Originarios de la ciudad de Los Ángeles, Estados Unidos, el grupo fue creado originalmente para una comedia televisiva del mismo nombre en la cadena NBC, fueron seleccionados entre más de 500 jóvenes (entre los rechazados estaban músicos que después fueron famosos como Stephen Stills y Danny Hutton, ya que los productores estaban más interesados en crear un concepto comercial que tener músicos con talento) que fueron a las audiciones para un espectáculo de televisión y discos producidos por Don Kirshner.
El espectáculo contaba con un sentido del humor irreverente, muy similar o más bien copiado al de "A Hard Day's Night", la primera película protagonizada por The Beatles, además de esto sólo dos de ellos eran músicos (Michael Nesmith y Peter Tork) y el resto aprendió a tocar sobre la marcha, mientras en sus primeros álbumes la pista era tocada y compuesta por los mejores músicos y compositores de Estados Unidos como Carole King, Neil Sedaka, Neil Diamond y Tommy Boice y Bobby Hart, así que no podía haber fallo en el aspecto de los éxitos y no lo hubo entre los años 1966 y 1968.
A partir del disco Headquarters ellos ya tenían la capacidad de tocar los instrumentos en el disco y así lo hiceron, desgraciadamente para ellos salió a la venta el álbum de The Beatles, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band y fueron desplazados del número 1 después de sólo una semana; además emprendieron junto a Jack Nicholson el Proyecto de la película "Head", la cual fue un desastre, su programa fue cancelado y al poco tiempo Michael Nesmith dejó la banda comprendiendo que para sus creadores los Monkees sólo fueron un producto y nada más. Curiosamente en esta época The Monkees rechazó grabar "Sugar Sugar" y Kirshner al ver la posibilidad de ahorrarse la selección y conflictos que llevaba elegir a los miembros, creó un grupo de dibujos animados llamado The Archies, basado en la tira cómica Archie y "Sugar Sugar" fue el mayor éxito de 1969.
The Monkees tuvieron éxitos de ventas como "Last train to Clarkville", "I'm a Believer", "She", "I'm Not Your Steepin' Stone", "A Little Bit Me A Little Bit You","Sweet Young Thing", "Look Out Here Comes Tomorrow", "Pleasent Valley Sunday ", "When Loves Come Knockin' At Your Door", "I Wanna Be Free", "Theme Of The Monkees", "Daydream Believer" y en 1986 se reunieron y tuvieron un éxito importante más "That Was Then, This Is Now".
¿Quién no tarareó sus canciones, tratando de imitar su estilo, único?
Este 5 de noviembre nos sorprendió la noticia de su muerte. De su paso a la inmortalidad. Venía luchando desde hace años con el cáncer. Esta vez su alma pidió la libertad.
Su nombre real era Fuad Jorge Jury, pero fue más conocido por su sobrenombre artístico Leonardo Favio.
Nació en Luján de Cuyo, Mendoza, el 28 de Mayo de 1938 y se destacó como productor y director cinematográfico. Además fue guionista, compositor y cantante.
Alcanzó el éxito en toda América Latina. Entre sus canciones más populares se encuentran Fuiste mía un verano, Ella ya me olvidó, Para saber cómo es la soledad (Tema de Pototo) de Luis Alberto Spinetta y Chiquillada de José Carbajal. Sus canciones han sido versionadas en más de catorce idiomas. Fue considerado como uno de los precursores de la balada romántica latinoamericana
Con sus películas ganó premios nacionales e internacionales, considerándosele un director de culto exitoso y respetado. Sus películas Crónica de un niño solo y El romance del Aniceto y la Francisca han sido consideradas como las mejores de la historia del cine argentino en dos encuestas entre especialistas. En el año 2000, el Museo Nacional de Cine Argentino realizó una encuesta entre cien críticos, historiadores e investigadores de cine de todo el país. La consigna era «Cuáles son los 100 mejores films del cine sonoro argentino», dando como resultado Crónica de un niño solo el mejor film (con más del 75 % de los votos). En 1998 la revista Tres Puntos (Argentina) hizo una encuesta a cien personalidades del ambiente cinematográfico (desde directores y actores hasta reflectoristas y escenógrafos) con la consigna «Elija las cinco mejores películas argentinas de la historia y el mejor director cinematográfico». La película ganadora resultó ser El Romance del Aniceto y la Francisca y Favio el elegido como mejor director, ambas distinciones por amplia mayoría.
La publicación de “Love Me Do”, primer sencillo de Los Beatles, marcó el inicio simbólico. De los hippies a Vietnam, de la minifalda al Che Guevara, fue una etapa cuya influencia continúa aún hoy.
El primer gesto revolucionario de la década fue su propia resistencia al calendario. Tanta energía comprimida por desparramarse, haciendo presión, que “los ‘60” demoraron casi tres años en arrancar . Viéndolo con la ventaja del tiempo a favor, el registro del último big bang cultural de la Historia dice 5 de octubre de 1962. La explosión fue una melodía simple, inventada por dos pibes de barrio , a orillas del río Mersey, en Liverpool: una armónica con espíritu blusero (Lennon) y una voz sensual (Mc Cartney) que pedía que lo amen, alguien a quien amar, algo nuevo, ¡por favor! Tres acordes. Cuatro chicos de entre 22 y 19 años. Y el pulso cultural del mundo cambió entonces para siempre .
Ese día se publicó Love Me Do , el primer simple de Los Beatles. No hicieron estallar los rankings (alcanzaron el puesto 17) pero algo produjeron en la cabeza de los otros jóvenes que trastocó todo , e incluso lo condicionó hasta hoy.
A partir de ese momento, y creciendo año a año, la influencia de la juventud, que venía amagando agarrada del movimiento beatnik de fines de los ‘50, empezó a marcar el ritmo de las cosas . La década arrancó ahí, saltó la tapa y se desparramó todo lo demás: los Rolling Stones, la liberación femenina, la píldora anticonceptiva, la psicodelia, las contracultura, la moda, Kennedy, los hippies, el Che, Vietnam, Luther King, la conquista del espacio y el punch final de amor y paz : Woodstock. Una etapa tan intensa que se observa con la nostalgia que provoca lo irrepetible (o lo que jamás viviremos), pero que también tuvo su costado oscuro de violencia, racismo y guerra. Love Me Do puso a Los Beatles a rodar. Y unos meses después, la TV los impulsó al espacio . Presentaron Please, Please Me , su segundo sencillo, en un programa pop, un sábado a la tarde en medio de una de las nevadas más fuertes en el último siglo en Inglaterra. Ya no era sólo la frescura y la melodía pegadiza del corte anterior.
Cuatro millones de televidentes se estremecieron ante el “¡Come on, come on!”de Lennon y su energía desbordante, los pelos “largos” y un atrevimiento inédito.
“Provocaron un impacto extraordinario porque aunaron una música fuera de lo normal –muy alejada de lo que la juventud consumía hasta ese momento– con, no solamente la composición y la ejecución, sino que incorporaron un nivel letrístico y de poesía desacostumbrado. La aparición de los Beatles fue una vuelta de tuerca a Elvis o Little Richards.
Yo me quedé loco de la vida ”, cuenta a Clarín el baterista Rodolfo García. El ya en ese momento se juntaba con su amigo de barrio Belgrano, Luis Alberto Spinetta, a traducir las letras de Lennon/McCartney, a gestar de alguna manera parte de la esencia del inolvidable Almendra, que junto con Los Gatos y Manal le pusieron palabras en español al rock para escribir la particular historia del género en estas tierras.
Los ‘60 pegaron en todo el mundo y en todas las artes.
El cine de Polanski, Kubrick, Fellini, Antonioni, la Nouvelle Vague francesa. Las canciones de Bob Dylan, la primera exposición de Andy Warhol, el tropicalismo de Caetano Veloso, Gilberto Gil y Rita Lee y el boom latinoamericano con la literatura de Cortázar, Fuentes, Vargas Llosa.
En Londres, la industria de la moda alcanzó la gloria. Era el Swinging London, estilo y color. La modelo Twiggy le puso el cuerpo a un ícono: la minifalda . “Era la época del unisex.
Se renovaban todas las formas.
Fue una ruptura total, y en la moda también se reflejó lo mismo que en la sociedad, sobre todo la posición de la mujer y el feminismo”, explica Susana Saulquin, historiadora de la moda.
“Algo pasó en los ‘60. No era sólo la música, la literatura, la plástica, el teatro, el cine, la moda, la publicidad, fue una época de una ebullición creativa fuera de lo común”, recuerda García.
El arte pop vibraba en Nueva York y retumbaba en Buenos Aires, con epicentro en el Instituto Di Tella . Para Marta Minujín, los ‘60 fueron un hito para el arte como lo había sido el Renacimiento . “Desde los ‘60 no ocurrió nada más nuevo. Fue inigualable ”, se entusiasma la inventora de los célebres happenings. “Nunca más en mi vida volví a sentir lo mismo. Hacíamos instalaciones, performance, arte conceptual, todo eso nació ahí.
No ganábamos nada de plata pero vivíamos en una fiesta increíble ”, relata la artista.
Para el final sólo faltaba que el hombre pisara la Luna. La década se acabó y se separaron Los Beatles. Pero el mundo ya era otro . Todos pensamos como García: “Sin ellos no hubiese sido igual”.
Yndio surge a principios de los 70, con algunos de los integrantes del grupo Los Pulpos (recordados por éxitos como: Lo que te Queda; Por amor a él; Yo en mi casa y Ella en el Bar; Siempre te Recordaré) y son uno de los grupos más importantes de esa década.
Grabaron varios discos en Polygram Discos, la mayoría con un gran éxito entre 1972 y 1986. Todo su catálogo desde hace varios años y actualmente (2010) pertenece a Universal Music México. La mayoría de sus discos incluyen baladas; aunque también incluyen otros ritmos, como son temas chuscos y bailables de corte tropical.
Se siguen presentando, con cinco de los seis miembros originales; siendo un caso único de estabilidad en una agrupación musical formada en los años 70. Y siguen haciendo giras en Estados Unidos y Centroamérica; además de presentarse con relativa frecuencia en el Norte de México. Recientemente estuvieron en Los Angeles, California, USA en una gira que duró de Mayo del 2007 hasta finales de Agosto del mismo año. Y actualmente en el 2009 siguen teniendo presentaciones a lo largo de la Republica Mexicana y en Estados Unidos. El Grupo Yndio celebró su 39 aniversario en el 2009 con una gira de trabajo por todos los rincones de Estados Unidos y México mereciendo el reconocimiento especial de ser el unico grupo original.
Al presentarse el Grupo Yndio, muchas parejas y matrimonios actuales, asisten a las presentaciones en los Estados Unidos. Por todos estos motivos son un verdadero ejemplo para el resto de las agrupaciones; por continuar en el grupo varios de los integrantes originales por prácticamente 40 años, lo que se traduce en amplio reconocimiento del público de todas las edades. En el mes de abril del 2010 realizaron una única presentación en el Auditorio Nacional de La Ciudad de México.
Esta banda originada en Comodoro Rivadavia (Argentina) logró éxitos extraordinarios por la capacidad musical de sus integrantes.
En 1968 graban su primer trabajo en un disco simple que tenía La historia de un muchacho en el lado "A" y Vuélvete en la faz B.
El productor Francis Smith los escucha y les propone grabar para la compañía multinacional CBS. Llegan a editar su primer LP con temas propios y covers.
En ese momento sus integrantes eran: Alberto Quiroga: bajo; Luis Costa: batería; Néstor Martínez: guitarra y voz, René Bersais: órgano; y Salvador Bellone: voz y guitarra.
Uno de sus éxitos más resonantes fue: Duelo en el cañón del diablo, donde el Grupo Uno hacía gala de las excelentes condiciones que tenían como músicos.
Sus canciones se han interpretado en varios idiomas, como inglés, japonés, italiano, portugués, turco, alemán y francés e interpretadas por cientos de artistas y grupos de diversas nacionalidades.
Sus 34 producciones musicales han registrado ventas por más de 100 millones de discos, más otros 50 millones como productor, arreglista y compositor.
Se le ha premiado con más de 1500 discos de oro, platino y multiplatino. Es el compositor hispano más interpretado a nivel mundial.
El 5 de octubre es el día de Juanga en la ciudad de Los Angeles, además de tener las llaves de la ciudad de Buenos Aires, el Vaticano, Madrid, Asunción y una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, reconocimientos y premios otorgados por los reyes de España, etc.
Realiza obras destinadas a ofrecer oportunidades de desarrollo a niños desafortunados. Es benefactor de más de un centenar de menores albergados en una escuela creada en 1987 en Ciudad Juárez, Chihuahua, que lleva por nombre Semjase.
Sus inicios en la música
El joven Alberto ansiaba que la gente lo escuchara y así él pudiera mostrar sus canciones, que ya eran más de 100 en aquel entonces. Así viajó a Tijuana, Ensenada, Rosarito; incluso a Lake Elsinore, California. A donde Alberto no tuvo éxito para demostrar todo lo que llevaba en su costal lleno de sueños y música; años más tarde, volvió a Tijuana para tener la oportunidad de trabajar en el Bar Nic Teja, donde se encontró con San Sussie, una amiga argentina que conoció en Cd. Juárez. En ese lugar conoció a José Alfredo Jiménez y Alicia Juárez. Juntos miraron actuar a Grace Renat. Tiempo después y después de un regreso a Cd. Juárez donde ya tuvo por fin de muchos intentos la oportunidad de trabajar en el Bar Noa Noa del Sr David Bencuomo, quién le brindó su apoyo y dio la oportunidad de cantar acompañado de los Prisioneros del Ritmo, cantando canciones propias y de otros autores.
Juan Gabriel, que en aquel entonces usaba el nombre artístico de "Adán Luna", se ganó el reconocimiento del público local. Viajó a la Ciudad de México donde obtuvo la oportunidad de hacer coros para artistas como Angélica María, Leo Dan y Roberto Jordan dentro de la RCA. Estando en la disquera considerada la catedral del disco, se encontró nuevamente con José Alfredo Jiménez.
Regreso a Cd. Juárez para trabajar una temporada en el Centro Nocturno Malibú, donde ganaba cada noche 20 dólares, con la ayuda de la Sra McCulley, quien financiaba sus viajes, regresó a la Ciudad de México, esta ocasión para quedar marcado para siempre, pues en su andar en búsqueda de una oportunidad en alguna disquera, fue acusado falsamente de robo y debido a su condición de juvenil recluido en la Penitenciaria de Lecumberrí. Desde ese lugar le escribía cartas a su madre. Después de 18 meses consigue la libertad, ayudado por la cantante Enriqueta Jiménez "La Prieta Linda", quién abogo por él ante el Director del Penal accediendo a una revisión de su caso y al no haber pruebas fehacientes de su culpa, salió libre. Fue precisamente la "Prieta" la primera artista que grabó un tema de la autoría de Alberto Aguilera, el tema "Noche a Noche".
Fue llevado ante el Director de la RCA quien lo escuchó y envió con Eduardo Magallanes y Enrique Okamura, quienes le hicieron las primeras pruebas y le extendieron su primer contrato profesional para iniciar la producción de lo que sería su primera producción discográfica.
La primera etapa de su carrera inició un 4 de agosto de 1971 cuando Alberto Aguilera y Adán Luna se funden bajo el mismo nombre de Juan Gabriel (Juan en honor a su gran maestro Juan Contreras y Gabriel recordando a su padre Gabriel Aguilera) y emprende la producción de su disco “El Alma Joven”, con diez temas de su autoría y con arreglos de Chucho Ferrer, Pocho Pérez y Eduardo Magallanes.
De inmediato logra posicionar en el primer lugar de popularidad el tema No Tengo Dinero, aunque la versión instrumental con la Orquesta Sinfónica de Londres en Inglaterra ya había vendido un millón de copias. En México y Latinoamérica tuvo gran aceptación, vendió 2 millones de discos y grabó ese tema en japonés y portugués, este mismo tema lo grabo Bata Illic en alemán en esas mismas épocas.
Siguieron los discos incursionando en la balada donde se desprendieron éxitos como “Me he quedado solo”, “1, 2, y 3 y me das un beso”, “No se ha dado cuenta”, “Será Mañana” este tema lo llevo a participar en el Festival OTI, y aunque no fue el triunfador, fue el único tema que despego radialmente en aquel año.
En 1974 lanza su primer disco acompañado del Mariachi Vargas de Tecalitlán, se lanza como primer sencillo el tema “Se me olvidó otra vez” que a la postre se convertiría en uno de los temas rancheros más conocidos en todo el mundo, llegaron a la cima también “Esta noche voy a verla”, “Ases y Tercia de Reyes” y “Que sea mi condena”.
Alcanzó fama y prestigio rápidamente ya que sus discos sonaban fuerte en la radio latinoamericana y sus intérpretes llegaban a los top de las listas de popularidad con sus temas; con discos de corte balada y ranchera grabo una decena de discos más en los próximos 7 años, colocando hasta 4 o más temas en los charts de popularidad en su voz y la de sus intérpretes, sus ventas acumularon los más de 20 millones de discos en 1980, en 1990 se cuantificaron 60 millones y en la actualidad sus discografía le ha dado ventas de más de 100 millones de discos en todo el mundo.
La década de los 70´s marco varios hitos en el panorama musical después de lanzar éxitos en rancheras y baladas como “Siempre en mi mente”, “Juro que nunca volveré”, “Inocente pobre amigo”, “La diferencia”, “Mi Fracaso”, “Buenos días Señor Sol”, “En Esta primavera”, “La muerte del palomo”, “Ya para que”, entre otros.
Planeó el ingreso triunfal de Rocío Dúrcal a la música vernácula con el disco “Rocío Dúrcal Canta a Juan Gabriel” en 1977, con el sencillo “Fue tan poco tu cariño”, este fue el inició de una cadena de hits musicales que se aletargaron durante dos décadas, con producciones especialmente preparadas para la española donde recorrió desde la balada, el bolero y la ranchera; género dónde encontró el cobijo musical ideal para su voz. Dúrcal llevo a la cima temas como “Quédate conmigo esta noche”, “Tarde”, “Tu que fuiste”, “Olvidémonos”, “Fue un placer conocerte”, “Siempre”, “La Guirnalda”, “Te sigo amando”, “Costumbres” y el clásico popular “Amor Eterno”, un réquiem con música vocal.
En esa misma década Lucha Villa triunfó con temas como “Juro que nunca volveré”, “La diferencia”, “Te voy a olvidar” y “Hoy que tu ya no estas”. Artistas como Raphael, Vicente Fernández, Lupita Dalessio, María Victoria, Pedro Vargas, Lola Beltrán, Amalia Mendoza, Cornelio Reyna, comienzan a grabar con éxito sus temas, teniendo mucha aceptación en el mercado hispano.
Realizo grabaciones de sus grandes éxitos en inglés, portugués y japonés. Grabo también 5 películas entre 1974 y 1981 ((En esta Primavera)),((Nobleza Ranchera)), ((El noa noa)), ((Es mi vida)); éstas dos anteriores biográficas; y ((Del otro lado del puente)). Siendo comparsa de los actores más populares de aquella época como Sara García, Verónica Castro, Julio Alemán, Lucha Villa y Estela Núñez.
El disco “Recuerdos” grabado en Londres inició una cadena de éxitos nunca vistos en un artista mexicano. "He venido a pedirte perdón" fue el comienzo (1979); "Con tu amor" (1981), "No me vuelvo a enamorar", "Ya lo sé que tu te vas", "Si Quieres", "Insensible", todas estos cortes formaron parte de su disco de boleros "Cosas de Enamorados" (1982); "Caray", "No vale la pena", "Yo me voy", del disco "Todo" (1983); "Querida" (1984) del acetato "Recuerdos II", que es el disco más vendido en toda la historia en México con ventas de más de 10.000.000 de copias, el tema "Querida" permaneció más de un año en el primer lugar de popularidad en México y Sudamérica; Déjame vivir tema a dúo con Rocío Dúrcal (1985), "Te lo pido por favor", "Hasta que te conocí", "Yo no sé que me paso" del disco "Pensamientos" (1986); "Debo Hacerlo" (1987) versión disco que rompió récord de ventas en Estados Unidos para un disco latino.
Pulió su perfil de productor musical y realizo obras magistrales, aunado a sus éxitos como intérprete en esa década entregó lo que está considerado como lo mejor de su repertorio; para sus intérpretes, Angélica María le grabó "Cómo, cuándo y por qué" y "No volverás a verme" (1980); Aída Cuevas triunfo en 1983 con "Quizás mañana", Rocío Dúrcal hizo historia y consiguió su primera nominación al Grammy con el tema "Amor Eterno" (1984) y posteriormente en (1986) con temas como "Quédate conmigo esta noche" y "La Guirnalda", Lucha Villa triunfó en México y Centroamérica con "No discutamos", "Tú a mí no me hundes" y "Ya no me interesas" (1986), Daniela Romo llegó a los primeros lugares con temas como "De mí enamórate" y "Dímelo"; Lucía Méndez hizo lo propio con "Un alma en pena" (1987).
Todo el éxito acumulado le ayudó para llegar al mercado europeo que conquisto gracias a sus temas rancheros y de boleros, así como sus duetos con la española Rocío Dúrcal, con quien formo una pareja musical, siendo considerados el mejor dúo de la música ranchera. Juntos consiguieron ventas por más de 30 millones de discos en América y Europa, decenas de discos y conciertos marcaron el paso de esta mancuerna musical, que vio su último fruto en 1996 con el disco "Juntos Otra Vez".
Apoyó las carreras de otros artistas. Así vinieron éxitos como "Tarde" en voz de Rocío Dúrcal; "Lo pasado, pasado" en voz del afamado Príncipe de la Canción, José José; "Tú sigues siendo el mismo" en voz de Angélica María; "Así Fue" en voz de Isabel Pantoja; "Mentira" en voz del futuro Sol de México, Luis Miguel; "Tu mundo no es mi mundo" en voz de Estela Núñez; "Es mejor perdonar" en voz de Daniela Romo, "Luna" interpretada por Ana Gabriel, entre muchas más que le aportaron prestigio a su catálogo musical.
Los años '90 llegaron y Juan Gabriel comenzó el decenio con una histórica presentación en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, los días 8, 9, 10 y 11 de Mayo, canto acompañado de la Orquesta Sinfónica Nacional de México bajo la dirección de Enrique Patrón de Rueda, director huésped. En este mismo recinto en 1997 en el mes de Agosto, se presentó nuevamente para grabar un disco en vivo titulado, Celebrando 25 Años de Juan Gabriel en el Palacio de Bellas Artes.
Vinieron los años de vastas temporadas y giras por toda América, para 1994 firmo contrato de exclusividad con BMG y en junio de ese año se lanza al mercado el disco, Gracias Por Esperar.
Interpretó géneros como el pop y la balada moderna, en los cuales consiguió ventas millonarias con temas como "Pero que necesidad" 1994, "Lentamente" 1994, "Así Fue" 1998, "Todo está bien" 1999, "Abrázame muy fuerte" 2000, "Inocente pobre amigo" 2001, "Inocente de ti" 2003. A la par lanzo un disco con la Banda El Recodo de Cruz Lizárraga, con el cual logró éxitos con temas como "Adorable Mentirosa" "Infidelidad" y "Ya me voy".
En 1999 la Revista Billboard lo denomina The Latin Legend, lanza una publicación especial reconociendo el aporte musical y el impacto de sus canciones en la cultura latina en Estados Unidos y a nivel mundial.
Ese mismo año en España es reconocido con el Premio Ondas en una Ceremonia ante la Realeza Española, donde fue congratulado con el Premio a la Excelencia.
Sus éxitos radiales no siempre fueron a la par de sus récords en taquilla, pues desde 1987, año en que rompió récords de ventas con su tema "Debo hacerlo" se mantuvo alejado de los estudios de grabación durante 7 años, periodo en que colocó récords de entradas con "sold out" en Estados Unidos, México y Latinoamérica. Con temporadas de hasta 3 meses con localidades agotadas en el Centro Nocturno Premier; con temporadas como Al Natural 1989, Mexicanísimo 1990 y Juan Gabrielísimo 1991-1992.
Récord en el Rose Bowl de Pasadena California (75000) personas en 1993; así como shows en escenarios como Madison Square Garden de Nueva York; Estadio Azteca en México; Estadio Nacional de Chile; Estadio Orange Bowl, Florida Park en Madrid; Plaza de Toros México; Hollywood Bowl y decenas de Palenques a lo largo y ancho de la República Mexicana.
Su fama lo convirtió en una Leyenda viviente y es considerado como la máxima figura de la música mexicana a nivel mundial.
¡¡ Hola Cuevíferos..!! Hoy recordaremos al grupo Pomada. ¿Quién no habrá tarareado o cantado o bailado alguno de los éxitos de esta banda nacida allá por 1971.
Los miembros
originales fueron: Norberto Beto Dorfman en los teclados, Juan José Gimello,
conocido como Juan José Barbieri en la voz principal, Juan Linera en la
guitarra, Oscar Carranza en la batería y Daniel Paredes.
La alineación
cambió todo en 1974, cuando Juan José dejó la banda y Pedro Carreras (su voz más conocida) se unió
como vocalista y bajista. Pedro fue su cantante hasta 2004, hasta que se lanzó
como solista, quedando Juan Manuel Uzin como el nuevo cantante. Beto Dorfman por
su parte quedó como el único propietario de Pomada, y es su director.
Sus
éxitos más notables son "Te quiero (aunque ya eres mia)", "Hoy chiquita que te
vuelvo a ver" y "Amanece y tu No Estas", cantada por Juan José, así como "Mi
Promesa", "Ojos sin luz" , "¿Porqué yo quiero", "Vestida de novia" y "Paraíso",
cantadas por Pedro.
Hola "Cuevíferos". Poco y nada se encuentra en la internet respecto de la vida de Carlos Barocela. Solo alguno que otro dato como, por ejemplo, que vive en Haedo (Prov. de Buenos Aires) y sigue componiendo canciones y poesía.
De manera que, los invito a escuchar dos de sus temas más populares. ¡Que los disfruten..!!
Jimmy Cliff, cuyo nombre real es James Chambers (nacido el 1 de abril de 1948 en St Catherine, Jamaica) es un músico de reggae jamaicano, famoso por canciones como "Sittin' in Limbo", "You Can Get It If You Really Want" , "Many Rivers to Cross" , "I Can See Clearly Now" , "Samba Reggae" y por la película "The Harder They Come", cuya banda sonora ayudó a introducir el reggae en los mercados de buena parte del mundo.
La carrera de Jimmy Cliff comenzó después de que su "Hurricane Hattie" se convirtiera en un éxito; fue producido por Leslie Kong, quien fue productor de Cliff hasta su muerte.
Otros éxitos posteriores incluían a "King of Kings" y "Pride and Passion", los cuales nunca se vendieron bien fuera de Jamaica. En 1964, Cliff fue elegido como uno de los representantes Jamaicanos para la feria Mundial de ese año. Tardó poco en firmar con Island Records y se trasladó a Gran Bretaña. Debutó internacionalmente con el álbum Hard Road to Travel que recibió excelentes críticas e incluía el tema "Waterfall", que fue todo un éxito.
"Waterfall" fue seguido de "Wonderful World, Beautiful People" y "Vietnam", ambos muy populares en buena parte del mundo. El cantautor Bob Dylan se refirió a "Vietnam" como la mejor canción protesta que nunca había oído.
Su productor Leslie Kong murió de un ataque al corazón en 1971.
La banda sonora de "The Harder They Come" (una película Reggae que también protagonizó Cliff) fue un éxito de ventas pero no catapultó a Cliff a la fama. Tras una serie de albums Cliff se tomó un descanso y viajó a África, explorando la espiritualidad de su nueva fe musulmana, a la que se había convertido. Tardó poco en volver a la música, de gira durante varios años antes de grabar con Kool & the Gang el álbum Power & the Glory (1983). El siguiente álbum, Cliff Hanger (1985) ganó un Grammy, siendo su mayor éxito en los Estados Unidos hasta 1993. Continuó vendiendo bien en Jamaica y, en menor medida, en el Reino Unido, volviendo a la fama de nuevo con una versión de Johnny Nash, "I Can See Clearly Now" en la banda sonora de la película "Cool Runnings" de 1993.
En 2002, Cliff presentó su nuevo disco en Europa, "Fantastic Plastic People". En éste trabajo hay colaboraciones de Joe Strummer, Annie Lennox, y Sting así como nuevas canciones muy evocadoras de los viejos éxitos de Cliff. En 2004, Cliff da un giro a su música introduciendo ritmos electrónicos, para su álbum "Black Magic". También participó en los Juegos de la Mancomunidad de 2002. En 2003, su canción "You Can Get It If You Really Want" fue incluida en la banda sonora de Cuando menos te lo esperas.
La peleó durante diez años. Pero el 6 de junio de 2012 su cuerpo dijo basta. Estela Raval, la de la voz inconfundible, una de las máximas estrellas del canto argentino, se fue a brindar su calidad y calidez a los ángeles, los santos y a Dios. ¡Pavada de auditorio tendrá ahora.
Una lástima, tenía 77 años y hace poco había dicho, "me queda aún mucho por cantar".
Los que tuvimos la suerte de compartirla, de escucharla en vivo, nos quedaremos con el recuerdo de una bellisima persona y artista.
Dale Estela, desparramá tu arte...ELLOS también te aplaudirán...
A poco más de un año del asesinato de Facundo Cabral, hoy lo recordamos contando su historia. Una "verdadera" historia de vida.
Su nombre verdadero era Rodolfo Enrique Cabral, de nombres artísticos Indio Gasparino -en sus comienzos- y Facundo Cabral, nació en La Plata el 22 de mayo de 1937 y lo mataron en Guatemala el 9 de Julio de 2011. Fue cantautor, escritor y filósofo argentino. Se caracterizó por sus composiciones de trova y sus monólogos con anécdotas personales, parábolas, crítica social para promover la autorealización, el despertar de la conciencia y la reflexión espiritual.
Un día antes de su nacimiento, su padre se fue del hogar. Él, su esposa y sus otros siete hijos vivían en casa del abuelo paterno de Facundo Cabral, quien expulsó al resto de la familia. De modo que Cabral afirmaría varios años más tarde que su nacimiento se produciría en una calle de la ciudad de La Plata.[2] Sus primeros años los pasó en Berisso, localidad adyacente a La Plata. Posteriormente, la madre de Cabral y sus hijos emigraron hacia Tierra del Fuego, en el sur de Argentina.
A la edad de 9 años, escapó de su hogar y estuvo desaparecido cuatro meses. Su propósito inicial era llegar hasta Buenos Aires para conocer al entonces presidente argentino Juan Domingo Perón, ya que tenía la referencia de que el mandatario "le daba trabajo a los pobres". Después de una larga travesía, transportado por diferentes personas, al llegar a la ciudad capital, un vendedor le dio la dirección de la Casa Rosada y al día siguiente Facundo Cabral, siendo apenas un niño, logró burlar el cerco policial alrededor del mandatario y su esposa, Eva Duarte y conversó con ambos. En un reportaje en los años 90 confesó que Eva Perón en ese momento dijo: "Por fin alguien que pide trabajo y no limosna". Gracias a esta conversación, logró que su madre obtuviera empleo y el resto de la familia se trasladara a la ciudad de Tandil.
Facundo Cabral tuvo una infancia dura y desprotegida; se convirtió en un marginal al punto de ser encerrado en un reformatorio pues se había convertido en alcohólico desde los nueve años de edad. Escapa y luego cae preso a los 14 años por su carácter violento. En la cárcel, un sacerdote jesuita de nombre Simón fue quien le enseñó a leer y escribir, lo puso en contacto con la literatura universal y lo impulsó a realizar sus estudios de educación primaria y secundaria, los cuales llevó a cabo en tres años, en lugar de los doce que era el período normal en Argentina. Un año antes de salir de la cárcel, Cabral escaparía de la prisión, aunque recibió aún ayuda del sacerdote. Gracias a un vagabundo, Cabral conoce la religión aunque declarándose librepensador, sin pertenecer a iglesia alguna. Poco después, se iniciaría como músico y cantante en el medio artístico.
Cabral citaría así sus inicios en el medio musical: "Empecé a cantar con los paisanos, con la familia Techeiro. Y el 24 de febrero de 1954, un vagabundo me recitó el sermón de la montaña y descubrí que estaba naciendo. Corrí a escribir una canción de cuna, Vuele bajo, y empezó todo."[3]
En 1959, ya tocaba la guitarra y cantaba música folklórica, admiraba a Atahualpa Yupanqui y a José Larralde, se trasladó a Mar del Plata, ciudad balnearia argentina, y solicitó trabajo en un hotel; el dueño lo vio con su guitarra y le dio la oportunidad de cantar. Así comenzó su carrera dedicada a la música; su primer nombre artístico fue El Indio Gasparino. Sus primeras grabaciones no tuvieron mayor repercusión. Luego se presentó con su apellido verdadero.
Durante la última Dictadura Argentina (1976-1983), era ya considerado un cantautor de protesta, lo que lo obliga a abandonar Argentina en 1976. Se radicó en México, donde continuó componiendo y haciendo presentaciones. Se estima que recorrió 165 países.
En 1984, regresó a Argentina con su nombre consagrado. Ofreció un recital en el Estadio Luna Park. Siguió por Mar del Plata. En 1987, hizo una presentación en el estadio de fútbol de Ferrocarril Oeste, en Buenos Aires, con capacidad para treinta y cinco mil personas. El 5 de mayo de 1994, comenzó una gira internacional.
Se presentó en conciertos junto a Alberto Cortez en “Lo Cortez no quita lo Cabral” uniendo humor y poesía con las canciones que hicieron famosos a ambos intérpretes. En enero de 1996, ambos actuaban en la ciudad de Mar del Plata, cuando Alberto Cortez debió ser operado debido a una obstrucción en la carótida, así que Cabral continuó con la gira de la cual se hizo una grabación.
Ya casi invidente, él mismo resumió en una nota: "Fue mudo hasta los 9 años, analfabeto hasta los 14, enviudó trágicamente a los 40 y conoció a su padre a los 46. El más pagano de los predicadores cumple 70 años y repasa su vida desde la habitación de hotel que eligió como última morada".
Sus últimos conciertos los realizó en una gira en Centroamérica. Se presentó en la Ciudad de Guatemala el martes 5 de julio de 2011 en el Expocenter del Grand Tikal Futura Hotel, a las veinte horas donde para despedirse expresó lo siguiente: “ya le di las gracias a ustedes; las daré en Quetzaltenango, y después que sea lo que Dios quiera, porque Él sabe lo que hace”. El jueves 7 se presentó en el que sería su último concierto, en el Teatro Roma de la ciudad de Quetzaltenango, el cual cerró interpretando la canción No soy de aquí, ni soy de allá.
Fue asesinado el 9 de julio de 2011 alrededor de las 5:20 am, en Ciudad de Guatemala, víctima de un atentado aparentemente dirigido al empresario Henry Fariñael cual conducía al cantautor y a su representante al Aeropuerto Internacional La Aurora desde el hotel donde se hospedaba, para continuar en Nicaragua con su gira de presentaciones. El atentado fue perpetrado por varios sicarios que se dirigían en tres vehículos y armados con fusiles de asalto en el Boulevard Liberación de dicha ciudad quedando únicamente herido el empresario y fallecido el cantautor.
DonnaSummer regaló música para la hora de bailar. Sin dudas, fue una de las
reinas de la disco que hizo bailar a generaciones, como ocurre hasta el día de
hoy.
La vida de LaDonna Adrian Gaines (tal su verdadero nombre) había
iniciado en Boston, Massachusetts, cuando vio la luz por primera vez el 31 de
diciembre de 1948. A principios de la década del '70, mientras trabajaba como
corista de la banda estadounidense Three Dog Night, Donna Summer conoció a los
productores Giorgio Moroder y Pete Bellotte.
Por esos años, deleitaban
sus canciones como "I Feel Love", "On the Radio" y "Last Dance" hasta que un
gran escándalo provocó su canción "Love To Love You Baby". Moroder y Bellotte
habían reservado esa melodía para otra cantante, pero la propia Donna los
convenció y le puso título y letra al que sería un hit. Aquel demo fue el que
finalmente los convenció y quedó registrada. En ella Summer incluyó atrevidos
jadeos y gemidos propios de un orgasmo y se cuenta que para grabarlos pidió un
ambiente íntimo: apagar las luces del estudio.
Cuenta la leyenda que
esas sensaciones sugeridas en la canción eran reales y que se contabilizaron 22
orgasmos en "Love To Love You Baby". En Europa fue lanzada y hasta censurada por
su erotismo y tuvo un éxito modesto. Pero en Estados Unidos llegó a manos de
Neil Bogart, presidente de la firma Casablanca Records quien la hizo sonar en
una de sus fiestas y comprobó que era un furor. Se hizo una versión extendida
para los boliches de la época. Fueron 17 minutos de duración que no cabía en un
disco de vinilo de tamaño single y que tuvo que editarse en otro de 12 pulgadas:
el maxi-single, formato del que Donna Summer resultó ser pionera.
Años
más tarde, y ante el fanatismo por sus creencias cristianas, la propia Donna se
avergonzaría de aquella canción. En aquel disco, también fue grabada "Could It
Be Magic", canción escrita y grabada también por Barry Manilow que en los
noventa fuera versionada por el grupo Take That, donde se hizo popular Robbie
Williams
Pero Donna fue más que “Love to love...”. Fue reina con “Hot
Stuff”, “Bad Girls”, “On the radio”, “Last Dance”, “She Works Hard for the
Money”, “This Time I Know It's for Real”, “I will go with you” o “I Don't Wanna
Get Hurt”. Vendió más de 100 millones de copias en todo el mundo, lo que la
convierte en uno de los músicos con mayores ventas de todos los tiempos.
Párrafo aparte para “I feel love”, que hasta fuera inspiración para
Madonna. La propia Reina del Pop reconoció que su canción “Future lovers” lleva
los acordes de aquel clásico de su adorada reina de la disco. Y ambas, fueron
adoradas por la comunidad gay.
Donna Summer falleció este jueves 17 de
mayo de 2012 a los 63 años, víctima del cáncer. Algunos dicen que la enfermedad
fue por la inhalación de aire tóxico tras los sucesos del 11-S en Nueva York,
donde estaba en esos días. Hasta ella misma declaró que los atentados
terroristas la sumieron en un estado depresivo, del que pudo reponerse gracias a
su religiosidad. Pero el mundo oirá siempre su legado. Dejó grandes
interpretaciones de música disco y pop que hicieron y hacen bailar a
generaciones. Fue y será de esas voces que dejaron su nombre en lo más alto.
Los Wawancó es una agrupación de música tropical formada en la Argentina con músicos de diversas nacionalidades como Costa Rica, Perú, Chile y Colombia, siendo la primera agrupación en su género en tener tan diversas nacionalidades e influencias musicales. Más adelante se le uniría uno de nacionalidad argentina. Se considera un exponente importante de la cumbia en latinoamérica debido a que muchos temas compuestos por sus miembros han sido regrabados en Perú, Colombia, México. Fueron muy influyentes en la Cumbia argentina.
Entre sus ejecuciones se encuentran principalmente los ritmos de cumbia , merengue, mapalé, jalaíto, paseo vallenato, merengue dominicano y bolero, sobre otros.
Como conjunto de música caribeña, popularizó los ritmos tropicales en el escenario argentino y las famosas interpretaciones "El conductor", "Un sombrero 'e paja", "Cumbia que te vas de ronda", "Atrévete a mirarme de frente", "Villa cariño", "El pescador", "El palomo y la paloma", "Pajarito mañanero", "El gavilán"," Tiburón a la vista", etc.
Hernán Rojas fue el primer vocalista de Los Wawancó que inició la etapa de éste conjunto tropical en el año 1955. Primitivo estudiante de medicina por aquellos años, formó junto a Mario Castellón, Rafael Aedo, Enrique Salazar, Sergio Solar y Carlos Cabrera. Luego se integraría Gustavo Miguel Loubet. La primera agrupación wawanquera inició el ruedo de la música caribeña en la República Argentina cuando cursaba los primeros años de la Facultad de Medicina de La Plata.
Las principales composiciones de Los Wawancó fueron hechas por Miguel Loubet, Sergio Solar y Mario Castellón, más tarde uniéndose Lil Monet, Marfil y José Oscar " Taco" Morales, grabadas por ellos durante las décadas de los 60's, 70's y 80's y que fueron éxitos rotundos en gran parte del continente. Excepcionalmente el grupo interpretó temas de terceros: el ejemplo más notorio es el tema "Villa Cariño", compuesto por el publicista Eduardo Schejtman y la letrista Herminia Cruz por encargo de Miguel Loubet.
En el año 1955, las universidades argentinas albergan a cientos de estudiantes que llegan de toda América Latina. Un grupo de recién llegados tiene muchas ganas de divertirse y menos ganas de estudiar medicina.
Se juntan a tocar muy seguido, hasta que un día consiguen fecha: el restaurante bailable Tom y Jerry, en Vicente López, por invitación del empresario Francisco Trimboli.
Equipada con camisas floreadas prestadas, la primera formación tuvo a Rafael Aedo, Enrique Salazar y Hernán Rojas (Colombia), Carlos Cabrera (Perú), Sergio Solar (Chile) y Mario Castellón (Costa Rica). Los chicos hacen una mezcla de los ritmos de sus países: cumbia, merengue, Salsa, guaracha.
El integrante argentino que se incorporó después fue Gustavo Miguel Loubet (piano). En el año 1969 ingresó, ante la ausencia de Hernán Rojas en Colombia, el vocalista argentino (marplatense) "Taco" Morales, integrante vital del conjunto hasta el año 1990 y fallecido en noviembre del 2006. Las idas y venidas de ambos vocalistas llevaron a probar en el año 1990 a "Beto" Galván, sin mucho éxito.
No es de poco mérito decir que los originales Wawancó en su rica historia hayan marcado una etapa de los que adoran a este indiscutido conjunto tropical. Han sido los que sobrellevaron las crisis de representación musical centroamericana con una fina interpretación acompañada por el éxito inmediato. Los millones de fans así lo atestiguan. Los Wawancó nunca han salido de su particular estilo, aunque difiera en la nueva formación de aquéllas que lograron el esplendor de sus seguidores.
Actualmente de la originaria agrupación sólo se encuentra Mario Castellón, su conductor, director,fundador, percusionista y voz, y secundado por Oscar " Cacho " Raballatti,sociólogo, representante , tumbadorista y armador de coros, que se adhirió al grupo a los 24 años de edad en 1984, respectivamente. Un grupo de jóvenes intérpretes componen la actual formación wawanquera.
Variada cantidad de músicos pasaron por sus filas, como el eximio bajista uruguayo Juan Gularte,los tecladistas Ricardo Vigliesi, Hugo Sorbo, Néstor " Gallego" González, entre otros, y el tumbadorista oriental de "Katunga" Ricardo González.
P
ese a tener en su haber grandes transformaciones de los originales Wawancó hasta el presente, el grupo musical de Mario Castellón sigue liderando las preferencias populares de sus oyentes. Marcando un estilo difícil de igualar, en donde lo tropical se simboliza en una base instrumental sólida con arreglos muy bien acentuados, este conjunto de latinoamericanos marcó una etapa trascendental en la evolución de la música popular argentina. Millones de seguidores aún siguen gozando con cada una de sus interpretaciones y recordando sus circunstancias y su musica que, por cierto, es única, irrepetible e invulnerable.
Luigi Tenco nació en Cassine, provincia de Alessandria, Italia el 21 de Marzo de 1938.
Eligió primero el Bachillerato de Letras, para posteriormente cambiarse al de Ciencias. Durante sus estudios de secundaria creó un grupo musical, la Jery Roll Morton Boys Jazz Band, en la que tocaba el clarinente. Posteriormente creó el grupo I Diavoli del Rock, junto con Gino Paoli.
Se matriculó en la Facultad de Ingeniería, que dejó para pasar a la de Ciencias Políticas. En este periodo entró a formar parte del Modern Jazz Group de Mario de Sanctis. Fundó también un trío, bautizado jocosamente como el Trío Garibaldi junto a Marcello Minerbi y Luigi Coppola, que duró solamente una veintena de días.
Su debut discográfico fue con el grupo I Cavalieri, junto a Gianfranco Reverberi, Paolo Tomelleri, Enzo Jannacci y Nando de Luca. El grupo grabó el "45 revoluciones" (por la tecnología de velocidad de grabación a 45 rpm) titulado Mai, al que siguió Mi chiedi solo amore. En este periodo adoptó el seudónimo Gigi Mai.
En 1961 grabó su primer disco en solitario, con su nombre auténtico, titulado Quando. En 1962 tuvo una pequeña experiencia cinematográfica con el filme La Cuccagna, de L. Salce, donde colaboró con Fabrizio De André en la banda sonora. El primer "33 rpm" de Luigi Tenco apareció aquel año, con éxitos como Mi sono innamorato di te y Angela, y también Cara maestra, que no fue aceptada por la Comisión para la Censura.
En 1963 se rompe su amistad con Gino Paoli, a causa de la relación de éste con Stefania Sandrelli. En septiembre de ese año sus canciones Io si y Una brava ragazza fueron también rechazadas por la censura.
En 1965, después de varias prórrogas, se incorporó al servicio militar, buena parte del cual pasó en diversos hospitales.
En 1966 firma un contrato con la RCA y graba Un giorno dopo l'altro, que se convierte en música de la serie de televisión Il commissario Maigret. Otros sucesos de la época son Lontano lontano, Uno di questi giorni ti sposerò, E se ci diranno y Ognuno è libero.
Conoce en Roma a la cantante ítalo-francesa Dalida, con la que vivirá, según algunas fuentes francesas, una historia de amor. No obstante, su verdadera relación con Dalida es muy discutida. Según algunas fuentes italianos (http://luigi-tenco.tripod.com/frames/welcome14.htm) esta relación no fue nada más que una relación de trabajo y su verdadero amor fue Valeria.
En 1967 se presentó al Festival de San Remo con la canción Ciao amore ciao, pero la canción no fue admitida por la comisión del festival. Rechazada también en la repesca, el cantante cayó en la desolación. Se encerró en su habitación del Hotel Savoy y se suicidó de un disparo en la cabeza.
Las verdaderas razones de su suicidio son desconocidas y, quizás no se sepan nunca. Pero parece que una de las razones probables fueron sus relaciones "difíciles" con Valeria (otra razón a menudo mencionada era su fracaso en el Festival de San Remo). Después de su muerte, en una de las entrevistas, Dalida dijo: "Es una pantalla que ahora quieren tender. Quieren crear una imagen del ídolo que no soporta el fracaso y se mata.
La verdad es muy otra. Creo que la verdad de esta muerte injusta la saben Dios y esa muchacha que no supo cuan enamorado estaba Luigi de ella." (http://luigi-tenco.tripod.com/frames/welcome14.htm)
Por otro lado, de las cartas de Luigi a Valeria: "Ho tentato in tutti i modi, ho passato delle notti intere (aspetta un attimo!) a bere, a cercare di farle capire chi sono, cosa voglio, e poi... ho finito col parlarle di te, di quanto ti amo". (Se trataba de "fare capire" a Dalida).
Años después de su muerte, se creó en su pueblo natal el Club Tenco, en su memoria, que preserva su legado y su vida, y hoy se celebra un festival anual de la canción italiana en dialectos, que lleva su nombre.
Lucio Dalla, uno de los más importantes cantautores italianos, que escribió éxitos internacionales como "Caruso", murió hoy en Montreux (Suiza) a los 68 años a causa de un infarto, informaron los medios de comunicación italianos.
Dalla, que además de cantante era escritor y músico, se encontraba en Suiza para una serie de conciertos.
La última aparición en Italia de Dalla, que el próximo 4 de marzo hubiese cumplido 69 años, fue la pasada semana en el Festival de la Canción de Sanremo en un dúo con el joven Pierdavide Carone, para quien había compuesto la canción "Nani".
El fotógrafo y amigo Roberto Serra explicó hoy que ayer había hablado con él y que estaba "muy bien, feliz y tranquilo" por el tour europeo que había comenzado en Lucerna y que había continuado por Zúrich y ayer en Montreux.
El tour estaba previsto que terminase el 30 de marzo en Berlín.
En 40 años de carrera, había emocionado con sus canciones como "Gesu Bambino" ("Niño Jesús"), con la que participó en 1971 en el Festival de la Canción de Sanremo y que supuso su primer gran éxito, aunque la censura le obligó a cambiar el título y le puso "4/3/1943" (su fecha de nacimiento), pues trataba de una madre soltera.
Internacionalmente su gran éxito llegó en los años 80 de la mano de "Caruso", considerada una de las obras maestras de la música italiana por parte de los críticos.
Últimamente, Dalla había protagonizado junto con su amigo el también cantautor Francesco de Gregori una gira italiana en la que había cosechado un enorme éxito.
El mundo de la música en Italia recibió con conmoción la noticia y algunos de sus amigos y compañeros como Ron, con quien cantó varias canciones, fue incapaz de articular palabra debido a las lágrimas.
También De Gregori decidió no hablar con la prensa por su tristeza ante la pérdida de su colega y amigo.
La excantante y ahora productora musical Caterina Caselli aseguró que Dalla se ha marchado como "un gladiador" de la música, ya que era incansable en su trabajo.
