martes, 25 de diciembre de 2007
domingo, 16 de diciembre de 2007
jueves, 13 de diciembre de 2007
TOM JONES
Atentos Cuevíferos, hoy conocemos un poquito de la historia de una de las mejores voces de todos los tiempos y, además, disfrutamos de uno de sus grandes éxitos, Delilah. Espero que les guste...
Muy pocas personas han llevado el apodo de “La Voz” y menos aún lo han merecido. Tom Jones salió de Gales del Sur empujado por la potencia de su voz y su estilo sensual en el escenario. Probablemente Sinatra y él serán los únicos que lograron sobrevivir para cantar más allá que ningún otro y nunca ser olvidados.
Thomas Jones Woodward nació en Pontybird, en Gales del Sur el 7 de junio de 1940. Su talento para el canto fue algo que se notó rápidamente y siendo niño cantaba en las reuniones familiares, bodas y en las reuniones de amigas de su madre.
Al mismo tiempo cantaba en el coro de la escuela, pero se dice que le pidieron que lo dejara porque empañaba al resto de los chicos que cantaban con él.
A finales de los años 50 Tom Jones quedó prendado con la música de los adolescentes: rock and roll. Aunque cantaba en el coro de la iglesia, estaba en la adolescencia y su rebeldía se iba en faltar a clases, emborracharse y perseguir a las chicas. Para esa época Tom Jones empezó a cortejar a Melinda Trechard, una chica católica a la que llamaban Linda.
Al poco tiempo Tom Jones cayó enfermo de tuberculosis y tuvo que estar en cama al menos por un año. Ese tiempo en que estuvo delicado lo usó para escuchar música y para dibujar.
A los 16, Tom dejó la secundaria y se casó con Linda cuando solo tenía 17, un mes antes nació Mark. En esa época Tom trabajaba de noche en un molino de papel en el que ganaba bastante bien, pero que no le permitía seguir su pasión: el canto. Teniendo que escoger, decidió dejar de trabajar y dedicarse a cantar.
A pesar de sus muchas aventuras amorosas, la pareja sigue junta y su hijo, Mark, es hoy el manejador de Tom Jones.
Durante el día trabajó como vendedor y por las noches se dedicaba a cantar cuando tuviera una oportunidad.
En 1963 se convirtió en la voz de “Tommy Scott y los Senadores”, un grupo local cuyo antiguo cantante, Tommy Redman prefería cantar baladas. Un día de tantos Redman no se presentó a un show debido a sus problemas con el alcohol, por lo que Vernon Hopkins, el líder del grupo, buscó a Tom Jones en el bar al que acostumbraba a ir y le ofreció que cantara con los Senadores en el YMCA local.
Se suponía que iba a ser por una única vez, pero a Jones le pegó duro el gusano y decidió quedarse. Después de vanos intentos en la guitarra y la batería, se dio cuenta que lo suyo es la voz. En ese momento fue rebautizado como Tommy Scott.
Antes de subir al escenario una docena de pintas de cerveza habían calentado su garganta. El asunto no le preocupaba a la banda, porque después de las cervezas tenían garantizada una presentación impecable. En una ocasión los Senadores se presentaron el “Porthcawl” como banda de apertura para los Dakotas de Billy J. Kramer, la presión de la gente fue tal que tuvieron que dejar que los Senadores tocaran por segunda ocasión.
Aunque las cosas marchaban bien, en 1964, el problema del grupo era estar en Gales, algo lejos de Londres, en donde estaba el núcleo de la industria musical. Entonces, se presentó un hecho que parecía cambiaría las cosas para Jones.
Dos compositores galeses, Raymond Godfrey y John Glastonbury, estaban en contacto con disqueras londinenses y éstas les habían pedido que buscaran grupos para grabar demos. De casualidad, estaban en un bar llamado “Caerphilly” en donde se presentaban los Senadores. Inemdiatamente se acercaron al grupo para ofrecerse como los representantes.
Godfrey y Glastonbury ayudaron a la banda a grabar su cinta demostrativa. Ese año, 1964, grabaron un par de canciones con el productor Joe Meek, y para llevar las cintas a varias casas disqueras y lograr el ansiado contrato de grabación. El plan era lanzar el sencillo que en el lado A tendría “Lonely Joe” y en el B “Was a Fool”. Sin embargo, eso no pudo ser porque Meek se negó a que esas cintas se dieran a conocer.
Frustrados por la mala experiencia, el grupo regresó a Gales del Sur en donde siguieron presentándose en bailes y bares. Una noche en el bar Top Hat, la voz de Tom Jones llamó la atención de Gordon Mills, un hombre de discos que trabajaba en Londres.
Mills, luego diría “Las primeras interpretaciones era todo lo que necesitaba escuchar; me convencieron de que frente a mí estaba una voz que podría hacer de él el mejor cantante del mundo.”
Gordon Mills compró el contrato de la banda con Godfrey y Glastonbury a cambio de un 5% de las ganancias futuras de Tom Jones, algo que se convertiría en un problema legal. Así Mills se convierte en el representante de Jones y lo lleva a Londres. Allí le cambia el nombre artístico a Tom Jones, ya que había un Tommy Scott cantando en Londres. Los Senadores se convirtieron en los “Playboys” y más tardes en los “Squires”.
Sin embargo, las cosas no eran color de rosa. Mills tenía serias dudas sobre el manejo de la voz de Jones y las disqueras no tardaron en señalar que el estilo y la salida de su voz era abrasiva y cruda.
A pesar de todas estas limitaciones, Decca decidió firmar a Jones y grabar “Chills And Forever” a finales de 1964. Aunque el disco no logró entrar a las listas, el siguiente sencillo “It’s Not Unusual” fue un éxito automático. Los arreglos orquestales se acoplaron a la potencia de la voz de Jones, lo que hizo que la canción fuera número uno en Inglaterra y estuviera entre las diez más calientes en Estados Unidos.
Detrás de ese disco vinieron una seguidilla de éxitos como "Once Upon A Time”, “With These Hands” y “What's New Pussycat”.
En 1965 Tom Jones interpretó el tema principal de la película de James Bond “Thunderball” en la que actuaba Sean Connery. Ese mismo año conoció a Elvis Presley de quien sería amigo hasta su desaparición en 1977.
En 1966, Jones lanza el que sería su sencillo más importante: “Green, Green Grass Of Home”. Fue su segundo número uno. La canción la encontró en un disco de Jerry Lee Lewis.
Al año siguiente, se presentó por primera vez en Las Vegas en el Flamingo. Hasta hoy Tom Jones se presenta con regularidad en la capital del entretenimiento y esa es una de las razones por las que se le considera una súper estrella.
“Delilah” fue puesta a la venta en 1968. Era una historia de muerte e infedilidad, sin embargo la gente quedó prendada por la melodía y por la interpretación, lo que la convirtió en éxito.
Después de un año y medio en el Flamingo, Tom Jones se fue para “El Internacional”, en donde cabía más gente. Luego pasó al “Caesar’s Palace” en donde sus espectáculos se convirtieron en una mezcla de frenesí sexual y un buen rato de diversión.
En 1969 empezó a transmitirse el “Tom Jones Show” por la cadena ABC. El programa tuvo una audiencia importante mientras estuvo al aire y recibió US$9 millones por temporada. Antes de salir del aire en 1971, en el programa se presentó con Elvis Presley, Johnny Cash, los Bee Gees, Stevie Wonder, Ray Charles, Tony Bennett, Janis Joplin, Kirk Douglas, Elliot Gould, Peter Sellers y los Moody Blues.
Sin embargo, cuando las cosas no podían ir mejor, dos cosas se complicaron. Por un lado Godfrey y Glastonbury lo demandaron para recuperar dineros que reclamaban como propios. Entonces, los Senadores se separaron porque las presentaciones en Televisión y en Las Vegas los habían hecho prescindibles.
Debido a la cantidad de impuestos que pagaba en Gran Bretaña, en 1974 Tom Jones se mudó a la antigua casa de Dean Martin en Bel Air, California, por la que pagó un millón de dólares.
Con muebles empacados y con la residencia concedida en Estados Unidos, muchos pensaron que Jones se había olvidado del “Verde, verde pasto del hogar”. Las críticas tuvieron su respuesta: “Amo Gran Bretaña y amo vivir allí (...) Es mi hogar. Pero me han forzado al exilio y eso no me gusta para nada.”
Durante los años 70 la popularidad de Tom Jones empezó a decender. Muchos le veían como un viejo caballo de batalla, alguien fuera de moda. A pesar de ello siguieron habiendo éxitos: "Daughter Of Darkness”,”She's A Lady” y “Till and The New Mexican Puppeteer”, al mismo tiempo hubo canciones que no tuvieron fortuna alguna.
1977 fue un punto de inflexión en la carrera de Jones. Por un lado “Say You’ll Stay Until Tomorrow” sería su último éxito durante la próxima década. Por otro, la muerte de su amigo y mentor, Elvis Presley, le provocó una profunda tristeza.
Destruido por los críticos, abandonado por el público y su disquera, Tom Jones quedó confinado a Las Vegas.
El 5 de agosto de 1986 otra pérdida: Gordon Mills fallece de cáncer. El chofer de bus que guió a Jones fuera de Gales y Gran Bretaña, dejaba un hueco enorme.
Entonces, Mark, asumió la administración de la carrera de su padre. Empezó por rejuvenecer su imagen quitándole los medallones y el pelo largo y poniéndolo a la moda. Al mismo tiempo trabajó en un nuevo sonido para Jones que permitió que entrara nuevamente a las listas en 1987 con “A Boy From Nowhere”. Aunque no implicaba un cambio importante en su estilo, hizo que la gente e volviera a fijar en él.
Unos meses después, se presentó en el programa de Jonathan Ross, “The Last Resort”. En él interpretó su versión de “Kiss” original de Prince. El impacto fue tal que tuvo que grabarla con “The Art of Noise”. Mark, había logrado presentar al cantante a una nueva generación.
Durante los siguientes años tuvo su propio programa de televisión, lanzó un disco y se prensentó en los Brit Awards con Robbie Williams interpretando un mosaico de la música de “The Full Monty”.
En 1999 grabó “Reload” un disco a dúo con artistas de renombre que nuevamente lo puso en el centro de la atención, donde se siente realmente cómodo. Junto a él cantaron Chrissie Hynde de los Pretenders, Van Morrison, Zucchero, The Stereophonics y Robbie Williams.
En 1967, Frank Sinatra le dijo a Tom Jones que su voz sería un éxito sino cambiaba su forma de cantar. Se dice que Jones se rió y le dijo “Pero ¿Qué otra manera hay? Estaré aquí hasta que el verde, verde pasto se convierta en un parqueo”.
Tom Jones es una de las voces masculinas más increíbles y sensuales de la música, comprable solo con Frank Sinatra o Elvis Presley. Sin embargo, su carrera pudo haber sido más. Durante años trabajó con músicos y arreglos mediocres. Quizás por eso produjo material que rayaba en los kitsch. Su problema fue que, al no ser compositor, siempre dependió del material que proveían otros. A pesar de ello, logró que esas limitaciones quedaran pequeñas frente a la potencia de su voz.
Thomas Jones Woodward nació en Pontybird, en Gales del Sur el 7 de junio de 1940. Su talento para el canto fue algo que se notó rápidamente y siendo niño cantaba en las reuniones familiares, bodas y en las reuniones de amigas de su madre.
Al mismo tiempo cantaba en el coro de la escuela, pero se dice que le pidieron que lo dejara porque empañaba al resto de los chicos que cantaban con él.
A finales de los años 50 Tom Jones quedó prendado con la música de los adolescentes: rock and roll. Aunque cantaba en el coro de la iglesia, estaba en la adolescencia y su rebeldía se iba en faltar a clases, emborracharse y perseguir a las chicas. Para esa época Tom Jones empezó a cortejar a Melinda Trechard, una chica católica a la que llamaban Linda.Al poco tiempo Tom Jones cayó enfermo de tuberculosis y tuvo que estar en cama al menos por un año. Ese tiempo en que estuvo delicado lo usó para escuchar música y para dibujar.
A los 16, Tom dejó la secundaria y se casó con Linda cuando solo tenía 17, un mes antes nació Mark. En esa época Tom trabajaba de noche en un molino de papel en el que ganaba bastante bien, pero que no le permitía seguir su pasión: el canto. Teniendo que escoger, decidió dejar de trabajar y dedicarse a cantar.
A pesar de sus muchas aventuras amorosas, la pareja sigue junta y su hijo, Mark, es hoy el manejador de Tom Jones.
Durante el día trabajó como vendedor y por las noches se dedicaba a cantar cuando tuviera una oportunidad.
En 1963 se convirtió en la voz de “Tommy Scott y los Senadores”, un grupo local cuyo antiguo cantante, Tommy Redman prefería cantar baladas. Un día de tantos Redman no se presentó a un show debido a sus problemas con el alcohol, por lo que Vernon Hopkins, el líder del grupo, buscó a Tom Jones en el bar al que acostumbraba a ir y le ofreció que cantara con los Senadores en el YMCA local.
Se suponía que iba a ser por una única vez, pero a Jones le pegó duro el gusano y decidió quedarse. Después de vanos intentos en la guitarra y la batería, se dio cuenta que lo suyo es la voz. En ese momento fue rebautizado como Tommy Scott.
Antes de subir al escenario una docena de pintas de cerveza habían calentado su garganta. El asunto no le preocupaba a la banda, porque después de las cervezas tenían garantizada una presentación impecable. En una ocasión los Senadores se presentaron el “Porthcawl” como banda de apertura para los Dakotas de Billy J. Kramer, la presión de la gente fue tal que tuvieron que dejar que los Senadores tocaran por segunda ocasión.
Aunque las cosas marchaban bien, en 1964, el problema del grupo era estar en Gales, algo lejos de Londres, en donde estaba el núcleo de la industria musical. Entonces, se presentó un hecho que parecía cambiaría las cosas para Jones.
Dos compositores galeses, Raymond Godfrey y John Glastonbury, estaban en contacto con disqueras londinenses y éstas les habían pedido que buscaran grupos para grabar demos. De casualidad, estaban en un bar llamado “Caerphilly” en donde se presentaban los Senadores. Inemdiatamente se acercaron al grupo para ofrecerse como los representantes.
Godfrey y Glastonbury ayudaron a la banda a grabar su cinta demostrativa. Ese año, 1964, grabaron un par de canciones con el productor Joe Meek, y para llevar las cintas a varias casas disqueras y lograr el ansiado contrato de grabación. El plan era lanzar el sencillo que en el lado A tendría “Lonely Joe” y en el B “Was a Fool”. Sin embargo, eso no pudo ser porque Meek se negó a que esas cintas se dieran a conocer.
Frustrados por la mala experiencia, el grupo regresó a Gales del Sur en donde siguieron presentándose en bailes y bares. Una noche en el bar Top Hat, la voz de Tom Jones llamó la atención de Gordon Mills, un hombre de discos que trabajaba en Londres.
Mills, luego diría “Las primeras interpretaciones era todo lo que necesitaba escuchar; me convencieron de que frente a mí estaba una voz que podría hacer de él el mejor cantante del mundo.”
Gordon Mills compró el contrato de la banda con Godfrey y Glastonbury a cambio de un 5% de las ganancias futuras de Tom Jones, algo que se convertiría en un problema legal. Así Mills se convierte en el representante de Jones y lo lleva a Londres. Allí le cambia el nombre artístico a Tom Jones, ya que había un Tommy Scott cantando en Londres. Los Senadores se convirtieron en los “Playboys” y más tardes en los “Squires”.
Sin embargo, las cosas no eran color de rosa. Mills tenía serias dudas sobre el manejo de la voz de Jones y las disqueras no tardaron en señalar que el estilo y la salida de su voz era abrasiva y cruda.
A pesar de todas estas limitaciones, Decca decidió firmar a Jones y grabar “Chills And Forever” a finales de 1964. Aunque el disco no logró entrar a las listas, el siguiente sencillo “It’s Not Unusual” fue un éxito automático. Los arreglos orquestales se acoplaron a la potencia de la voz de Jones, lo que hizo que la canción fuera número uno en Inglaterra y estuviera entre las diez más calientes en Estados Unidos.
Detrás de ese disco vinieron una seguidilla de éxitos como "Once Upon A Time”, “With These Hands” y “What's New Pussycat”.
En 1965 Tom Jones interpretó el tema principal de la película de James Bond “Thunderball” en la que actuaba Sean Connery. Ese mismo año conoció a Elvis Presley de quien sería amigo hasta su desaparición en 1977.
En 1966, Jones lanza el que sería su sencillo más importante: “Green, Green Grass Of Home”. Fue su segundo número uno. La canción la encontró en un disco de Jerry Lee Lewis.
Al año siguiente, se presentó por primera vez en Las Vegas en el Flamingo. Hasta hoy Tom Jones se presenta con regularidad en la capital del entretenimiento y esa es una de las razones por las que se le considera una súper estrella.
“Delilah” fue puesta a la venta en 1968. Era una historia de muerte e infedilidad, sin embargo la gente quedó prendada por la melodía y por la interpretación, lo que la convirtió en éxito.
Después de un año y medio en el Flamingo, Tom Jones se fue para “El Internacional”, en donde cabía más gente. Luego pasó al “Caesar’s Palace” en donde sus espectáculos se convirtieron en una mezcla de frenesí sexual y un buen rato de diversión.En 1969 empezó a transmitirse el “Tom Jones Show” por la cadena ABC. El programa tuvo una audiencia importante mientras estuvo al aire y recibió US$9 millones por temporada. Antes de salir del aire en 1971, en el programa se presentó con Elvis Presley, Johnny Cash, los Bee Gees, Stevie Wonder, Ray Charles, Tony Bennett, Janis Joplin, Kirk Douglas, Elliot Gould, Peter Sellers y los Moody Blues.
Sin embargo, cuando las cosas no podían ir mejor, dos cosas se complicaron. Por un lado Godfrey y Glastonbury lo demandaron para recuperar dineros que reclamaban como propios. Entonces, los Senadores se separaron porque las presentaciones en Televisión y en Las Vegas los habían hecho prescindibles.
Debido a la cantidad de impuestos que pagaba en Gran Bretaña, en 1974 Tom Jones se mudó a la antigua casa de Dean Martin en Bel Air, California, por la que pagó un millón de dólares.
Con muebles empacados y con la residencia concedida en Estados Unidos, muchos pensaron que Jones se había olvidado del “Verde, verde pasto del hogar”. Las críticas tuvieron su respuesta: “Amo Gran Bretaña y amo vivir allí (...) Es mi hogar. Pero me han forzado al exilio y eso no me gusta para nada.”
Durante los años 70 la popularidad de Tom Jones empezó a decender. Muchos le veían como un viejo caballo de batalla, alguien fuera de moda. A pesar de ello siguieron habiendo éxitos: "Daughter Of Darkness”,”She's A Lady” y “Till and The New Mexican Puppeteer”, al mismo tiempo hubo canciones que no tuvieron fortuna alguna.
1977 fue un punto de inflexión en la carrera de Jones. Por un lado “Say You’ll Stay Until Tomorrow” sería su último éxito durante la próxima década. Por otro, la muerte de su amigo y mentor, Elvis Presley, le provocó una profunda tristeza.
Destruido por los críticos, abandonado por el público y su disquera, Tom Jones quedó confinado a Las Vegas.
El 5 de agosto de 1986 otra pérdida: Gordon Mills fallece de cáncer. El chofer de bus que guió a Jones fuera de Gales y Gran Bretaña, dejaba un hueco enorme.
Entonces, Mark, asumió la administración de la carrera de su padre. Empezó por rejuvenecer su imagen quitándole los medallones y el pelo largo y poniéndolo a la moda. Al mismo tiempo trabajó en un nuevo sonido para Jones que permitió que entrara nuevamente a las listas en 1987 con “A Boy From Nowhere”. Aunque no implicaba un cambio importante en su estilo, hizo que la gente e volviera a fijar en él.
Unos meses después, se presentó en el programa de Jonathan Ross, “The Last Resort”. En él interpretó su versión de “Kiss” original de Prince. El impacto fue tal que tuvo que grabarla con “The Art of Noise”. Mark, había logrado presentar al cantante a una nueva generación.
Durante los siguientes años tuvo su propio programa de televisión, lanzó un disco y se prensentó en los Brit Awards con Robbie Williams interpretando un mosaico de la música de “The Full Monty”.
En 1999 grabó “Reload” un disco a dúo con artistas de renombre que nuevamente lo puso en el centro de la atención, donde se siente realmente cómodo. Junto a él cantaron Chrissie Hynde de los Pretenders, Van Morrison, Zucchero, The Stereophonics y Robbie Williams.
En 1967, Frank Sinatra le dijo a Tom Jones que su voz sería un éxito sino cambiaba su forma de cantar. Se dice que Jones se rió y le dijo “Pero ¿Qué otra manera hay? Estaré aquí hasta que el verde, verde pasto se convierta en un parqueo”.
Tom Jones es una de las voces masculinas más increíbles y sensuales de la música, comprable solo con Frank Sinatra o Elvis Presley. Sin embargo, su carrera pudo haber sido más. Durante años trabajó con músicos y arreglos mediocres. Quizás por eso produjo material que rayaba en los kitsch. Su problema fue que, al no ser compositor, siempre dependió del material que proveían otros. A pesar de ello, logró que esas limitaciones quedaran pequeñas frente a la potencia de su voz.
Escribe: Guillermo Reyna Allan
>">
viernes, 7 de diciembre de 2007
Hoy... Charles Aznavour
Hola Cuevíferos. Hoy les traigo un rápido paseo por la vida de Charles Aznavour. ¿Lo recuerdan? Claro, como no.
Tras la lectura encontrarán el video musical de uno de sus más grandes éxitos.
Que lo disfruten...
Charles Aznavour Nació en París el 22 de mayo de 1924. Su padre, Micha, de nacionalidad armenia , nacido en Georgia, era hijo de un antiguo cocinero del zar Nicolás II; en cuanto a su madre, Knar, era hija de una familia de comerciantes armenios en Turquía.
Después de la crisis económica de 1929, la familia Aznavourian se instala en la calle del Cardinal-Lemoine, en frente de la escuela del espectáculo. En 1933, Charles comienza a interpretar en pequeños papeles en obras de teatro y en peliculas de cine. En 1946, conoce a Edith Piaf y su ídolo, Charles Trenet. Piaf tiene la intención de llevar el dúo a América. Ese mismo año, Charles Aznavour se casa con Micheline, con quien tiene una hija, Séda, el año siguiente. Al final de los años 40, el duo Aznavour-Roche vuela hacia los Estados Unidos, y luego a Montreal, donde permanece en cartel durante meses.
En 1952, Aznavour vuelve a Francia, solo. Comienza entonces a cantar en solitario, pero sin éxito. Nace su segundo hijo, Charles.
Es necesario esperar hasta el año 1954 y una gira en la África septentrional para registrar los primeros éxitos . Charles tiene entonces una treintena de canciones. Lleva sus recientes grabaciones en Alhambra y luego en el mítico Olympia de París.
En 1956, se casa de nuevo con Evelyne Plessis y nace su hijo Patrick.
Charles Aznavour se se hace un nombre indispensable de la canción francesa y en esa época crea "Sur ma vie", "Parce que" o también "après l'amour ".
En 1957 Aznavour conoce finalmente el triunfo en una serie de conciertos en Alhambra y en el Olympia, que pasa a formar parte de cabeza de cartel. Decide entonces emprender una gira en el extranjero. Por todas partes donde pasa, encuentra un enorme éxito.
Su carrera cinematográfica empieza paralelamente. En 1958, interpreta un papel en "Les dragueurs" de Jean-Pierre Mocky y "La tête contre les murs" de Georges Franju, en la cual recibe el premio de interpretación masculina del cine francés.
Truffaut recurre a él en 1960 para "Tirez sur le pianiste". El éxito de este film en los Estados Unidos le abre las puertas del Carnegie-Hall, el prestigioso espectáculo de variedades de Nueva York. La crítica es entusiasta y Aznavour comienza entonces una verdadera vuelta del mundo que va a durar varios años. Turquía, Líbano, Grecia, África negro, la URSS, Charles Aznavour se convierte en una estrella internacional, vendiendo millones de discos, entre los cuales, "La Mamma", que interpreta triunfalmente en Erevan, Armenia.
En 1952, Aznavour vuelve a Francia, solo. Comienza entonces a cantar en solitario, pero sin éxito. Nace su segundo hijo, Charles.
Es necesario esperar hasta el año 1954 y una gira en la África septentrional para registrar los primeros éxitos . Charles tiene entonces una treintena de canciones. Lleva sus recientes grabaciones en Alhambra y luego en el mítico Olympia de París.
En 1956, se casa de nuevo con Evelyne Plessis y nace su hijo Patrick.
Charles Aznavour se se hace un nombre indispensable de la canción francesa y en esa época crea "Sur ma vie", "Parce que" o también "après l'amour ".
En 1957 Aznavour conoce finalmente el triunfo en una serie de conciertos en Alhambra y en el Olympia, que pasa a formar parte de cabeza de cartel. Decide entonces emprender una gira en el extranjero. Por todas partes donde pasa, encuentra un enorme éxito.
Su carrera cinematográfica empieza paralelamente. En 1958, interpreta un papel en "Les dragueurs" de Jean-Pierre Mocky y "La tête contre les murs" de Georges Franju, en la cual recibe el premio de interpretación masculina del cine francés.
Truffaut recurre a él en 1960 para "Tirez sur le pianiste". El éxito de este film en los Estados Unidos le abre las puertas del Carnegie-Hall, el prestigioso espectáculo de variedades de Nueva York. La crítica es entusiasta y Aznavour comienza entonces una verdadera vuelta del mundo que va a durar varios años. Turquía, Líbano, Grecia, África negro, la URSS, Charles Aznavour se convierte en una estrella internacional, vendiendo millones de discos, entre los cuales, "La Mamma", que interpreta triunfalmente en Erevan, Armenia.
En 1969, nace su hija Katia. A principios de los años 70, redacta sus memorias en "Aznavour par Aznavour" y se instala en los Estados Unidos. Esta nueva década empieza también su por los hechos diarios de la sociedad que refleja en sus canciones. "Le temps des loups" (1970) trata sobre el tema de la violencia, "Mourir d'aimer"(1971) inspirada en la pelicula del mismo nombre o también "Comme ils disent" donde canta la homosexualidad.
A principios del año 71, triunfa de nuevo en el Olympia de París. Algunos meses más tarde, recibe un León de Oro en el festival de Venecia para la versión italiana de la canción de la pelicula "Mourir d'aimer".
En el mes de mayo, nace su hijo Misha. En 1972, tanto en principio de año como en Otoño triunfa en el Olympia. Con la canción "Les plaisirs démodés" hace la vuelta del mundo.
En 1974, recibe un disco de platino en Gran Bretaña por la canción "She".
Estrella internacional, sus canciones son versionadas por los más grandes. Ray Charles interpreta "La mamma" y fred Astaire, en 1976, "les plaisirs démodés". En 1977, poco tiempo antes de morir, Bing Crosby versiona "Hier encore". Ese mismo año, Charles Aznavour se convierte en padre de nuevo, con el nacimiento de Nicolas, y abuelo por primera vez.
El año siguiente, protagoniza la película "Le Tambour" de Volker Schloendorff, en la que obtiene la Palma de Oro al festival de Cannes.
En el mes de mayo, nace su hijo Misha. En 1972, tanto en principio de año como en Otoño triunfa en el Olympia. Con la canción "Les plaisirs démodés" hace la vuelta del mundo.
En 1974, recibe un disco de platino en Gran Bretaña por la canción "She".
Estrella internacional, sus canciones son versionadas por los más grandes. Ray Charles interpreta "La mamma" y fred Astaire, en 1976, "les plaisirs démodés". En 1977, poco tiempo antes de morir, Bing Crosby versiona "Hier encore". Ese mismo año, Charles Aznavour se convierte en padre de nuevo, con el nacimiento de Nicolas, y abuelo por primera vez.
El año siguiente, protagoniza la película "Le Tambour" de Volker Schloendorff, en la que obtiene la Palma de Oro al festival de Cannes.
A finales de 1988, el terrible terremoto de Erevan (Armenia), con 50.000 muertes, moviliza al artista que va a llevar un combate ininterrumpido a partir de ese momento para ayudar a su tierra de origen. Crea con ese motivo la fundación " Aznavour pour l'Arménie" que se encarga de recoger y enviar prendas de vestir y comida para la población.
A raíz de esa operación, Aznavour es nombrado embajador permanente en Armenia por la UNESCO. Ese mismo año, va a volver a registrar sus principales títulos en Londres que saldrán en tres volúmenes.
A principios de los años 90, vuelve al cine y a la televisión. En 1991, publica su segunda obra "Des mots à l'affiche", en donde recopila numerosos textos suyos.
En 1997, obtiene el Victoire de la Música del mejor intérprete masculino, premio decretado por el conjunto de los profesionales de la canción en Francia. En el mismo año, obtiene un César honorífico.
A raíz de esa operación, Aznavour es nombrado embajador permanente en Armenia por la UNESCO. Ese mismo año, va a volver a registrar sus principales títulos en Londres que saldrán en tres volúmenes.
A principios de los años 90, vuelve al cine y a la televisión. En 1991, publica su segunda obra "Des mots à l'affiche", en donde recopila numerosos textos suyos.
En 1997, obtiene el Victoire de la Música del mejor intérprete masculino, premio decretado por el conjunto de los profesionales de la canción en Francia. En el mismo año, obtiene un César honorífico.
En su gira 98, Aznavour cancela dos conciertos a finales de julio por razones de salud. Con 74 años, el cantante se prepara por otro lado a enfrentar una nueva gira americana en el otoño. Empieza en el en Nueva York, en el Marquis Theater de broadway, gran lugar de la comedia musical y del music-hall. Es todo un éxito. La crítica americana aprecia su clase y su romanticismo.
En el mismo momento, publica un nuevo álbum, enteramente de jazz. Versiona algunos de sus éxitos en forma de jazz. En el disco colaboran artistas tales como André Ceccarelli, Michel Petrucciani, Diana Reeves,.....entre otros.
Problemas de salud, accidente de coche, decide poner un freno a sus giras o incluso a poner fin. Por ello aquellos recitales formaran parte de sus últimos viajes musicales a través del mundo y anuncia ya su adiós. En noviembre de 1999, da sus últimos conciertos en Quebec, con un inmenso éxito. Anuncia sus últimos conciertos parisinos para octubre de 2000. Pero alrededor de 180 conciertos forman parte entre las dos giras.
En el mismo momento, publica un nuevo álbum, enteramente de jazz. Versiona algunos de sus éxitos en forma de jazz. En el disco colaboran artistas tales como André Ceccarelli, Michel Petrucciani, Diana Reeves,.....entre otros.
Problemas de salud, accidente de coche, decide poner un freno a sus giras o incluso a poner fin. Por ello aquellos recitales formaran parte de sus últimos viajes musicales a través del mundo y anuncia ya su adiós. En noviembre de 1999, da sus últimos conciertos en Quebec, con un inmenso éxito. Anuncia sus últimos conciertos parisinos para octubre de 2000. Pero alrededor de 180 conciertos forman parte entre las dos giras.
El día 22 de mayo de 2001 celebra, con una gran fiesta y una infinidad de especiales por televisión y radios, sus 77 años.
Desde hace cincuenta años, charles Aznavour se ha impuesto como el amo de la canción francesa y un artista completo puesto que además de la música, es confirmado un actor, y practica la escritura y la pintura con talento.
Escribe: Guillermo Reyna Allan
Desde hace cincuenta años, charles Aznavour se ha impuesto como el amo de la canción francesa y un artista completo puesto que además de la música, es confirmado un actor, y practica la escritura y la pintura con talento.
Escribe: Guillermo Reyna Allan
lunes, 3 de diciembre de 2007
sábado, 1 de diciembre de 2007
martes, 27 de noviembre de 2007
martes, 20 de noviembre de 2007
Es la nostalgia... Bárbara y Dick
Hola "Cuevíferos". Hoy traemos a la memoria a este dúo formado por Bárbara Bourse y Fernando Sustaita, que encadenó varios éxitos a partir de 1966: "Facundo", "El Funeral del Labrador", "California Somnolienta", "Mony Mony", "La Balada de Bonnie y Clide", "Simon Says", "Hurdy Gurdy Man", "Guantanamera", "Judy in Disguise".
Grabaron en castellano, en inglés y en portugués. Entre 1969 y 1971 se presentaron como solistas como Bárbara y Fernando "Dick" Sustaita. Volvieron a reunirse y actuaron juntos hasta 1998, cuando Dick comenzó a tener problemas de salud y decidió retirarse, para llevar una vida en contacto con la naturaleza hasta su muerte, el 29 de Julio de 2006. Bárbara retomó su carrera solista exitosamente.Sustaita había conocido a Bárbara en su juventud (en 1965), por un amigo en común, cuando vivía en San Isidro y participaba en guitarreadas con amigos. La idea inicial había sido conformar un trío, pero el hacedor del proyecto desistió y la compañía discográfica RCA los contrató como dúo.
Enseguida la firma le impuso a él la adopción del nombre Dick, y al poco tiempo compartieron escenarios con Jimmy Fontana, José Feliciano y Los iracundos.
En 1969 la dupla decidió separarse por primera vez, pero, arrepentidos, volvieron a juntarse en
1971, época en la que compartieron un programa propio en Canal 13 (La tarde de Bárbara y Dick)."La compañía discográfica nos había aconsejado inventar que nos habíamos hecho amigos en la Universidad de Yale, en Estados Unidos, porque era cool, pero no pudimos sostener por mucho tiempo esa mentira. Ninguno de los dos había estado allá", había confesado la cantante hace unos meses a Clarín. "Nunca van a dejar de fantasear con volver a vernos juntos algún día. A mí me ofrecieron varias veces poner otro Dick, pero yo nunca acepté", admitió entonces.
"Una de las mayores ilusiones de los fans era que fuéramos pareja, pero cada uno tenía su matrimonio. Lo que pasa es que había mucha química", agregó.
Escribe: Guillermo Reyna Allan
">
jueves, 8 de noviembre de 2007
Una pequeña "Beatle-historia"
Navegando por internet se encuentran cosas sorprendentes. Esta es una de ellas. Está en el blog lacomunidad/elpaís.com. Nada menos que unos jovencísimos Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison, de vacaciones en Tenerife. Eso ocurrió en abril de 1963.
En pleno apogeo de su éxito, estos tres Beatles, tras publicar su primer álbum "Please Please Me" y conseguir varios números 1, quisieron escapar de su enorme éxito en esta isla canaria. Eso ocurrió en pleno boom turístico de las islas. Se ve que estaban de moda.
Por cierto, el desertor de John Lennon prefirió irse a Barcelona con su manager. Él se lo perdió
Aunque por otro lado salió ganando porque desde ese momento, las canciones que Paul McCartney y él componían ya no se firmaban "McCartney-Lennon" sino al revés, "Lennon-McCartney". ¿Qué ocurrió en Barcelona (mientras Paul tomaba el sol en Tenerife) para que pasara esto? Dejo la pregunta en el aire.
Otra curiosidad sobre ese viaje a Tenerife que he encontrado en Internet: "Paul, George y Ringo viajaron a las islas Canarias, donde el padre desu amigo alemán Klaus Voorman les prestó su casa de recreo. Se cuentaque Paul casi muere ahogado al alejarse de la playa y ser arrastradopor las olas".
Amigos cuevíferos, va una "yapa" con Yesterday, que lo disfruten...
">Guillermo Reyna Allan
lunes, 22 de octubre de 2007
Para soñar...Carpenters
Hola Cuevíferos hoy les traigo la historia de un binomio que fue... sensacional!!! Fueron un dúo de ensueño. Personificaron, en alguna medida al sueño americano, pero también a las contradicciones de una sociedad.
Karen Carpenter, tenía una voz blanca, casi pura y sobre la que ejercía un dominio admirable. Su hermano, Richard, hacía los arreglos musicales que armonizaban perfectamente con la voz y creaban un sonido distintivo, único.
Karen nació en 2 de marzo de 1950 en la ciudad de New Heaven, estado de Connecticut. Fue la menor del matrimonio de Harold y Agnes Carpenter, que el 15 de octubre de 1946 había visto nacer a Richard, que ya a los tres años mostraba un marcado interés por la música.
La familia se mudó a California en busca de un mejor clima y de oportunidades para el joven talentoso que ya siendo adolescente tocaba el piano en concursos y en algunas fiestas. Su hermana desarrolló el mismo interés por la música y aunque fracasó con la flauta logró éxito con la batería y, más tarde, el canto.
En esta época se unieron con su amigo Joe Osborn y grabaron algunas temas de Jazz, del que salió el sencillo "Looking for Love" en el que Karen tocaba la batería. Se produjeron 500 copias de este disco que hoy día es un elemento de colección.
Con el pasar del tiempo los hermanos mejoraron su calidad musical y entraron a varios concursos de talentos, llegando a ganar la "Batalla de las Bandas" en el Hollywood Bowl. Parecía que se estaba gestando una carrera artística, de ahí que el próximo paso era producir una cinta de demostración para enviar a las casas disqueras. La primera de esas cintas llegó al escritorio de Herb Alpert, fundador del sello A&M, y bastaron 30 segundos para que se decidiera a firmarlos.
En 1969 salió su primer disco llamado inicialmente "Offering", pero luego rebautizado "Ticket to Ride" por el número de los Beatles que aparecía en el LP. Esa canción fue escogida para ser promovida en las emisoras y aunque no tuvo el éxito de un número uno, preparó el camino para lo que venía: "Close to You".
A mediados de 1970 lograron colocar el sencillo dentro de las listas de popularidad y vender 300 mil copias. El tema promovía un estilo musical que chocaba con el rock de los Stones, el Show de Elton John o la música fuerte de la década.
Luego de "Close To You" vino una gira por Europa y Japón donde agotaban entradas, además de los éxitos "We've Only Just Begun", "Rainy Days and Mondays", "Superstar", "For All We Know", "Top of the World" y "Please Mr. Postman". El dúo logró su éxito a partir de una mezcla de canciones propias, reinterpretaciones de éxitos y un estilo musical propio y sólido, más allá de las críticas que los acusaban de blandos o cursis en un período en el que la música debía ser sinónimo de rebeldía y fuerza.
Los Carpenters mantuvieron una pesada agenda de conciertos y presentaciones por varios años que fue generando mayor presión en Karen y Richard que degeneró en una adicción a las dietas en ella y a las pastillas para dormir en él. La primera señal llegó en un concierto en Las Vegas a mediados de los setenta cuando cantando "Top of the World" Karen se desmayó y tuvo que ser internada en un hospital con 15 kilos menos de lo que debería pesar una mujer de sus condiciones. Pero fue hasta 1977 que Karen se empezó a mostrar realmente enferma con una apariencia cadavérica.
Mientras Richard estaba impotente ante la crisis de su hermana porque tenía una propia: en 1974 había empezado a tomar un somnífero que lo ayudara a conciliar el sueño, pero se volvió adicto cuando lo empezó a usar para otros propósitos, sus manos temblaban y no manejaba el tiempo de su música. El 4 de septiembre después de una presentación en Las Vegas admitió que no podía más y buscó ayuda. Fue la última presentación del dúo.
En enero del 79, Richard se internó en una clínica para curarse de su adicción. Karen, para 
mantenerse activa, decidió grabar en solitario un disco bajo la dirección del productor Phil Ramone en Nueva York. El LP no fue bien recibido ni por su hermano, ni por la casa disquera que no permitieron que saliera sino hasta 1996, quince años después de su muerte.
Karen desmoronada y Richard recuperado volvieron al estudio en 1981 para grabar el disco "Made in America", del que se extraería el sencillo "Touch me When We're Dancing".
Durante esos años los Carpenters grabaron varios especiales de Televisión como "Music, Music, Music", "The Carpenters at Christmas" y "Space Encounters", además de haber sido invitados en muchísimos más. Su cosecha de Grammys fue prodigiosa, e inclusive lograron ganarle a Elton John.
En 1982 Karen se asumió como anoréxica y fue a tratarse en Nueva York con un psicoterapeuta, además de que cargaba con el fracaso marital con Tom Burris. Su médico descubrió con horror que había estado tomando laxantes en cantidades desproporcionadas, además de medicamentos para la tiroides de manera de que su metabolismo fuera más rápido.
Para la celebración del Día de Acción de Gracias de 1982 las cosas parecían encaminarse bien. Sin embargo, Richard seguía desconfiando de la verdadera recuperación de su hermana, incluso le pidió que buscara ayuda apropiada haciendo referencia a su apariencia física. De hecho él no era el único que dudaba, sus amigos veían que un año de tratamiento "la había empeorado".
3 meses después, el 4 de febrero de 1983, Karen Carpenter fallecía de un paro cardíaco debido a su anorexia nerviosa.
Escribe: Guillermo Reyna Allan
miércoles, 10 de octubre de 2007
Hoy... Los Náufragos
En medio de la esfervescencia hippie, un grupo de chicos mataban sus horas entre noches en la legendaria Cueva de Sandro y kilométricas guitarreadas en la plaza Francia, "naufragando" hasta la madrugada, que era la manera de describir aquellas noches de bohemia interminables.
Su aparición pública sucedía en la primavera de 1968, cuando lograron que en el sello CBS les grabaran su primer simple, obviamente con el nombre de "Los Náufragos". Este disco pasó absolutamente desapercibido (se vendieron 616 unidades) pese a ser probablemente la placa con la primera composición del rock nacional. Se llamaba "Sutilmente a Susana" y fue un tema que el legendario "Tanguito" compuso a los 16 años, antes que a "La Balsa". Frente a semejante fracaso, el grupo se disolvió por unos meses hasta caer en la cuenta de que el contrato era por dos simples. Al reclamar esta segunda grabación, CBS se la otorgó; se grabó "Vuelvo a Naufragar ", después de esto " Otra vez en la vía ", " Yo en mi casa y ella en el bar", "Zapatos rotos", y allí comenzó una lista ininterrumpida de éxitos que aún hoy siguen escuchándose con inusitada frecuencia en toda Latinoamérica .
A sus primitivos integrantes, Gustavo Alessio, Guillermo Cimadevilla, Quique Villanueva, Carlos "Rocky" Nilson, y Roberto "Junior" Cesari, se le sumó un brass compuesto nada menos que por Gustavo Bergali (hoy presidente de la academia de jazz de Suecia), Rubén Barbieri (virtuoso trompetista) y Christian Kellens, trombonista belga integrante de grandes bandas de jazz internacional.
En realidad " Los Náufragos " era un pasaje para que músicos de primer nivel pudieran divertirse y divertir muchísimo a su público en centenares de shows. Por la agrupación pasaron Jimmy Arce, Pajarito Zaguri, Gervasio Viera, "Fats" Fernández, Luis Cerávolo, Claudio Gabis, todos músicos que obviamente no podrían integrar una agrupación a veces fustigada por algunos sectores, que la tildaban de "comercial" por ser un grupo pop.
A partir de su 1º éxito (Vuelvo a naufragar), Los Náufragos comienzan a producir una saga de éxitos de inusitada relevancia en toda Latinoamérica, de tal manera que el año 73 la revista Cashbox los menciona como el grupo que mas simples en español había vendido en el mundo en toda la historia. Así es como en toda hispanoamérica se siguen cantando sus temas grabados primero con Quique como cantante y luego con Gervasio Viera, este último de gran relevancia en Chile antes y después de su paso por el grupo.
En al 76' el grupo disminuyue sus actividades para retomarlas en los 90`de la mano de Marccelo Tinelli, para quien graban el tema "Gomazo" que se convierte en el tema más vendido en el año 93`.
Actualmente el grupo se ha convertido en el referente más importante del pop argentino de la década del 70 y sus shows son constantemente requeridos en casinos y hoteles internacionales de gran parte de Sudamérica.
Ahora te invito a despeinar tus canas con "Otra vez en la vía", rescatado de la película "El profesor hippie". Dale, bailá y emocionate...">
Escribe: Guillermo Reyna Allan
martes, 2 de octubre de 2007
Grande Sergio..!!!
Hace unos días en Posadas, Misiones, tuvimos la ocasión de disfrutar nuevamente de un show de Sergio Denis.
Ya recuperado de la dolencia cardíaca que lo afectara y que lo tuvo al borde de la muerte, el cantaautor hizo una presentación excelente; cargada de emotividad; con un público que disfrutó de su presencia.
Hoy lo recordamos con el que fue su primer gran éxito... Te llamo para despedirme. Espero lo disfruten.
Un abrazo">
Ya recuperado de la dolencia cardíaca que lo afectara y que lo tuvo al borde de la muerte, el cantaautor hizo una presentación excelente; cargada de emotividad; con un público que disfrutó de su presencia.
Hoy lo recordamos con el que fue su primer gran éxito... Te llamo para despedirme. Espero lo disfruten.
Un abrazo">
martes, 18 de septiembre de 2007
And now.... Creedence Clearwater Revival
El grupo de rock estadounidense Creedence Clearwater Revival fue la banda más popular de los años 1969 y 1970. La carrera artística de Creedence Clearwater Revival fue tan rica como breve. Grabaron siete discos en cinco años, tres de ellos en 1969. Luego vinieron unas cuantas recopilaciones y algunos discos en vivo (siempre bajo el sello Fantasy) que perpetuaron al grupo en el tiempo.
John Fogerty, Tom Fogerty, Stu Cook y Doug Clifford comenzaron a tocar juntos en 1959.
Su banda inicial en El Cerrito (California) se llamaba The Blue Velvets.En 1964 firmaron contrato con el sello Fantasy Records (donde John Fogerty trabajaba como cadete) y se cambiaron el nombre (a instancias de la compañía) por el de Golliwogs.En diciembre de 1967 se convirtieron en profesionales y comenzaron a llamarse Creedence Clearwater Revival.
El porqué del nombre
Fogerty tenía un amigo que se llamaba Creedence; en un aviso de cerveza aparecía una cascada y decía Clearwater; y Revival era por el renacimiento de nosotros mismos.
Siempre fueron una banda de rock and roll, y nunca se plegaron a las modas que imperaban en el creciente mundillo del rock y de la industria que se desarrollaba a su alrededor. En esos fermentales años, los hippies vivían su apogeo y se mostraban al mundo desde el Hyde Park de la ciudad de San Francisco. Allí era donde había que estar. Pero los cuatro miembros de Creedence no estaban en San Francisco, ni eran hippies. No eran psicodélicos, ni revolucionarios (pero sí rebeldes), ni rendían culto al LSD. Eran una banda de rock and roll, con influencias de la música country, provenientes de la poco conocida localidad de El Cerrito. Así, no renunciaron a las canciones de tres minutos cuando la moda era la experimentación. Su sonido crudo, de guitarra, bajo y batería, no sucumbió ante los teclados y los instrumentos orientales que las orquestas incluían.
El alma y el corazón de Creedence Clearwater Revival fue John Fogerty, con él lograron ponerse de moda y mantenerse vigentes hasta hoy en día. El cantante, guitarrista y compositor fue el único de los integrantes de la banda que se convirtió, como solista, en un músico de primera línea.
Los otros integrantes eran su hermano, Tom Fogerty (falleció de sida en 1990), el baterista Doug “Cosmo” Clifford y el bajista Stu Cook.Estos dos últimos convocaron a otros tres músicos y en 1995 lanzaron una banda que se llama Creedence Clearwater Revisited ">
viernes, 7 de septiembre de 2007
Inolvidable...Sui Generis
La versión se tomó en el Luna Park. No es igual a la original, pero vale la pena recordarla, ¿no?
Un abrazo y hasta la próxima..">
Un abrazo y hasta la próxima..">
viernes, 31 de agosto de 2007
The Moody Blues
¿Quién que hoy pinte canas no habrá bailado, silbado o tarareado Noches de Satén Blanco? Hay muchas versiones. La original corresponde a The Moody Blues un grupo británico que vale la pena recordar...y escuchar.
Que lo disfruten
Grupo formado en Birmingham, Inglaterra, en 1964.
Integrantes:
Denny Lame (Nombre real: Brian Hines; n. el 29 de Octubre de 1944, Jersey, Inglaterra; guitarras y voces)
Mike Pinder (n. el 27 de Diciembre de 1941, Birmingham, Inglaterra; teclados y voces)
Ray Thomas (n. el 29 de Diciembre de 1941, Stourport-on-Severn, Inglaterra; flauta y voces)
Clint Warwick (Nombre real: Clinton Eccles; n. el 25 de Junio de 1939, Birmingham, Inglaterra; bajo)
Graeme Edge (n. el 30 de Marzo de 1941, Rochester, Inglaterra; batería)
A pesar de que su primer hit, Go Now (1965), era una balada clásica de Merseybeat, Los Moody Blues fueron más conocidos por ser uno de los primeros grupos del rock sinfónico. Desde ese entonces, han sabido conquistar envidiables posiciones en los charts gracias a sus profundas composiciones , tanto en su aspecto lírico como instrumental, además de conquistar al público a través de sus majestuosas presentaciones en vivo.
Ya iniciando su cuarta década de carrera, y con una integración básica que se ha mantenido intacta desde 1967 (Ray Thomas, Justin Hayward, John Lodge y Graeme Edge), los Moody Blues han demostrado que más allá del paso del tiempo vale la pena seguir realizando música... y de la buena.
Los Moody Blues fueron pioneros con respecto a la utilización del melotrón y de la flauta en la instrumentación. Sus primeros trabajos, de fuertes influencias psicodélicas, se caracterizaron por reflejar una incomparable poesía. Tal es el caso de "Nights in White Satin".
La primera vez que tocaron juntos fue en la primavera de 1964. Por ese entonces, también acompañaban como teloneros a interesantes figuras norteamericanas del Blues en sus giras por el Reino Unido. Su segundo single, Go Now, fue un cover de un tema original del R&B muy poco conocido. Llegó al Número Uno en el Reino Unido y al décimo lugar en Estados Unidos. Los singles posteriores no tuvieron la misma suerte, hecho que aparejó que el grupo estuviera al borde de la pobreza. Dadas las circunstancias, Warwick se fue y su lugar fue ocupado por Denny Lame (quien más tarde tocó con Paul Mc Cartney y su grupo Wings). John Lodge, quien había tocado con Thomas en otras bandas antes de hacerlo con los Moody Blues, ocupó el lugar de Lame. Justin Hayward, por su parte, había trabajado con algunos grupos e inclusive había llegado a grabar un tema como solista, que no tuvo repercusión alguna.
Tras cambiarse al sello Deram y luego de haber grabado varios temas que quedaron huérfanos de difusión, Los Moody Blues deciden grabar una versión rockera de la Sinfonía No. 9 de Dvorak. Si no hubiera sido por la utilización del Melotrón (un teclado que reproduce los sonidos de violines, flautas y coros a través de cintas) en 1967, la banda no habría llegado a ser conocida. Pero justamente, gracias a este recurso, los Moody Blues lograron diferenciarse del resto confiriéndole a su música un acompañamiento sinfónico grandilocuente e inimitable. Esto los inspira a abandonar su estilo inicial para dejarse llevar por las letras cósmicas y acompañarse por instrumentaciones más orquestadas.
La semana que originalmente Deram les contrató para grabar la sinfonía de Dvorak, fue utilizada para hacerlo con Days of Future Passed (1967), el album que incluía Tuesday Afternoon y Nights in White Satin. Logró ser disco de platino, llegando a la posición No.27 de los charts británicos y al No.3 en los Estados Unidos, manteniéndose en el ranking de este país por dos años más. Este disco, que entre sus créditos aludía a una inexistente London Festival Orchestra, logró ser unos de los albums más exitosos en ventas hasta fines de 1973. Particularmente Nights in White Satin ha tenido una historia muy interesante en los rankings. Su máxima posición alcanzada en el Reino Unido fue la novena, durante 1967. Luego regresó a los charts dos veces más a los 12 años siguientes: en 1972, se reposicionó en el No.9 y en 1979 en el No.14, mientras que en Estados Unidos sólo figuró recién en 1972, cuando escaló al segundo puesto.
A pesar de que los Moody Blues se concentraron en escribir canciones sumamente profundas y ambiciosas, eran también capaces de adaptarse a las exigencias del público. Por ejemplo, con "Question" (1970), "The Story in Your Eyes" (1971), "Isn't Life Strange?" (1972), o "I'm Just a Singer (In a Rock and Roll Band)" (1973). Los albums que presentaron durante este período fueron discos de oro, caso de In Search of the Lost Chord (1968), On the Treshold of a Dream (1969), To Our Children's Children's Children (1970), A Question of Balance (1970), Every Good Boy Deserves Favour (1971) y Seventh Sojourn (1972). A esto se suma un permanente apoyo de los medios radiales en FM y que crearan su propio sello en 1969, "Threshold", subsidiario de Decca Records.
Luego de Seventh Sojourn, los Moody Blues se tomaron un considerable período sabático, durante el cual sus 5 integrantes buscaron el éxito como solistas o como colaboradores de varios proyectos. Graeme Edge grabó dos albums con el guitarrista, tecladista y vocalista Adrian Gurvitz, el creador de la exitosa balada "Classic". Lodge y Hayward grabaron Blue Jays, una especie de continuación de Moody Blues, y luego realizaron producciones por su cuenta. Thomas presentó su obra From Mighty Oaks, Pinder lanzó The Promise a fines de los ochenta, mientras que Hayward, en su disco Classic Blue, aparece cantando "MacArthur Park" y "Stairway to Heaven", entre otros tantos hits, acompañado por la London Symphony Orchestra.
En 1978 los Moody Blues se reagrupan para su disco de platino Octave (que incluía "Steppin' in a Slide Zone). Durante una gira por los EStados Unidos Pinder deja el grupo y es reemplazado por el tecladista de Yes, Patrick Moraz. Con Moraz, la banda graba el album Voyager, que llega al número uno de los charts. Es en Voyager que se destacan sus obras "Gemini Dream" y "The Voice", con alentadores comentarios de la crítica. Esto promueve a que los Moody Blues se vuelva una sólida banda, a pesar de que hasta 1986 sus realizaciones no conquistaron los charts. Pero justamente en 1986 vuelven a conquistar los medios y la crítica con su tema "In Your Wildest Dreams", de contenido nostálgico, incluido en el album The Other Side of Life. En 1988 arrasan otra vez con su disco Sur la Mer, donde se destaca "I Know You're Out There Somewhere". En 1991 llega Keys of the Kingdom, la producción que menos resultados logró en su carrera. Pero eso no importó: Los Moody Blues continuaban llenando las butacas en sus presentaciones en vivo.
Por esos tiempos, Moraz deja el grupo. En 1992 celebran sus bodas de oro con el album Days of Future Passed con una gira y una orquesta entera acompañándoles.
">
martes, 21 de agosto de 2007
Imagina II
Por si te quedó alguna duda. Esta es la letra de "Imagina" en castellano...
Un abrazo..
Imagina que no existe el Cielo
es fácil si lo intentas
sin el Infierno debajo nuestro
arriba nuestro, solo el cielo
Imagina a toda la gente
viviendo el hoy...
Imagina que no hay países
no es difícil de hacer
nadie por quien matar o morir
ni tampoco religión
imagina a toda la gente
viviendo la vida en paz...
Puedes decir que soy un soñador
pero no soy el único
espero que algún día te unas a nosotros
y el mundo vivirá como uno
Imagina que no hay posesiones
quisiera saber si puedes
sin necesidad de gula o hambre
una hermandad de hombres
imagínate a toda la gente
compartiendo el mundo
Puedes decir que soy un soñador
pero no soy el único
espero que algún día te unas a nosotros
y el mundo vivirá como uno
martes, 14 de agosto de 2007
Los Iracundos "Calla"
¿Quién se atreve a cuestionarlos..? Si dudas los uruguayos fueron una marca registrada de una hermosa época. ¿no? ">
Saludos
Hola a todos. Gracias por ingresar en mi blog. La idea del mismo es rescatar temas,música, anécdotas, etc. En fin, todo aquello que nos haga recordar que "todo tiempo pasado fue mejor... porque era nuestro".
Ingresen a La Cueva de los Recuerdos, dejen sus comentarios, y juntos revivamos las cosas que nos hacen piantar un lagrimón, de nostalgia o de alegría.
Un abrazo..
Guillermo Reyna Allan
Suscribirse a:
Entradas (Atom)