¡¡ Hola Cuevíferos..!! Hoy recordaremos al grupo Pomada. ¿Quién no habrá tarareado o cantado o bailado alguno de los éxitos de esta banda nacida allá por 1971.
Los miembros
originales fueron: Norberto Beto Dorfman en los teclados, Juan José Gimello,
conocido como Juan José Barbieri en la voz principal, Juan Linera en la
guitarra, Oscar Carranza en la batería y Daniel Paredes.
La alineación
cambió todo en 1974, cuando Juan José dejó la banda y Pedro Carreras (su voz más conocida) se unió
como vocalista y bajista. Pedro fue su cantante hasta 2004, hasta que se lanzó
como solista, quedando Juan Manuel Uzin como el nuevo cantante. Beto Dorfman por
su parte quedó como el único propietario de Pomada, y es su director.
Sus
éxitos más notables son "Te quiero (aunque ya eres mia)", "Hoy chiquita que te
vuelvo a ver" y "Amanece y tu No Estas", cantada por Juan José, así como "Mi
Promesa", "Ojos sin luz" , "¿Porqué yo quiero", "Vestida de novia" y "Paraíso",
cantadas por Pedro.
Hola "Cuevíferos". Poco y nada se encuentra en la internet respecto de la vida de Carlos Barocela. Solo alguno que otro dato como, por ejemplo, que vive en Haedo (Prov. de Buenos Aires) y sigue componiendo canciones y poesía.
De manera que, los invito a escuchar dos de sus temas más populares. ¡Que los disfruten..!!
Jimmy Cliff, cuyo nombre real es James Chambers (nacido el 1 de abril de 1948 en St Catherine, Jamaica) es un músico de reggae jamaicano, famoso por canciones como "Sittin' in Limbo", "You Can Get It If You Really Want" , "Many Rivers to Cross" , "I Can See Clearly Now" , "Samba Reggae" y por la película "The Harder They Come", cuya banda sonora ayudó a introducir el reggae en los mercados de buena parte del mundo.
La carrera de Jimmy Cliff comenzó después de que su "Hurricane Hattie" se convirtiera en un éxito; fue producido por Leslie Kong, quien fue productor de Cliff hasta su muerte.
Otros éxitos posteriores incluían a "King of Kings" y "Pride and Passion", los cuales nunca se vendieron bien fuera de Jamaica. En 1964, Cliff fue elegido como uno de los representantes Jamaicanos para la feria Mundial de ese año. Tardó poco en firmar con Island Records y se trasladó a Gran Bretaña. Debutó internacionalmente con el álbum Hard Road to Travel que recibió excelentes críticas e incluía el tema "Waterfall", que fue todo un éxito.
"Waterfall" fue seguido de "Wonderful World, Beautiful People" y "Vietnam", ambos muy populares en buena parte del mundo. El cantautor Bob Dylan se refirió a "Vietnam" como la mejor canción protesta que nunca había oído.
Su productor Leslie Kong murió de un ataque al corazón en 1971.
La banda sonora de "The Harder They Come" (una película Reggae que también protagonizó Cliff) fue un éxito de ventas pero no catapultó a Cliff a la fama. Tras una serie de albums Cliff se tomó un descanso y viajó a África, explorando la espiritualidad de su nueva fe musulmana, a la que se había convertido. Tardó poco en volver a la música, de gira durante varios años antes de grabar con Kool & the Gang el álbum Power & the Glory (1983). El siguiente álbum, Cliff Hanger (1985) ganó un Grammy, siendo su mayor éxito en los Estados Unidos hasta 1993. Continuó vendiendo bien en Jamaica y, en menor medida, en el Reino Unido, volviendo a la fama de nuevo con una versión de Johnny Nash, "I Can See Clearly Now" en la banda sonora de la película "Cool Runnings" de 1993.
En 2002, Cliff presentó su nuevo disco en Europa, "Fantastic Plastic People". En éste trabajo hay colaboraciones de Joe Strummer, Annie Lennox, y Sting así como nuevas canciones muy evocadoras de los viejos éxitos de Cliff. En 2004, Cliff da un giro a su música introduciendo ritmos electrónicos, para su álbum "Black Magic". También participó en los Juegos de la Mancomunidad de 2002. En 2003, su canción "You Can Get It If You Really Want" fue incluida en la banda sonora de Cuando menos te lo esperas.
La peleó durante diez años. Pero el 6 de junio de 2012 su cuerpo dijo basta. Estela Raval, la de la voz inconfundible, una de las máximas estrellas del canto argentino, se fue a brindar su calidad y calidez a los ángeles, los santos y a Dios. ¡Pavada de auditorio tendrá ahora.
Una lástima, tenía 77 años y hace poco había dicho, "me queda aún mucho por cantar".
Los que tuvimos la suerte de compartirla, de escucharla en vivo, nos quedaremos con el recuerdo de una bellisima persona y artista.
Dale Estela, desparramá tu arte...ELLOS también te aplaudirán...
A poco más de un año del asesinato de Facundo Cabral, hoy lo recordamos contando su historia. Una "verdadera" historia de vida.
Su nombre verdadero era Rodolfo Enrique Cabral, de nombres artísticos Indio Gasparino -en sus comienzos- y Facundo Cabral, nació en La Plata el 22 de mayo de 1937 y lo mataron en Guatemala el 9 de Julio de 2011. Fue cantautor, escritor y filósofo argentino. Se caracterizó por sus composiciones de trova y sus monólogos con anécdotas personales, parábolas, crítica social para promover la autorealización, el despertar de la conciencia y la reflexión espiritual.
Un día antes de su nacimiento, su padre se fue del hogar. Él, su esposa y sus otros siete hijos vivían en casa del abuelo paterno de Facundo Cabral, quien expulsó al resto de la familia. De modo que Cabral afirmaría varios años más tarde que su nacimiento se produciría en una calle de la ciudad de La Plata.[2] Sus primeros años los pasó en Berisso, localidad adyacente a La Plata. Posteriormente, la madre de Cabral y sus hijos emigraron hacia Tierra del Fuego, en el sur de Argentina.
A la edad de 9 años, escapó de su hogar y estuvo desaparecido cuatro meses. Su propósito inicial era llegar hasta Buenos Aires para conocer al entonces presidente argentino Juan Domingo Perón, ya que tenía la referencia de que el mandatario "le daba trabajo a los pobres". Después de una larga travesía, transportado por diferentes personas, al llegar a la ciudad capital, un vendedor le dio la dirección de la Casa Rosada y al día siguiente Facundo Cabral, siendo apenas un niño, logró burlar el cerco policial alrededor del mandatario y su esposa, Eva Duarte y conversó con ambos. En un reportaje en los años 90 confesó que Eva Perón en ese momento dijo: "Por fin alguien que pide trabajo y no limosna". Gracias a esta conversación, logró que su madre obtuviera empleo y el resto de la familia se trasladara a la ciudad de Tandil.
Facundo Cabral tuvo una infancia dura y desprotegida; se convirtió en un marginal al punto de ser encerrado en un reformatorio pues se había convertido en alcohólico desde los nueve años de edad. Escapa y luego cae preso a los 14 años por su carácter violento. En la cárcel, un sacerdote jesuita de nombre Simón fue quien le enseñó a leer y escribir, lo puso en contacto con la literatura universal y lo impulsó a realizar sus estudios de educación primaria y secundaria, los cuales llevó a cabo en tres años, en lugar de los doce que era el período normal en Argentina. Un año antes de salir de la cárcel, Cabral escaparía de la prisión, aunque recibió aún ayuda del sacerdote. Gracias a un vagabundo, Cabral conoce la religión aunque declarándose librepensador, sin pertenecer a iglesia alguna. Poco después, se iniciaría como músico y cantante en el medio artístico.
Cabral citaría así sus inicios en el medio musical: "Empecé a cantar con los paisanos, con la familia Techeiro. Y el 24 de febrero de 1954, un vagabundo me recitó el sermón de la montaña y descubrí que estaba naciendo. Corrí a escribir una canción de cuna, Vuele bajo, y empezó todo."[3]
En 1959, ya tocaba la guitarra y cantaba música folklórica, admiraba a Atahualpa Yupanqui y a José Larralde, se trasladó a Mar del Plata, ciudad balnearia argentina, y solicitó trabajo en un hotel; el dueño lo vio con su guitarra y le dio la oportunidad de cantar. Así comenzó su carrera dedicada a la música; su primer nombre artístico fue El Indio Gasparino. Sus primeras grabaciones no tuvieron mayor repercusión. Luego se presentó con su apellido verdadero.
Durante la última Dictadura Argentina (1976-1983), era ya considerado un cantautor de protesta, lo que lo obliga a abandonar Argentina en 1976. Se radicó en México, donde continuó componiendo y haciendo presentaciones. Se estima que recorrió 165 países.
En 1984, regresó a Argentina con su nombre consagrado. Ofreció un recital en el Estadio Luna Park. Siguió por Mar del Plata. En 1987, hizo una presentación en el estadio de fútbol de Ferrocarril Oeste, en Buenos Aires, con capacidad para treinta y cinco mil personas. El 5 de mayo de 1994, comenzó una gira internacional.
Se presentó en conciertos junto a Alberto Cortez en “Lo Cortez no quita lo Cabral” uniendo humor y poesía con las canciones que hicieron famosos a ambos intérpretes. En enero de 1996, ambos actuaban en la ciudad de Mar del Plata, cuando Alberto Cortez debió ser operado debido a una obstrucción en la carótida, así que Cabral continuó con la gira de la cual se hizo una grabación.
Ya casi invidente, él mismo resumió en una nota: "Fue mudo hasta los 9 años, analfabeto hasta los 14, enviudó trágicamente a los 40 y conoció a su padre a los 46. El más pagano de los predicadores cumple 70 años y repasa su vida desde la habitación de hotel que eligió como última morada".
Sus últimos conciertos los realizó en una gira en Centroamérica. Se presentó en la Ciudad de Guatemala el martes 5 de julio de 2011 en el Expocenter del Grand Tikal Futura Hotel, a las veinte horas donde para despedirse expresó lo siguiente: “ya le di las gracias a ustedes; las daré en Quetzaltenango, y después que sea lo que Dios quiera, porque Él sabe lo que hace”. El jueves 7 se presentó en el que sería su último concierto, en el Teatro Roma de la ciudad de Quetzaltenango, el cual cerró interpretando la canción No soy de aquí, ni soy de allá.
Fue asesinado el 9 de julio de 2011 alrededor de las 5:20 am, en Ciudad de Guatemala, víctima de un atentado aparentemente dirigido al empresario Henry Fariñael cual conducía al cantautor y a su representante al Aeropuerto Internacional La Aurora desde el hotel donde se hospedaba, para continuar en Nicaragua con su gira de presentaciones. El atentado fue perpetrado por varios sicarios que se dirigían en tres vehículos y armados con fusiles de asalto en el Boulevard Liberación de dicha ciudad quedando únicamente herido el empresario y fallecido el cantautor.
DonnaSummer regaló música para la hora de bailar. Sin dudas, fue una de las
reinas de la disco que hizo bailar a generaciones, como ocurre hasta el día de
hoy.
La vida de LaDonna Adrian Gaines (tal su verdadero nombre) había
iniciado en Boston, Massachusetts, cuando vio la luz por primera vez el 31 de
diciembre de 1948. A principios de la década del '70, mientras trabajaba como
corista de la banda estadounidense Three Dog Night, Donna Summer conoció a los
productores Giorgio Moroder y Pete Bellotte.
Por esos años, deleitaban
sus canciones como "I Feel Love", "On the Radio" y "Last Dance" hasta que un
gran escándalo provocó su canción "Love To Love You Baby". Moroder y Bellotte
habían reservado esa melodía para otra cantante, pero la propia Donna los
convenció y le puso título y letra al que sería un hit. Aquel demo fue el que
finalmente los convenció y quedó registrada. En ella Summer incluyó atrevidos
jadeos y gemidos propios de un orgasmo y se cuenta que para grabarlos pidió un
ambiente íntimo: apagar las luces del estudio.
Cuenta la leyenda que
esas sensaciones sugeridas en la canción eran reales y que se contabilizaron 22
orgasmos en "Love To Love You Baby". En Europa fue lanzada y hasta censurada por
su erotismo y tuvo un éxito modesto. Pero en Estados Unidos llegó a manos de
Neil Bogart, presidente de la firma Casablanca Records quien la hizo sonar en
una de sus fiestas y comprobó que era un furor. Se hizo una versión extendida
para los boliches de la época. Fueron 17 minutos de duración que no cabía en un
disco de vinilo de tamaño single y que tuvo que editarse en otro de 12 pulgadas:
el maxi-single, formato del que Donna Summer resultó ser pionera.
Años
más tarde, y ante el fanatismo por sus creencias cristianas, la propia Donna se
avergonzaría de aquella canción. En aquel disco, también fue grabada "Could It
Be Magic", canción escrita y grabada también por Barry Manilow que en los
noventa fuera versionada por el grupo Take That, donde se hizo popular Robbie
Williams
Pero Donna fue más que “Love to love...”. Fue reina con “Hot
Stuff”, “Bad Girls”, “On the radio”, “Last Dance”, “She Works Hard for the
Money”, “This Time I Know It's for Real”, “I will go with you” o “I Don't Wanna
Get Hurt”. Vendió más de 100 millones de copias en todo el mundo, lo que la
convierte en uno de los músicos con mayores ventas de todos los tiempos.
Párrafo aparte para “I feel love”, que hasta fuera inspiración para
Madonna. La propia Reina del Pop reconoció que su canción “Future lovers” lleva
los acordes de aquel clásico de su adorada reina de la disco. Y ambas, fueron
adoradas por la comunidad gay.
Donna Summer falleció este jueves 17 de
mayo de 2012 a los 63 años, víctima del cáncer. Algunos dicen que la enfermedad
fue por la inhalación de aire tóxico tras los sucesos del 11-S en Nueva York,
donde estaba en esos días. Hasta ella misma declaró que los atentados
terroristas la sumieron en un estado depresivo, del que pudo reponerse gracias a
su religiosidad. Pero el mundo oirá siempre su legado. Dejó grandes
interpretaciones de música disco y pop que hicieron y hacen bailar a
generaciones. Fue y será de esas voces que dejaron su nombre en lo más alto.
Los Wawancó es una agrupación de música tropical formada en la Argentina con músicos de diversas nacionalidades como Costa Rica, Perú, Chile y Colombia, siendo la primera agrupación en su género en tener tan diversas nacionalidades e influencias musicales. Más adelante se le uniría uno de nacionalidad argentina. Se considera un exponente importante de la cumbia en latinoamérica debido a que muchos temas compuestos por sus miembros han sido regrabados en Perú, Colombia, México. Fueron muy influyentes en la Cumbia argentina.
Entre sus ejecuciones se encuentran principalmente los ritmos de cumbia , merengue, mapalé, jalaíto, paseo vallenato, merengue dominicano y bolero, sobre otros.
Como conjunto de música caribeña, popularizó los ritmos tropicales en el escenario argentino y las famosas interpretaciones "El conductor", "Un sombrero 'e paja", "Cumbia que te vas de ronda", "Atrévete a mirarme de frente", "Villa cariño", "El pescador", "El palomo y la paloma", "Pajarito mañanero", "El gavilán"," Tiburón a la vista", etc.
Hernán Rojas fue el primer vocalista de Los Wawancó que inició la etapa de éste conjunto tropical en el año 1955. Primitivo estudiante de medicina por aquellos años, formó junto a Mario Castellón, Rafael Aedo, Enrique Salazar, Sergio Solar y Carlos Cabrera. Luego se integraría Gustavo Miguel Loubet. La primera agrupación wawanquera inició el ruedo de la música caribeña en la República Argentina cuando cursaba los primeros años de la Facultad de Medicina de La Plata.
Las principales composiciones de Los Wawancó fueron hechas por Miguel Loubet, Sergio Solar y Mario Castellón, más tarde uniéndose Lil Monet, Marfil y José Oscar " Taco" Morales, grabadas por ellos durante las décadas de los 60's, 70's y 80's y que fueron éxitos rotundos en gran parte del continente. Excepcionalmente el grupo interpretó temas de terceros: el ejemplo más notorio es el tema "Villa Cariño", compuesto por el publicista Eduardo Schejtman y la letrista Herminia Cruz por encargo de Miguel Loubet.
En el año 1955, las universidades argentinas albergan a cientos de estudiantes que llegan de toda América Latina. Un grupo de recién llegados tiene muchas ganas de divertirse y menos ganas de estudiar medicina.
Se juntan a tocar muy seguido, hasta que un día consiguen fecha: el restaurante bailable Tom y Jerry, en Vicente López, por invitación del empresario Francisco Trimboli.
Equipada con camisas floreadas prestadas, la primera formación tuvo a Rafael Aedo, Enrique Salazar y Hernán Rojas (Colombia), Carlos Cabrera (Perú), Sergio Solar (Chile) y Mario Castellón (Costa Rica). Los chicos hacen una mezcla de los ritmos de sus países: cumbia, merengue, Salsa, guaracha.
El integrante argentino que se incorporó después fue Gustavo Miguel Loubet (piano). En el año 1969 ingresó, ante la ausencia de Hernán Rojas en Colombia, el vocalista argentino (marplatense) "Taco" Morales, integrante vital del conjunto hasta el año 1990 y fallecido en noviembre del 2006. Las idas y venidas de ambos vocalistas llevaron a probar en el año 1990 a "Beto" Galván, sin mucho éxito.
No es de poco mérito decir que los originales Wawancó en su rica historia hayan marcado una etapa de los que adoran a este indiscutido conjunto tropical. Han sido los que sobrellevaron las crisis de representación musical centroamericana con una fina interpretación acompañada por el éxito inmediato. Los millones de fans así lo atestiguan. Los Wawancó nunca han salido de su particular estilo, aunque difiera en la nueva formación de aquéllas que lograron el esplendor de sus seguidores.
Actualmente de la originaria agrupación sólo se encuentra Mario Castellón, su conductor, director,fundador, percusionista y voz, y secundado por Oscar " Cacho " Raballatti,sociólogo, representante , tumbadorista y armador de coros, que se adhirió al grupo a los 24 años de edad en 1984, respectivamente. Un grupo de jóvenes intérpretes componen la actual formación wawanquera.
Variada cantidad de músicos pasaron por sus filas, como el eximio bajista uruguayo Juan Gularte,los tecladistas Ricardo Vigliesi, Hugo Sorbo, Néstor " Gallego" González, entre otros, y el tumbadorista oriental de "Katunga" Ricardo González.
P
ese a tener en su haber grandes transformaciones de los originales Wawancó hasta el presente, el grupo musical de Mario Castellón sigue liderando las preferencias populares de sus oyentes. Marcando un estilo difícil de igualar, en donde lo tropical se simboliza en una base instrumental sólida con arreglos muy bien acentuados, este conjunto de latinoamericanos marcó una etapa trascendental en la evolución de la música popular argentina. Millones de seguidores aún siguen gozando con cada una de sus interpretaciones y recordando sus circunstancias y su musica que, por cierto, es única, irrepetible e invulnerable.
