo en mágico un momento de bella expresión artística y varonil. ¡Realmente un espectáculo! Pero cuando vemos después, a Quinn a los 84 años reproduciendo la danza que lo consagró en la cinematografía mundial, es imposible no verse embargado por la ternura y la gratitud. Lo que hace en el escenario es poesía pura: con gracia, pasión por la vida y el deseo de retribuir a todo ese público que se ganó... Es muy emocionante pensar en lo efímera que es la vida, en las transformaciones que experimentamos a lo largo de los años y en el esfuerzo que todos hacemos para continuar nuestro camino con orgullo, dignidad y placer. Por un instante la gente se olvida de todo. Y como dice Quinn al final, "la música de Zorba es la música de la vida, y la vida es AMOR"



sábado, 6 de agosto de 2011

Hoy... Elis Regina

Nació —con el nombre de Elis Regina Carvalho Costa— el 17 de marzo de 1945 y falleció el 19 de enero de 1982. Elis Regina nació en Porto Alegre (al sur de Brasil), donde empezó su carrera como cantante a los 11 años en el programa de radio para niños O Clube do Gurí en la radio Farroupilha.

En 1959 fue contratada por Rádio Gaúcha y al año siguiente viajó a Río de Janeiro, donde grabó su primer LP, Viva a Brotolândia. Su segundo LP, con Jair Rodrigues, Dois na bossa, fijó un récord de ventas nacional.

A finales de los años sesenta y principios de los setenta, Regina ayudó a popularizar el trabajo del movimiento Tropicalia, grabando canciones de músicos como Gilberto Gil.

Elis Regina a menudo criticó la dictadura brasileña que persiguió y exilió a muchos músicos de su generación. En una entrevista en 1969, declaró que Brasil estaba siendo gobernado por "gorilas". Su popularidad la mantuvo fuera de prisión, pero finalmente fue obligada por las autoridades a cantar el himno nacional de Brasil durante un espectáculo en un estadio, lo que despertó la ira de muchos brasileños de izquierda.

En 1974 editó con Tom Jobim el álbum Elis & Tom, considerado por críticos musicales como uno de los mejores discos de bossa nova de todos los tiempos.

Tuvo tres hijos: João Marcelo Bôscoli (hijo de su enlace con Ronaldo Bôscoli), y Pedro Camargo Mariano y Maria Rita Mariano (hijos también del pianista y compositor César Camargo Mariano). María Rita ha logrado ser una cantante de mucha popularidad.

Elis Regina murió por una sobredosis de drogas, tranquilizantes y alcohol en 1982, a los 36 años. Aunque se divulgaron algunas noticias que Elis fue asesinada por el alto mando de la dictadura militar, ya que el relato oficial de su autopsia tardo demasiado tiempo en salir en los diarios y prensa nacional y su muerte se llenó de especulación. Hasta el día de hoy no se sabe con exactitud que pasó en su casa el día de su muerte.



Fuentes: wikipedia - youtube.com

domingo, 31 de julio de 2011

Hoy...Yuyú Da Silva

Su verdadero nombre es Raymunda Aparecida Da Silva de Miracema.

Sin mucha fama en su país natal (Brasil) llegó a Argentina en una gira en 1958 y al año siguiente se radicó definitivamente. Bailaba y cantaba en castellano (con un fuerte acento portugués) temas de mucho ritmo infaltables en las fiestas de la época: "La Mamadera", "El Tirabuzón", "Brigitte Bardot", "Mamá Yo Quiero", "Cara de Payaso", "Ese Beso". Se presentaba acompañada por la Sonora Camagüey. Ha realizado exitosas giras por toda Sudamérica, Medio Oriente, Alemania y Francia. Continúa activa y realiza obras de beneficencia sin hacer ninguna publicidad.




sábado, 23 de julio de 2011

Hoy... Paolo Salvatore

Paolo Salvatore nació en Italia en 1940 y llegó a Chile a los ocho años de edad junto a su familia entre ellos su primo y pariente más cercano Sergio Meli Grosso, se hizo conocido en la década de 1970, en el programa Sábados Gigantes como artista "obligado", hombre muy caballero, alegre, querido y con sonsonete italiano, que jamás perdió.


A sus fans les encantaba mucho su timbre de voz y también el estilo de sus canciones, las cuales eran siempre alegres y simples.

Tras emigrar a España, para continuar con su carrera artística, acostumbraba a viajar a Chile todos los veranos, mientras que la temporada soleada Europea se la pasaba allá.

Se casó en dos ocasiones, en Chile con la periodista María Inés Sáez, con quien tuvo dos hijas; y en España con quien fuera Miss de su país, Pilar Oribe, con quien tuvo un hijo.

Paolo Meli Pastorella comenzó su carrera artística en los años 1970. Era tanto su carisma que Mario Kreutberger (Don Francisco), no dudaría en convertirlo en artista "obligado" del programa Sábados Gigantes, que en aquellos tiempos era el programa familiar más exitoso de la televisión chilena, junto al espacio televisivo de Enrique Maluenda, "Sábado en el 9".


Pero Paolo Salvatore siempre quiso abrir sus fronteras, y decidió concursar en 1975 en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, donde ganaría la "Gaviota de Plata" con la canción "Es Noche Ya", del compositor Reinaldo Tomás Martínez.

En la década de 1980 se traslada a España, donde tuvo una brillante carrera artística, logrando ser reconocido como cantante de la línea del francés Georgie Dann y del argentino Luis Aguilé.

A principios de la década de 2000 regresó a Chile, afectado de un cáncer de pulmón, donde se dedicaría a los negocios con una línea de cremas capilares, champús y perfumes. Tras retomar su carrera musical y convertirse en ícono del movimiento kitch. En 2006 tuvo una fuerte recaída de salud, pues, se le detectó, tras una semana de fuertes dolores de cabeza, un tumor cerebral maligno, que le obligó a ser hospitalizado en una clínica el 17 de abril del mismo año.


El día 3 de julio de 2007 a las 2 de la madrugada (hora local), falleció a los 67 años, Paolo Salvatore, víctima de un tumor cerebral, en Santiago de Chile, donde sus restos fueron cremados.

Fuente: Wikipedia





viernes, 15 de julio de 2011

Chau Antonio... nos quedan tu voz y tus canciones

El cantante chileno Antonio Prieto, que inmortalizó canciones románticas como "La Novia" y "El reloj", murió poco antes de la medianoche del jueves 14 de julio en una clínica privada. Tenía 85 años.


De acuerdo con uno de sus nietos, el cantante será trasladado el viernes a un templo católico.

"Estaba en su última etapa, en la que todos sus órganos comenzaron a presentar problemas. Tuvo una falla al corazón de la que no pudo salir", dijo Guillermo Prieto .

Antonio Prieto, cuyo nombre verdadero era Juan Antonio Espinoza Prieto, estaba alejado de los escenarios hace unos cinco años debido a que padecía la enfermedad de Alzheimer.

Trayectoria. Inició su carrera en 1949 en los géneros de la balada y el bolero y saltó a la fama internacional con su interpretación de "La barca" y "El reloj", del compositor mexicano Roberto Cantoral. Grabó más de 1.000 canciones.

El tema que lo identifica es "La novia", compuesta por su hermano Joaquín Prieto, y posteriormente vinieron "Martín tenía un violín", "Chuquicamata", "Cómprate un tambor" y "Huija".

En la década de los sesenta fue famoso en Argentina, México, Italia y España. Prieto también destacó como actor y en los setenta incursionó en el área discográfica.

Durante esa misma década fue presentador del Show de Antonio Prieto en la televisión argentina, país en el que también desarrolló su carrera de actor.

Como sucede a menudo, era más conocido y famoso en el extranjero que en Chile, especialmente en Argentina y México. En su país participó varias veces en el Festival Internacional de Viña del Mar.

Fuente: lavoz.com.ar

lunes, 11 de julio de 2011

Pucha che...que mala noticia..!!

La noticia nos llegó desde el exterior. Mataron a Facundo Cabral. Después llegan los interrogantes, las dudas, los porqué.
Nadie se explica realmente que pasó. "La ligó de arriba", dirán algunos. El silencio embargará a muchos otros (me incluyo).

Aunque parezca frívolo y circunstancial, me adhiero al dolor provocado por la muerte del artista y lo recuerdo con el tema que a mi más me gusto... Vuele bajo...

sábado, 2 de julio de 2011

Hoy...Sylvie Vartan

Nacida el 15 de Agosto de 1944, esta cantante búlgara, francesa por adopción, se mudó a Francia junto con sus padres y su hermano en diciembre de 1952. Debutó como actriz en la película Patate (1964). A pesar de concentrar su carrera en el canto, Vartan también ha participado actuando en un considerable número de películas.


 A la edad de 21 años, en 1965, se casó con el cantante francés de rock Johnny Hallyday. Juntos tuvieron un hijo, David Hallyday, que siguiendo la tradición familiar también se ha hecho cantante. Johnny Hallyday y Sylvie Vartan fueron la "pareja de moda" de su generación en Francia, atrayendo constantemente la atención de la prensa rosa. Johnny y Sylvie se divorciaron en 1980. Ella luego se volvió a casar; esta vez con el empresario discográfico americano Tony Scotti.

En el año 2005 Vartan fue nombrada embajadora de buena voluntad de la Organización Mundial de la Salud.


Sus mayores éxitos como cantante los ha obtenido por medio de las canciones "Panne d'essence" (Sin combustible), "Comme un garçon" (Como un muchacho), "J’ai un problème, je crois bien que je t’aime" (Tengo un problema, creo que te amo), "La plus belle pour aller danser" (la más bella para ir al baile) y "Irresistiblement" (Irresistiblemente). Es importante notar que Sylvie, reconocida por ser una buena lingüista, ha hecho una parte de sus canciones en varias lenguas. Por ejemplo, su versión italiana de "Irresistiblement", titulada "Irresistibilmente" fue un gran éxito cuando la cantó por la televisión Italiana en los años 70.

En Francia sigue siendo la artista femenina de su generación que más éxito tiene cuando edita un disco o va de gira. Su último concierto fue en el Palacio de Congresos de Paris en septiembre/octubre del 2004 y su último CD salió en junio de 2007.


viernes, 17 de junio de 2011

Hoy...Oscar Alemán

Oscar Marcelo Alemán, nacido el 20 de Febrero de 1909, en la República Argentina. Oriundo de Machagai, Chaco, provenía de una familia de músicos. Su padre, guitarrista folklórico, formaba parte de un cuarteto de arte nativo, integrado por Carlos, Jorgelina y Juan, sus propios hijos. Por su parte, Oscarcito, de breves seis años, lucía una destreza inusual como zapateador de malambo, impulsado por una elástica postura y un tono muscular, inusuales para un niño de su edad.

El cuerdista chaqueño era un prestidigitador y un “chanssonier”, un velocista y un efectista, un comediante y un danzarín, de improbable réplica contemporánea. Impuso el hábito de girar y apoyar la guitarra sobre las espaldas, y ejecutar (hacia atrás) fragmentos de canciones.

De vuelta al país, logra un éxito impactante, pero persuasivo: su tema “Rosa madreselva”, se proyecta como pieza de culto y cifra de venta. Diez años después, con su invariable humor activo, funda una escuela de aprendizaje para jóvenes guitarristas, sin sustento económico. Alrededor de 1926, toca, de manera profesional, en cafés y clubes nocturnos, junto a Gastón Bueno Lobo, otro guitarrista con quien forma un dúo de género variado. Incursiona como autor de tangos, y Agustín Magaldi le graba una versión. Alterna actuaciones con Carlos Gardel y se vincula con Enrique Santos Discépolo. Viaja después por tierra brasilera y otras latitudes sudamericanas.

Estimulada por la curiosidad de un talento expandido, la diva del jazz Josephine Baker lo convoca a una prueba que lo confirma y la deslumbra. Ambos conforman un dueto antológico. La invasión alemana a París, en 1940, los obliga a desmembrar la compañía y continuar separados. Alemán, conoce a Louis Armstrong y Duke Ellington, quienes detectan su capacidad improvisativa e intuitiva.

Pero es Django Reinhardt, el célebre guitarrista gitano, quién le produce una implosión totalizante en la percepción y en los códigos instrumentales. Ambos se admiran y respetan, comparten sesiones e improvisaciones y tocan en el Hot Club de Francia. En 1915, realizó una actuación memorable, en el escenario del Teatro Nuevo. A causa de una separación familiar, Oscarcito comienza, a los diez años, una vida de errancia y autodeterminación, constantes de su vida futura. Se lo recuerda lustrabotas en las diagonales de Sáenz Peña. Alguien le acerca un “cavaquinho”, pequeña guitarra de cuatro cuerdas, con lo que inicia una carrera excepcional de instrumentista. Alemán se mantiene en su carácter de solista y convoca a un quinteto de tres violines, contrabajo y batería. El primer violín era Hernán Oliva. Las últimas grabaciones las concreta junto a Eduardo Ravera, rodeado por sus discípulos.

Oscar Alemán, esposo de Carmen Vallejos y padre de Selva Alemán, talentosas actrices nacionales, falleció el 14 de Octubre de 1980. Desde el otro siglo, su nombre figura en los anales de la Enciclopedia Mundial del Jazz. El olvido irresponsable y la ingratitud deleznable no tienen edad. Son impunemente vigentes. ¿Algún funcionario nomenclador con sentido común y vergüenza patriótica se acordará, en alguna calle de tantos barrios nuevos del Gran Resistencia, de nuestro Oscar Alemán, que honra al Chaco en el mundo? La memoria es la madre del recuerdo.

Compilado de un texto de Bosquín Ortega
Fuente: jorgelinaaleman.com.ar